Índex, revista de arte contemporáneo

Contemporary, Electronic and Digital Art Differentiated

Resumen: Una de las constantes humanas ha sido la expresión a través del arte a lo largo del tiempo. El hacer como forma de expresión en modos tales que, inviten a la reflexión de unos y la admiración de otros como forma de aproximarse al arte. No obstante, pocos son los que se atreven a afirmar y definir lo que es arte, esto derivado a los múltiples criterios que suscita el arte debido a su naturaleza transformativa. El presente artículo se aboca a la reflexión en torno a algunos de los diferentes criterios considerados como influyentes dentro del campo del arte. Por otra parte, se encuentran dos de sus ramas, el arte electrónico dentro del que se encuentra el arte digital; todos conformando parte del ecosistema del arte actual, donde la tecnología no es ajena al ser humano, surge y forma parte de éste, lo configura y transforma; es decir, el zeitgeist o arte como espíritu de una época.

Abstract: One of the human constants is that it expresses through art over time. Some audiences see it as a form of expression that invites reflection, and others feel admiration by approaching art. However, few dare to affirm and define what art is due to multiple criteria that art raises due to its transformative nature. Therefore, this article focuses on reflection on some of the different criteria considered influential within the field of art. On the other hand, there are two branches: electronic art within which is digital art, all forming part of the current art ecosystem, where technology is not alien to the human being. On the contrary, it arises and forms part of it, configures and transforms it; that is to say, zeitgeist, art as the spirit of an age.

Adolf Loos - Theodor Adorno and the Modern Aesthetic

Resumen: Como crítico cultural, Loos es recordado principalmente por su crítica despectiva del ornamento en el ensayo de 1910 "Ornament und Verbrechen" (Ornamento y Delito). Loos sostuvo que el ornamento enmascara fundamentalmente la autenticidad y la integridad de la arquitectura; por lo tanto, mantuvo que todo concerniente a lo funcional dentro de la arquitectura no pertenece al ámbito del arte, y que solo la tumba y el monumento pueden ser considerados arte. Como corolario de esta posición, Loos se dio cuenta de la conclusión radical de que el arte existe fuera de la cultura, mientras que la arquitectura está arraigada en la cultura. Irónicamente, Adorno en su conferencia "Funcionalismo hoy" ('Funktionalismus Heute') que fue presentada a los herederos intelectuales de la misma Deutsche Werkbund, que fue objeto del desprecio de Loos más de medio siglo antes. Su discurso a este grupo fue esencialmente una crítica sobre la empobrecida calidad de la construcción alemana; que prescindía de cualidades estéticas para servir a una agenda funcionalista expedita.

Abstract: As a cultural critic, Loos is mostly remembered for his contemptuous critique of ornament in the 1910 essay “Ornament und Verbrechen” (Ornament and Crime). Loos believed that ornament fundamentally masks the authenticity and integrity of architecture; therefore, he concluded that everything concerning a utilitarian function within architecture does not belong to the realm of art and that only the tomb and monument can be considered art. As a corollary to this position, Loos realized the radical conclusion that art exists outside of culture whereas architecture is rooted in culture. Adorno in his lecture “Functionalism Today” (‘Funktionalismus Heute’) that was given to the intellectual heirs of the same Deutsche Werkbund, which ironically was object of Loos’ contempt more than half a century earlier. His discourse to this group was essentially a critique on the impoverished quality of German building; and how it dispensed with aesthetic qualities to serve an expedient functionalist agenda.

“Avant-garde videotape”, first exhibition of video art in Mexico

Resumen: En julio de 1973, la Galería de Exposiciones Temporales del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México (MAM) inauguró la muestra Videocinta de Vanguardia. Video Art Estética Televisual, bajo el auspicio de la Embajada de los Estados Unidos. El evento fue el primer acercamiento del público mexicano con el videoarte (estadunidense), en una época en la que los recintos culturales continuaban priorizando a las artes visuales más tradicionales. El artículo ofrece una reconstrucción histórica de esta primera muestra escasamente revisada en otras fuentes, a través de la información obtenida de la documentación existente: las críticas publicadas por el teórico Juan Acha en la revista Plural, el suplemento cultural Diorama de la Cultura y las hojas que se conservan del único ejemplar del catálogo en el MAM. En segunda instancia, el texto aborda la exhibición en el marco de las coyunturas políticas, sociales y culturales de la época y la sitúa como el resultado de las diferencias entre el primer mundo y el tercer mundo.

Abstract: In July 1973 the Temporary Exhibitions Gallery of the Museum of Modern Art in Mexico City (MAM) opened the exhibition «Videocinta de Vanguardia. Video Art Estética Televisual», sponsored by the United States Embassy. This event was the first encounter of the Mexican people with American video art, at a time when cultural institutional spaces continued to privilege more traditional visual arts. This article offers, first of all, a historical reconstruction of the exhibition, which has been scarcely documented in specialized literature. such reconstruction is based in some main sources, which are two critical reviews written by the Peruvian theorist Juan Acha, and the only available copy of the exhibition catalogue. Second, the article approaches the exhibition in the light of the wider political, social and cultural context in the First and Third World.

Art as a desiring machine and producer of worlds in Oscar Santillán's artwork Epilogue

Resumen: El presente trabajo es un análisis de la obra Epílogo del artista Oscar Santillán que nos hace pensar, en esta pieza, como una máquina deseante, en tanto productora de deseo (en el marco de pensamiento de Deleuze y Guattari) y de mundos. Por su cualidad de desbordar los códigos de registro sociales, esta obra construye unos códigos de registros propios, que desbordan las fronteras de ciertos pensamientos establecidos en un determinado contexto histórico y social.

Abstract: The present work is an analysis of the artwork (Epilogue) by the contemporary artist Oscar Santillan is presented, which will lead us to think of this piece as a desiring machine, as a producer of desire (within the framework of thought of Deleuze and Guattari) and of worlds, due to its quality of overflowing the social register of codes, building their own register of codes, which goes beyond the boundaries of the thoughts established in a certain historical and social context.

Fragmented memory and body(s). A rereading of the work “Fantomas o mi memoria incomunicada” by Nancy Gewölb

Resumen: El artículo aborda una de las primeras obras de la artista chilena Nancy Gewölb (1939-), llamada Fantomas o mi memoria incomunicada realizada en el Centro Cultural Estación Mapocho en el año 1982, en medio de un contexto dictatorial marcado por la violencia sobre los cuerpos. A través de un abordaje cualitativo que incluye la revisión de fuentes documentales diversas (prensa, archivos, fotografías personales) y conversaciones con la propia artista es que se relee esta obra, buscando traerla nuevamente a la memoria e inscribirla como una obra que desafía a la dictadura en Chile en aquel entonces.

Abstract: The article deals with one of the first works of the chilean artist Nancy Gewölb (1939-) called “Fantomas o mi memoria incomunicada” made at the Centro Cultural Estación Mapocho in 1982, in the midst of a dictatorial context marked by violence on bodies. Through a qualitative approach that includes the review of various documentary sources (press, archives, personal photographs) and conversations with the artist herself, this work is reread, seeking to bring it back to memory and register it as a work that challenges the dictatorship in Chile at that time.

Transiting disability, collapse corporality. Artistic strategies for a narrative of disability through intimacy, vulnerability, and affection

Resumen: Este ensayo explora las potencias de la autofiguración para reflexionar críticamente sobre las representaciones de la discapacidad. De este modo, se referencian proyectos artísticos recientes en los que la intimidad y el encuentro colectivo se convierten en posibilidades de disrupción. A través de ejercicios de fotografía colaborativa, se busca desaprender las nociones de normalidad y los ideales de suficiencia para dejarse afectar por lo que nos vuelve frágiles y vulnerables.

Abstract: This essay explores the powers of self-figuration to critically reflect on the representations of disability. In this way, recent artistic projects are referenced in which intimacy and collective encounter become possibilities of disruption. Through collaborative photography exercises, the aim is to unlearn the notions of normality and the ideals of sufficiency in order to be affected by what makes us fragile and vulnerable.

The becoming of affective powers in the artistic work of Daya Ortiz Durán

Resumen: Pensar en los trazos, huellas y procesos químicos que confluyen en la obra de Daya Ortiz Durán, es pensar en un diccionario capaz de traducir los signos del cuerpo. Un cuerpo, cuya cartografía supone una cualidad inevitable de afectar y ser afectado por otros cuerpos, cosas o sustancias. En esta medida, la práctica artística de Ortiz se manifiesta como una exploración inagotable, que está en un constante estado de devenir que toma como punto de partida sus afecciones cargadas de distintos grados de potencia y las materializa en propuestas artísticas. Así pues, este ensayo analiza ocho obras de Ortiz que nacen a partir de afectos de distinto orden y son capaces de reconocer la vulnerabilidad del cuerpo. Estas obras nos invitan a pensar, sobre todo, qué es lo que sucede cuando los afectos invaden un cuerpo, lo habitan y lo desalojan para dar espacio a nuevos afectos convergerán nuevamente sobre este.

Abstract: To think of the strokes, traces and chemical processes that come together in the work of Daya Ortiz Durán is to think of a dictionary capable of translating the signs of the body. A body, whose cartography supposes an unavoidable quality of affecting and being affected by other bodies, things or substances. To this extent, Ortiz's artistic practice manifests itself as an inexhaustible exploration, which is in a constant state of becoming, which takes as its starting point her affections charged with different degrees of power and materializes them in artistic proposals. Thus, this essay analyzes eight works by Ortiz that are born from affections of different orders and are capable of recognizing the vulnerability of the body. These works invite us to think, above all, what happens when affects invade a body, inhabit it and dislodge it to make room for new affects that will converge on it again.

The Kids

Resumen: Lxs Niñxs, presentada en la Casa de las Posadas en Cuenca entre agosto y septiembre 2021, fue una muestra oscura, nostálgica y controversial. Poca luz, para dejar ver los recuerdos y sus posibilidades, se filtraban por las puertas y los filos de las ventanas (figura 1). En esta muestra, la primera individual de Mayro Romero (Portoviejo, 1995) lx artista explora su niñez y las relaciones con la heteronormatividad y el canon sexogenérico. Las obras tienen la sombra de la norma que toma como rehén un cuerpo que aún hoy prefiere definirse en lo no binario. El texto curatorial se convierte en una conversación sobre la ensoñación que deja la violencia que viven lxs niñxs, la maquínica acción de dar forma a un futuro que deja de pertenecernos y las relaciones entre infancia y ley. Una obra que se toma una casa, así como los recuerdos invaden las arquitecturas, buscando en la imaginación la estrategia para transfigurar esa violencia.

Abstract: Lxs Niñxs, presented at Casa de las Posadas in Cuenca in August-September 2021, was a dark, nostalgic, and controversial exhibition. It used a low light, to let us see the memories and their possibilities, the only light in the room went through the doors and the edges of the windows (figure 1). This exhibition, Mayro Romero's (Portoviejo, 1995) first solo show, explores his/her childhood and his/her relationship with heteronormativity and the sex-gender canon. The works contain the shadow of the norm that takes hostage a body that, even today, prefers to define itself in the non-binary logics. The curatorial text becomes a conversation about the reverie left by the violence experienced by children, the machinic action of shaping a future that no longer belongs to us and the relationship between childhood and law. A work that takes over a house, just as memories invade architectures, seeking in the imagination the strategy to transfigure that violence.

The big picture

Resumen El presente artículo se muestra como una compilación de textos interpretativos que han acompañado los procesos artísticos realizados por Juan Carlos León Jácome durante los años 2020-2022 y expuestos en México (Ciudad de México) y Ecuador (Cuenca y Quito). Dispel, Doppler y Colonizar el Fin, son proyectos que se enmarcan en exploraciones matéricas y transiciones tanto a nivel geográfico como emotivo-personal experimentados por el artista y que proponen una nueva perspectiva en el uso de las sustancias de sanación, los ritos y los astros dentro de su trabajo.

Abstract This article is shown as a compilation of interpretive texts that have accompanied artistic processes carried out by Juan Carlos León Jácome during 2020-2022 which have been exhibited in Mexico (Mexico City) and Ecuador (Cuenca and Quito). Dispel, Doppler and Colonizar el Fin, are projects framed within material explorations and transitions both, at a geographical and emotional-personal level, experienced by the artist, aiming to propose a new perspective in the use of healing substances, rites and stars in his work.

SEALS: The power of the Icon. A contemporary vision of the ceramic seals in the collection of Casa del Alabado Pre-Columbian Art Museum

Resumen Este artículo presenta un acercamiento a los procesos de investigación, desarrollo de conceptos curatoriales y nexos con el mundo contemporáneo con relación a la materialidad y usos de las piezas arqueológicas, en la exhibición temporal del Museo de Arte Precolombino Casa del Alabado: SELLOS: La potencia del ícono. La propuesta expositiva integra procesos investigativos tradicionales de los sellos, con tecnologías experimentales como la documentación digital y la impresión 3D. El objetivo curatorial es mostrar la riqueza visual y estética de estos objetos, discutir sobre sus formas de uso y materiales en los que fueron marcados, así como reflexionar sobre los lenguajes que transmiten. La exhibición establece un contacto directo con los públicos, artistas e investigadores, trayendo objetos precolombinos de importante valor a contextos contemporáneos.

Abstract This paper presents an approach to the research processes, development of curatorial concepts and connections with the contemporary world related to the materiality and use of archeological objects, built up around the temporary exhibition of Casa del Alabado Pre-Columbian Art Museum, SEALS: The power of the Icon. The purpose of the museum with this exhibition is the integration of conventional research processes with innovative technologies like 3D printing and digital documentation of the seals. The curatorial goal is to show the visual and aesthetic richness of these artifacts, discuss the forms of use and materials suited to be marked, and about the circulation of their graphic languages. The exhibition establishes a direct contact between publics, artists and researchers, bringing pre-columbian artifacts of high importance to the contemporary context.

The multiple and the unique. Expanding Photography

Resumen: La exposición Lo múltiple y lo único. Fotografía en expansión reúne una serie de proyectos que exploran las capacidades de lo fotográfico en tanto medio en expansión. Las obras de Carolina Magnin, Lorena Fernández, Martín Bollati, Lucía Von Sprecher, Lisa Giménez, Estefanía Landesmann, Lucía Peluffo, Inmensidades, Hernán Kacew y Natacha Ebers indagan sobre los diferentes aspectos y posibilidades del medio a partir de investigaciones que relacionan a la fotografía con diversas materialidades y medios. Todas estas búsquedas, vinculadas entre sí a través de diferentes grados de conexión o de conflicto, proponen una situación de desmontaje crítico que evidencia la tensión constituyente del medio, entre lo múltiple y lo único.

Abstract: The exhibition The multiple and the unique. Expanding Photography brings together a series of projects that explore the capabilities of photography as an expanding medium. The works of Carolina Magnin, Lorena Fernández, Martín Bollati, Lucía Von Sprecher, Lisa Giménez, Estefanía Landesmann, Lucía Peluffo, Inmensidades, Hernán Kacew y Natacha Ebers investigate the different aspects and possibilities of the medium, based on research that relates photography to different materials and media. All these researches, linked to each other through different degrees of connection or conflict, propose a situation of critical disassembly that evidences the constitutive tension of the medium, between the multiple and the unique.