Índex, revista de arte contemporáneo

Esos universos que somos. Un perfil de la artista Pilar Flores

Resumen: Este artículo fue elaborado a partir de una serie de diálogos-caminatas junto a la artista y educadora Pilar Flores. Desde la escritura, se busca integrar varias dimensiones de su amplia trayectoria: el dibujo, la pintura, la creación de “estancias” para cultivar la atención, la meditación y el trabajo colectivo. En este artículo, la búsqueda de la modulación de la respiración es un elemento guía que está presente tanto en el trabajo de la artista como en el procedimiento llevado a cabo para la escritura.

Abstract: This article was written from a series of dialogues-walks with Pilar Flores, artist, and educator. The writing process seeks to combine several dimensions of her wide trajectory: drawing, painting, the creation of spaces to cultivate attention, meditation, and collective work. In this article, the search for the modulation of breathing is a guiding element that appears both in the artist's work and in the procedure carried out in writing.

De objetos no nacidos digitales a objetos técnicos digitalizados: a propósito del Gabinete Virtual La GLOBAL

Resumen: El gabinete virtual de la red de investigación LaGLOBAL es un proyecto de historia pública en torno a objetos de las Américas durante el período colonial y temprano republicano. En este texto tomamos el gabinete no solamente como una colección de objetos que indaga sobre “el lugar de las Américas en la historia global del conocimiento” (https://flacso.edu.ec/laglobal/es/el-gabinete/guia/), sino también como una colección de objetos digitales. Aquello nos permitirá presentar ciertas reflexiones preliminares en torno a los objetos digitales como objetos técnicos, para lo cual nos cuestionamos sobre su modo de existencia desde el debate ontológico planteado por Simondon, Latour y Hui.

Abstract: The Virtual Cabinet from LaGLOBAL research network is a Public History project about objects from the Colonial and Early Republican periods in the Americas. In this text we take the cabinet not only as a collection of objects that show the “place of the Americas in the global history of knowledge” (https://flacso.edu.ec/laglobal/es/el-gabinete/guia/), but also as a collection of digital objects. This will allow us to present some preliminary reflections on digital objects as technical objects, and for that we question their mode of existence through the ontological debate proposed by Simondon, Latour and Hui.

La representación en Al desafuero II de Pepe Avilés

Resumen: Este ensayo propone el análisis de la representación de la figura de mujeres en la serie fotográfica Al Desafuero II de Pepe Avilés. Esta serie fue producida durante la segunda mitad de la década de los 90 del siglo pasado y marca una estética particular en la concepción de la fotografía de la época; al mismo tiempo presenta al espectador una temática social que vale la pena observar en medio del contexto histórico.

Abstract: This essay analyzes the figure representation in Al Desafuero II photographic series by Pepe Avilés. The production of this series was developed during the second half of lasta century’s 90’s and inserts a particular aesthetic in photography at the time and, presents to the public a theme that is worth observing in the midst of its historical context.

Casa(s): Encuentros, heridas y refugios

Resumen: Los encuentros, las heridas y los refugios encarnan tres maneras de significar la casa por medio de la práctica artística, planteando diversas problemáticas que se ven atravesadas por afectos y por el habitar cotidiano, desdibujando la frontera entre lo privado y lo público, entre lo doméstico y lo artístico. En este sentido, se aborda paralelamente la búsqueda del hogar relacionado con la experiencia migratoria a través de la obra Embarcación del territorio (2018-2021) de Wilkellys Pirela, el colapso de la casa reflejo de un sistema que invisibiliza y generiza el trabajo de cuidados por medio de la serie Modo doméstico (2022) creada por Serlit Jamett y por último, la configuración de un espacio que alberga la convergencia entre arte y vida a través del proyecto ,coma (2020-) gestionado por Dominga Del Campo, Elisita Balbontín, Daniela Hermosilla y Jan Vormann.

Abstract: Meetings, wounds, and refuges represent three ways to signify the house through artistic practice, showcasing diverse problematics which are crossed by affections and inhabiting the mundane, erasing the frontier between the public and private, the domestic and the artistic. In this regard, this text examines: the search of 'home', related to migratory experiences in Wilkellys Pirela's piece, Embarcación del territorio (Territory's Ship, 2018-2021); the collapse of housing, as a reflection of a system that turns away and nullifies housekeeping, through Serlit Jamett's series, Modo Doméstico (Domestic Way, 2022); and finally, the configuration of a space which boards the convergence between art and life through the project ,coma (,comma, 2020-), managed by Dominga del Campo, Elisita Balbontín, Daniela Hermosillo, and Jan Vormann.

Almerisa y una silla. La escenificación, documentación y la interacción con el observador en la serie Almerisa de Rineke Dijkstra

Resumen: Un hilo conductor que conecta la producción de la fotógrafa holandesa Rineke Dijkstra (1959) es la presentación de niños, adolescentes y jóvenes adultos experimentando un proceso de transición. A lo largo de su obra, se observa que Dijkstra compone sus fotografías de manera que se pueda establecer una interacción entre el retratado y el observador; se destaca también la presencia de los retratados y su comunicación silenciosa, incómoda, a veces demostrativa y otras inexpresiva con la cámara. El siguiente ensayo se centra en la serie fotográfica Almerisa (1994- ) y pretende observar cómo Dijkstra compone estas imágenes manteniendo un diálogo entre la documentación y la orquestación. En Almerisa, Rineke Dijkstra retrata desde 1994 a una niña que llegó a los Países Bajos como refugiada. Las características documentales y escenográficas de estos retratos presentan los aspectos transitorios y estáticos en la representación de esta niña. Dijkstra hace uso de estos instrumentos para facilitar la interacción entre fotógrafa, retratada y el espectador.

Abstract: A common thread that connects the production of the Dutch photographer Rineke Dijkstra (1959-) is the display of children, teens, and young adults experiencing a moment of transition. Throughout her body of work, it is noticeable that Dijkstra composes her photographs in a way that facilitates an interaction between the sitter and the observer. The presence of the portrayed persons and their quiet, awkward, sometimes demonstrative, and sometimes deadpan/inexpressive interaction with the camera is highlighted. The following essay examines Dijkstra’s photographic series Almerisa (1994- ) and aims to observe how the photographer composes these pictures with an interplay between documentation and orchestration. In Almerisa, Rineke Dijkstra captures since 1994 portraits of a girl that arrived in the Netherlands as a refugee. Dijkstra implements in her pictures, documentary as well as staged features to present the transitional, as well as the static aspects in the representation of this little girl. Dijkstra employs these instruments to favor an interaction between photographer/ portrayed/ and beholder.

La potencia de lo grotesco: carnaval, muerte y renovación en Com o coração saindo pela boca, de Jonathas de Andrade.

Resumen: En la 59ª Bienal de Venecia, el artista brasileño Jonathas de Andrade exhibió la imagen de un cuerpo despedazado partiendo de toda una serie de expresiones típicas del lenguaje familiar y popular brasileño que justamente, aluden a diferentes partes corporales. Por tanto, en este trabajo nos proponemos analizar esta exposición, considerando que la misma reproduce una concepción grotesco-carnavalesca del cuerpo. De esta manera el artículo demuestra el modo en que la obra de De Andrade puede ser abordada desde esa perspectiva, así como la forma en que la misma porta una indudable potencia político-disruptiva en tanto promueve, por su propia lógica grotesco-carnavalesca, la degradación y relativización de las normas, códigos, identidades y formas de corporalidad hegemónicas, abriendo con ello la posibilidad para su reforma, cambio y renovación.

Abstract At the 59h Venice Biennale, brazilian artist Jonathas De Andrade exhibited the image of a dismembered body based on a whole series of typical expressions of popular Brazilian language that, alludes to different body parts. Therefore, in this paper we analyze this exhibition, considering that it replicates a grotesque-carnivalesque conception of the body. Thus, the article shows the way in which De Andrade’s work can be approached from this perspective, as well as the way in which it carries an undoubted political-disruptive power in as much as it promotes, by its own grotesque and carnivalesque logic, the degradation and relativization of hegemonic norms, codes, identities and forms of corporality, thereby opening the possibility for their reform, change and renewal.

Territorios virtuales y emplazamientos deslocalizados: “Forensic architecture” como una experiencia de la reorganización de las musealidades contemporáneas

Resumen: Los emplazamientos culturales como museos, bienales y centros culturales, se han convertido en la plataforma para sentar las claves operativas y de gestión de algunas políticas culturales. El espacio de la virtualidad es el escenario para la re-territorialización del arte en función de las nuevas luchas identitarias, abierto a la democratización de ideas donde fluctúan sujetos (artistas, curadores y públicos), obras e ideas. Este trabajo se plantea en tres partes: una primera, donde se expone la categoría de emplazamiento cultural haciendo una descripción de sus posibilidades enunciativas en función de la espacialidad; una segunda en la que se describe el estudio de caso: la exposición virtual “Forensic Architecture”-en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la UNAM- como una exposición situada en una plataforma museal distinta; y una tercera parte en la que se realizan algunos apuntes de cierre, vinculando y analizando cómo funcionan estos territorios museales como plataformas expandidas y deslocalizadas.

Abstract: Cultural sites such as museums, biennials and cultural centers, have become the platform for laying down operational and management keys for some cultural policies. The space of virtuality is the stage for the re-territorialization of art based on the new identity struggles, open to democratization of ideas where subjects (artists, curators and audiences), works and ideas fluctuate. This work is has three parts: first, where the category of cultural location is exposed, making a description of its enunciative possibilities based on spatiality; a second one in which the case study is described: the virtual exhibition "Forensic Architecture" -in the University Museum of Contemporary Art of the UNAM- as an exhibition located in a different museum platform; and a third part in which some closing notes are made, linking and analyzing how these museum territories work as expanded and relocated platforms.

Disentir del interfaz. Crítica y escritura en la era de la autorreferencialidad digital

Resumen: Este artículo presenta una indagación sobre el estatuto actual de la escritura y la crítica en las mediaciones digitales contemporáneas a partir del trabajo e-valencia.org del artista Daniel García Andújar. Su argumento se desarrolla a partir de las consideraciones de Tiziana Terranova (2004), Scott Lash (2005) y Bernard Stiegler (2002, 2010), entre otros, para dilucidar el papel del interfaz y la indeterminación tecnológica en la tarea de la escritura y la crítica digitales. La hipercomplejidad, el aceleramiento y la autorreferencialidad que para estos autores, caracterizan las mediaciones digitales harán de la escritura y la crítica ejercicios parciales y situados ligados a la imprevisibilidad inherente a todo orden tecnológico. El artículo inicia considerando la iniciativa de escritura colaborativa e-valencia.org del artista Daniel García Andújar y cierra volviendo sobre su trabajo para señalar como en él la crítica se manifiesta, en tanto forma de escritura mediada digitalmente, trenzada con el disenso y el olvido como sus condiciones de posibilidad.

Abstract: This article inquiries about the current condition of writing and critique within contemporary digital media focusing on artist’s Daniel García Andújar web project e-valencia.org. Its argument develops from the work of Tiziana Terranova (2004), Scott Lash (2005) and Bernard Stiegler (2002, 2010) to think about the role that interfaces and technological indetermination play in digital critique and writing. These authors characterize digital mediations through hypercomplexity, acceleration and self-referentiality which make critique and writing partial and situated endeavors linked to the inherent imprevisibility of any technological order. This article focuses initially on artist Daniel García Andújar’s e-valencia.org as a form of collaborative writing and ends up recalling Andújar’s work to highlight how critique as a form of digitally mediated writing is intertwined with dissent and oblivion as its condition of possibility.

Ver las nubes. Estudio sobre las formas de representación de las nubes tóxicas y su impacto en los modos de ver las violencias

Resumen: Las nubes tóxicas pueden ser entendidas como eventos violentos que invaden el aire que respiramos. La genealogía de la mirada a las nubes tóxicas devela los mecanismos de representación del conflicto y los eventos políticos. Este artículo presenta un análisis de las estrategias de representación que surgen alrededor de las nubes tóxicas y la manera en que estas formas de violencia inciden los modos de ver y representar la guerra. Finalizo con el análisis de dos propuestas artísticas: Santa (2006) de Miguel Ángel Rojas y Gases lacrimógenos en Plaza de la Dignidad (2021) de Forensic Architecture (FA). En estas obras, reviso las formas en que se han visibilizado las violencias que se ejercen contra el aire que respiramos y por medio de él, esto me permite analizar cuál es el sentido político de la mirada a las nubes tóxicas.

Abstract: Toxic clouds can be understood as violent events that invade the air we breathe. The genealogical gaze at toxic clouds unveils the representation mechanisms of conflict and political events. This article presents an analysis of the representation strategies that emerge around toxic clouds and how these forms of violence transform the ways of seeing and representing war. I conclude with the analysis of two artistic proposals: Santa (2006) by Miguel Ángel Rojas and Tear gas in Plaza de la Dignidad (2021) by Forensic Architecture (FA). In this works I review the ways in which the violence exercised against the air we breathe has been made visible and this review allow me to analyze what is the political sense of looking at toxic clouds.

Nosotros los Árboles

Resumen: Nuestro planeta se transforma permanentemente por los intercambios constantes entre entidades y especies. Los humanos somos solo una especie más.Hoy sabemos más sobre las formas de habitar en colaboración e interdependencia, tanto de los árboles como de las plantas, y su rol decisivo para la vida en la Tierra.

Abstract: Our planet is transformed by constant exchanges between entities and species. The human being is just one of many species on this planet.Today we know more about ways of living in collaboration and interdependence of both, trees and plants, and their decisive role regarding life on earth.

61° Salón de Julio. Fundación de Guayaquil

Resumen: El Salón de julio de Guayaquil, con sus 61 ediciones, es uno de los certámenes más antiguos y relevantes de la escena artística ecuatoriana. Desde su fundación en 1959 se estableció como un Salón de Pintura, caracterización que se ha seguido manteniendo hasta la actualidad, asumiendo el lenguaje pictórico como un medio expresivo propio del campo del arte contemporáneo. El presente texto curatorial introdujo al público a la edición 61 del Salón, que se inauguró el día 22 de julio de 2022, en el Museo Municipal de Guayaquil bajo la dirección de la curadora Giada Lusardi. En esta edición participaron las jurados internacionales de selección: Carolina Castro (Chile), Direlia Lazo (Cuba - Miami) y Alma Cardoso (México), quienes seleccionaron 24 artistas provenientes de distintas provincias del país: José Luis Chóez Peñafiel, Juan Carlos Fernández (Mago), Francesca Fruci, Dayana Garrido, Ilowasky Ganchala, Bryan Gavilanes, Pedro Gavilanes Sellan, Cristhian Godoy, Jimmy Lara, Isabel Llaguno Albán, José Luis Macas Paredes, Harold Maridueña, Teo Monsalve, Sisa Morán, Deborah Morillo, Francesca Palma, Mateo Del Pozo, Glenda Rosero Andrade, Oswaldo Terreros, David Federico Uttermann, Raymundo Valdez, Andrés Velásquez Dután, Juanca Vargas y Daniel Zambrano.

Abstract: The July Hall of Guayaquil, with its 61st edition, is one of the oldest and most relevant contests in the Ecuadorian art scene. Since its foundation in 1959, it was established as a Painting Hall, a characterization known until today, assuming the pictorial language as an expressive means of the field of contemporary art. This curatorial text introduced the public to the 61st edition of the Salon, which opened on July 22, 2022, at the Municipal Museum of Guayaquil under the direction of curator Giada Lusardi. In this edition the international selection juries participated: Carolina Castro (Chile), Direlia Lazo (Cuba - Miami) and Alma Cardoso (Mexico), who selected 24 artists from different provinces of the country: José Luis Chóez Peñafiel, Juan Carlos Fernández (Mago), Francesca Fruci, Dayana Garrido, Ilowasky Ganchala, Bryan Gavilanes, Pedro Gavilanes Sellan, Cristhian Godoy, Jimmy Lara, Isabel Llaguno Albán, José Luis Macas Paredes, Harold Maridueña, Teo Monsalve, Sisa Morán, Deborah Morillo, Francesca Palma, Mateo Del Pozo, Glenda Rosero Andrade, Oswaldo Terreros, David Federico Uttermann, Raymundo Valdez, Andrés Velásquez Dután, Juanca Vargas and Daniel Zambrano.

Piedras vivas. Living Rocks

Resumen: El trabajo de Karina Skvirsky-Aguilera pondera la particularidad y complejidad del individuo en oposición a los esencialismos con que se abordan los discursos étnicos y de raza. Partiendo de aquello el texto explora la idea de identidades dislocadas y fluctuantes que enarbola su obra frente a nociones homogeneizadoras y reductivas cada vez más inviables en el mundo contemporáneo. La artista invita a repensar conceptos como “filiación cultural” que hoy resultan problemáticos en sociedades progresivamente descalzadas de sus propios imaginarios de raíces, origen y procedencia, y que sin embargo son moneda corriente en la ideología y la arena política.

Abstract: Karina Skvirsky-Aguilera's work considers the particularity and complexity of the individual in opposition to the essentialists views favored to approach ethnic and racial discourses. This text explores the idea of dislocated and fluctuating identities that her work raises in the face of standardizing and reductive notions that are increasingly unrealistic in the contemporary world. The artist invites us to rethink concepts such as “cultural affiliation” that today are problematic in societies that seem out of touch with their own imaginaries of roots, origin and provenance, and that are nevertheless common currency in the ideologies that crisscross the political arena.

Quemar la Tierra. Rosell Meseguer y Fabiano Kueva

Resumen: Rosell Meseguer: Meseguer busca indagar en una arqueología minera, en la huella milenaria de las capas minerales que nos cuentan la historia subterránea, lo acontecido en la tierra, en las cenizas. Las obras de la artista seleccionadas en esta curaduría narran aquello que ha trascendido en la naturaleza soterrada- relatan la extracción minera desde un ángulo crítico y, a nivel poético, propone una arqueología de espacios abandonados; la postal desértica provocada por el hombre que atraviesa excavaciones de ansiada riqueza, donde el mito en busca de tesoros, genera una mitología desoladora.Fabiano Kueva: El fuego es desde siempre la vida, con su energía potente y efímera; crea y destruye, hace y deshace, abriga y desaparece; el fuego en esta obra de Fabiano Kueva, es el instrumento de un acto performático, donde los resultados son de una impresión profunda, que deja vestigios en la memoria; es también un gesto poético y político, pues al quemar un texto no hay vacío, sino huella, el artista deconstruye la capa superficial del texto y su lingüística primaria, la deja caer y elabora una marca que denota otra semiótica de lo que no cambia y nos conduce a otro texto que demanda un punto de fuga, las imágenes del video son estáticas variables del tiempo en la urbe caótica y errante.

Abstract: Rosell Meseguer: Meseguer research into a mining archaeology, in the millenary footprint of the mineral layers that tell us the history underground, what happened on Earth, in the ashes. Meseguer’s works selected in this curatorship, narrate what has transpired in underground nature - they relate mining extraction from a critical angle and, on a poetic level, propose an archeology of abandoned spaces; the desert postcard caused by men that goes through diggings of longed for wealth, where the myth in search of treasures, generates a devastating mythology.Fabiano Kueva: Fire has always been life, with its powerful and ephemeral energy; creates and destroys, makes and unmakes, shelters and disappears; the fire in Fabiano Kueva’s work, is the instrument of a performative act, where the results are of a deep impression, which leaves vestiges in the memory; it is also a poetic and political gesture, because when burning a text there is no void, but a trace, the artist deconstructs the superficial layer of the text and its primary linguistics, drops it and makes a mark that denotes another semiotic of what does not change and it leads us to another text that demands a vanishing point, the images of the video are static variables of time in the chaotic and wandering city.