Índex, revista de arte contemporáneo

PHOTOACTIVISM, EMPATHY AND THE POLITICS OF AFFECTIONS INTERVIEW WITH SADO PHOTOGRAPHIC COLLECTIVE

Resumen Esta entrevista se produce a partir del diálogo con SADO, colectivo fotográfico de la Ciudad de la Plata. La práctica y producción de este grupo de fotógrafes argentines da cuenta de los modos inéditos en los que la fotografía contemporánea se inscribe en la compleja realidad actual. A través de la constitución de prácticas que cruzan lo documental, lo poético, la horizontalidad, la autogestión, lo afectivo y lo social, sus producciones y acciones se instalan en la frontera entre el arte, el activismo y el fotoperiodismo. La decisión de enunciarse colectivamente en pos de potenciar las voces, miradas y organización colaborativa, es una de sus apuestas más significativas. El interés por los temas macro políticos convive con una fuerte inscripción en las problemáticas regionales, articulando las exigencias de la inmediatez, la calle y las historias de vida. Sus imágenes abordan, desde diferentes perspectivas, temas como trabajo, género, sexopolítica, territorio, memoria y ddhh, migración y agroecología, entre otros.

Abstract This interview is a product of the dialogue with SADO, a photographic collective from the City of La Plata. The practice and production of this group of Argentine photographers gives an account of the unpublished ways in which contemporary photography is part of today's complex reality. Through the constitution of practices that cross the documentary, the poetic, the horizontality, the self-management, the affective and the social, their production and actions are installed on the border between art, activism and photojournalism. The decision to erase individual identities and the abandonment of personal authorship in pursuit of a collective voice and gaze is one of his most significant bets. Interest in macro-political issues coexists with a strong inscription on regional problems, articulating the demands of immediacy, the street, and life stories. It´s images address issues such as work, gender, sex-politics, territory, memory and human rights, migration and agroecology, among others, from different perspectives.

NOTES ON ARTISTIC NEO-EXTRACTIVISM IN LATIN AMERICA

Resumen En el cambio al siglo xxi, una parte importante de los países de América Latina gira hacia el neoextractivismo como modelo de desarrollo basado en la exportación de materias primas no procesadas para aumentar la tasa de ganancia. Este cambio tiene a su vez, consonancias en el arte latinoamericano a partir de su circulación en el sistema artístico internacional, el que inicia un período de reformulación de sus bases conceptuales, enfrentando desde nuevas plataformas teóricas las condiciones de representación mediante las que es inserto en el sistema artístico internacional. A partir de esta caracterización, en este artículo indagamos las relaciones posibles entre el modelo productivo del neoextractivismo y la circulación del arte latinoamericano en el sistema artístico internacional en el siglo xxi, estableciendo los vínculos en las estrategias de funcionamiento que entre ellos es posible rastrear.

Abstract At the turn of the 21st century, an important number of Latin American countries turned to neo-extractivism as a development model, one based on the export of raw materials to improve their rate of profit. This change has in turn a consonance in Latin American art, particularly in its circulation in the international art system, through launching a period of reformulation of its conceptual bases, to facing from new theoretical platforms, the conditions of representation through which Latin American Art is inserted in the international art system. Based on this characterization, in this article I investigate the possible relationships between the productive model of neo-extractivism and the circulation of Latin American art in the international art system in the 21st century, establishing the links in the operating strategies that can be traced between them.

THE BAROQUE IMAGE AS A STRATEGY OF SUBJECTION OF THE INDIGENOUS TO THE CIVIL AND ECCLESIASTICAL POWER IN QUITO IN THE SECOND HALF OF THE SEVENTEENTH CENTURY. THE CASE OF THE PAINTING HEALING OF A DEMONIZED INDIAN

Resumen En este artículo se estudia la pintura titulada Curación de una india endemoniada … (1697-1706) de Miguel de Santiago en el contexto de la evangelización indígena en la segunda mitad del siglo XVII. Esta imagen, ubicada en la iglesia de Guápulo como parte de la serie “milagros de la virgen” ofrece la posibilidad de exponer dos sentidos que anidan en su propósito devocional. Por un lado, el cuadro condensa el imaginario sobre la extirpación de la idolatría indígena en los Andes al formar parte de un conjunto de recursos destinados para su adoctrinamiento y, por otro, la forma en que las elites imaginaban la estructura socio política en Quito que se concretaría mediante la implantación de un gobierno civil y moral. A partir de esta doble entrada se propone observar que esta representación, aunque surgió del amplio proyecto contrarreformista en América, respondía a la expresión local de una sociedad que intenta constituir su propia forma de poder. Para ello, se contextualiza la obra, luego se analiza su lenguaje pictórico y finalmente, se extrae algunas inferencias sobre la función de la imagen en el espacio litúrgico.

Abstract This article studies the painting titled Healing of a demonized Indian … (1697-1706) by Miguel de Santiago in the context of indigenous evangelization in the second half of the seventeenth century. This image located in the church of Guápulo as part of the series “miracles of the virgin” offers the possibility of exposing two senses of the devotional purpose. On one hand, the painting condenses the imaginary about the extirpation of indigenous idolatry in the Andes as part of a set of resources destined for its indoctrination, and, on the other hand, the way in which the elites imagined the socio-political structure in Quito that would be made concrete through the implantation of a civil and moral government. From this double entry it is proposed to observe that this representation, although it arose from the broad counter-reformist project in America, responded to the local expression of a society trying to constitute its own form of power. I will contextualize this artwork, then analyze the pictorial language, and finally establish some inferences about the function of the image in the liturgical space.

On the other side of the mirror: some ideas about ideology and fetishization on the film The Animatrix.

Resumen El presente artículo pretende, mediante un ejercicio metodológico interdisciplinario entre la sociología del arte en la ciencia ficción cinematográfica y la filosofía, elaborar una reflexión crítica sobre los conceptos de ideología (Zizek) y fetichización (Lukács) mediante la película The Animatrix (Wachowski et alt., 2003). El texto busca problematizar dichos conceptos gracias a la criticidad inmanente del discurso de la ciencia ficción en general y de la película aludida en particular.

Abstract Using a methodological and interdisciplinary exercise between the sociology of art in cinematographic science fiction and philosophy, this article intends to critically reflect on the concepts of ideology (Zizek) and fetishization (Lukacs) based on the film: The Animatrix (Wachowski et alt., 2003). This text problematizes these concepts based on the immanently critical general discourse of science fiction and the film's discourse.

MINERVA AYÓN: A QUEER ASSEMBLAGE

Resumen Este análisis aborda lo más representativo de la práctica artística de Minerva Ayón, quien reflexiona en torno al cuerpo, el género y el deseo en el tiempo. Su obra niega los principios estéticos tradicionales del arte representacional al experimentar con materiales contemporáneos que podemos apreciar comúnmente en forma de ensamblajes. Enmarco el presente análisis en el feminismo material y establezco una relación entre la noción de ensamblaje escultórico y una noción de ensamblaje filosófico a partir del concepto de agenciamiento de Gilles Deleuze y Félix Guattari. Esta relación permite desestabilizar los territorios de lo masculino y lo femenino para plantear el desarrollo de las piezas de esta artista como una propuesta queer que desafía fronteras de diversos tipos: sociales, temporales, identitarias y técnicas.

Abstract This analysis addresses the most representative aspects of Minerva Ayón's artistic practice, which is a reflection on the body, gender, and desire in time. Her work denies the traditional aesthetic principles of representational art by experimenting with contemporary materials that can be appreciate in the form of assemblages. I frame the present analysis in material feminism and establish a relationship between the notion of sculptural assemblage and a notion of philosophical assemblage based on the concept of agencement by Gilles Deleuze and Félix Guattari. This relationship makes it possible to destabilize the territories of the masculine and the feminine to propose the development of this artist's work as a way of queering and defying various types of borders -social and temporal borders as well as borders linked to media and identities.

BACK TO THE HOUSE OF CHILDHOOD. EXHIBITION: LOS HIJOS DE PEDRO PAN BY CUBAN-AMERICAN ARTIST ERNESTO PUJOL

Resumen La institución cultural cubana Casa de las Américas abrió sus salas de exhibición a la diáspora de artistas cubanos en el año 1995 a partir de la inauguración de la exposición Los hijos de Pedro Pan del artista cubanoamericano Ernesto Pujol. El creador migró en su niñez a inicios de la década de los 60’hacia Puerto Rico y luego Estados Unidos, cuando en Cuba se estaba gestando el proceso revolucionario de transformación económica, política y social. No será hasta muy entrado en su adultez que Pujol regresa a su casa de la infancia y coordina, junto a la Dirección de Artes Plásticas de Casa de las Américas, insertarse en el circuito artístico cubano mediante la realización de su exposición personal. El artista empleó su memoria, sus recuerdos infantiles para la construcción de cinco instalaciones que reflexionan sobre las circunstancias ocasionadas por el proceso migratorio y su identidad personal truncada.

Abstract The Cuban cultural institution Casa de las Americas opened its exhibition rooms to the diaspora of Cuban artists in 1995 after the inauguration of the exhibition Los hijos de Pedro Pan by the Cuban American artist Ernesto Pujol. In his childhood the artist migrated to Puerto Rico and then to the United States, in the early 1960s when the revolutionary economic, political, and social transformation was taking place in Cuba. It will not be until his adulthood that Pujol returns to his childhood home and coordinates, with the Directorate of Plastic Arts of Casa de las Americas, to insert himself into the Cuban artistic circuit through the realization of his exhibition. The artist used his childhood memories, for the construction of five installations that reflect on the circumstances caused by the migratory process and his truncated personal identity.

EL TELÉGRAFO ARCHIVE: PEDAGOGICAL AND ARTISTIC PRACTICES AT UARTES

Resumen Análisis del trabajo realizado por el colectivo de investigación Otras Derivas DIY en el fondo documental del periódico más antiguo del Ecuador. Durante el periodo 2018 - 2020, siguiendo una metodología de cadáver exquisito, el grupo dio valor a lo procesual en la búsqueda de una narrativa que promoviera la filosofía Do It Yourself entre la comunidad de la Universidad de las Artes. El Archivo El Telégrafo fue protagonista de prácticas pedagógicas a través de talleres abiertos guiados por artistas invitados donde se entrecruzaron fotografía, video, collage y dibujo. La trayectoria fue desde lo analógico hacia lo digital, arrancando con la estética fanzinera para llegar a la descontextualización de textos y fotografías, luego vino una mirada crítica y creativa de la visualidad para entender la saturación cotidiana de las imágenes y el (re)aparecer de lo que reposa en latencia. Como resultado del grupo está la exhibición Mapeando el Archivo.

Abstract This paper refers to analysis from the working group «Otras Derivas DIY» in the documental collection of the oldest Ecuadorian newspaper. From 2018- 2020, using an exquisite corpse methodology, the working group enhance the importance of the processual in the search of a narrative that promotes the philosophy of «do it yourself» within the UArtes community. The «El Telegrafo’s» archives launched pedagogical practices through open workshops guided by guest artists; where photography, video, collage and drawing were interwined. It was driven from analogical to digital, starting with the fanzine aesthetics for decontextualization of texts and photographs, moving to critical and creative gaze of visuality in order to comprehend the daily saturation of images and to show up. «Mapping the archives» is a result of this working group.

ART AND GENDER: RUBY LARREA

Resumen Ruby Larrea es una artista imbabureña formada en la Escuela de Artes de Quito en la década de los sesenta. Su práctica artística se decanta por el dibujo, aunque en cierto momento de su labor creativa trabaja también con la pintura. Estudiar la obra de Ruby Larrea significa visibilizar y rescatar del olvido los invaluables aportes estéticos de la creadora. El objetivo de la presente investigación es explicar su trayectoria artística y hacer el análisis de las principales obras de la artista que se conciben por series. El método de investigación empleado es el biográfico narrativo para el análisis del contexto y las diversas teorías de la psicología de la forma apoyadas en la experiencia personal de la propia artista para el análisis de la forma. Se utiliza como instrumentos de investigación la entrevista que se complementa con el estudio de fuentes documentales primarias facilitadas por la artista.

Abstract Ruby Larrea is an imbaburean artist trained at the Quito School of Arts in the 1960s. His artistic practice opts for drawing, although at a certain point in his creative work he also works with painting. Studying the work of Ruby Larrea means making visible and rescuing from oblivion the invaluable aesthetic contributions of the creator. The objective of this research is to explain her artistic career and to analyze the main works of the artist that are conceived by series. The research method used is the narrative biographical for the analysis of the context and the various theories of the psychology of the form supported by the personal experience of the artist herself for the analysis of the form. The interview is used as research instruments, which is complemented by the study of primary documentary sources provided by the artist.

NOTES ABOUT THE NOTIONS OF INDISCIPLINARITY AND THOUGHTCRIME AS WAYS OF RESTORING THE IMAGE

Resumen El indisciplinamiento se presenta como una posibilidad metodológica para la creación artística, pero también una apuesta de carácter ético y político. Esta categoría se moviliza hacia un distanciamiento y una toma de consciencia frente a los dispositivos disciplinares hegemónicos, el desbordamiento de las disciplinas y el cuestionamiento de la disciplina desde la disciplina misma. Las tres vías se oponen a la consolidación de universalismos totalitarios y excluyentes, lo que conlleva la apertura de nuevas perspectivas. Prácticas del Fracaso es un espacio performático que permite que los diferentes agentes que participan cuestionen sus propias prácticas a través de la idea del fracaso como detonante de creación. El fracaso es indisciplinante y contraortogenético, en cuanto permite indagar otras posibilidades creativas que transformen aquello que el participante creía seguro y restituir el papel de la imagen en el diálogo entre conocimiento y saberes, a través la imposibilidad, la falencia y el error.

Abstract Undisciplining is presented as a methodological possibility for artistic creation and a bet of ethical and political nature. This category moves towards a distancing and awareness of hegemonic disciplinary devices, the overflow of disciplines, and the field's questioning from the discipline itself. The three paths are opposed to the consolidation of totalitarian and exclusionary universalisms, which entails opening new perspectives. Prácticas del Fracaso is a performative space that allows the different agents who participate in questioning their practices through the idea of failure as a trigger for creation. Failure is undisciplining and counter-orthogenetic, insofar. It allows for the investigation of other creative possibilities that transform what the participant believed to be safe and restore the image's role in the dialogue between knowledge wisdom through impossibility, failure, and error.

THE GRANDFATHER'S STEPS

Resumen “Los escalones del Abuelo” es la serie fotográfica expuesta en el Museo Archivo de Arquitectura del Ecuador desde el 29 de febrero hasta el 5 de agosto del 2020. Tras varios años documentando la obra arquitectónica de Oswaldo de la Torre (1926-2012), mi abuelo paterno, propongo este ensayo que juega entre la imagen fotográfica y la imagen arquitectónica caminando en la cuerda floja entre sus pares dialécticos: luz-oscuridad, instante-eternidad, recuerdo-olvido, realidad-ficción, presencia-ausencia, entre otros. Este ensayo propone un recorrido histórico y reflexivo acerca de la herencia arquitectónica cultural, la relación entre la arquitectura, la fotografía y la luz, y el papel de la fotografía para preservar la memoria.

Abstract "The Grandfather's Steps" is the photographic series exhibited at the Museo Archivo de Arquitectura del Ecuador from February 29 to August 5, 2020. After several years documenting the architectural work of Oswaldo de la Torre (1926-2012), my paternal grandfather, I propose this essay that plays between the photographic image and the architectural image, walking a tightrope between its dialectical peers: light-darkness, instant-eternity, memory-forgetting, reality- fiction, presence-absence, among others. This essay proposes a historical and reflective journey about the cultural architectural heritage, the relationship between architecture, photography and light, and the role of photography in preserving memory.

The Ecuadorian jungle, or the rest, visit the museum

Resumen La reseña es un acercamiento crítico a la exposición Paisaje/Territorio. Imaginarios de la selva en las artes visuales” (Ecuador: 1907-2019), que se exhibió en el Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo (MAAC), con la curaduría de Ana Rosa Valdéz. Dos de los aspectos que sobresalen en las consideraciones son: el inadecuado uso del espacio expositivo, en un ejercicio curatorial que pretende dar cuenta de la invisibilización de la selva ecuatoriana y la necesidad de potenciar el carácter indisciplinado que las propuestas incluidas comportan, en aras de una curaduría situada y disruptiva.

Abstract The review is a critical approach to the exhibition Landscape / Territory. Imaginaries of the jungle in the visual arts” (Ecuador: 1907-2019), which was exhibited at the Anthropological and Contemporary Art Museum (MAAC), curated by Ana Rosa Valdéz. Two of the aspects that stand out in the considerations are: the inappropriate use of the exhibition space, in a curatorial exercise that aims to account for the invisibility of the Ecuadorian jungle, and the need to enhance the undisciplined character that the included proposals entail, for the sake of a situated and disruptive curatorship.

EVERY DAY ARCHEOLOGY, ILOWASKY GANCHALA

Resumen Analiza la relación entre la propuesta plástica de Ilowasky Ganchala en la serie Arqueología de lo Cotidiano y su relación con las ideas del escritor vanguardista Pablo Palacio. La arqueología del cotidiano forma parte de un proceso de reflexión más amplio donde cada objeto cobra un sentido gracias a su relación con otros objetos dentro de un contexto específico: una edificación antigua, un taller, un baño, una cocina. Es un trabajo que se dedica al estudio de la cultura material del pasado y muchas veces se construye mediante la articulación visual de fragmentos y nos hace interrogarnos por la relación sujeto-objeto.

Abstract It analyzes the relationship between Ilowasky Ganchala's plastic proposal in his Dayli´s archaeology series with the ideas of the avant-garde writer Pablo Palacio. This is part of a broader process of reflection where each object takes on a meaning thanks to its relationship with other objects within a specific context: an old building, a workshop, a bathroom, a kitchen. It is a work that is dedicated to the study of the material culture of the past and is often constructed through the visual articulation of fragments, and it makes us wonder about the subject-object relationship.

TALŌ CONTEMPORARY ART; GALLERY AND MEETING SPACE.

Resumen Talō arte contemporáneo, en la ciudad de Cuenca, es un espacio que se crea con la finalidad de ser un espacio de encuentros para el arte y la cultura contemporánea, que se enfoca en la promoción, difusión y divulgación de esta a nivel local y nacional. Así también esta se centra concretamente en áreas específicas de las artes para su espacio expositivo, buscando así programas orientados a las artes visuales, a las vinculadas a las artes escénicas, dramáticas y sonoras, pretendiendo siempre un enfoque hacia lo transdisciplinario. Por otro lado, también se busca relación con las artes literarias, poesía y experimentales. El trabajo de Talō se encuentra dirigido tanto a la comercialización, como a la promoción e impulso de los diversos productos culturales.

Abstract Talō contemporary art, in the city of Cuenca, is a space that is created with the purpose of being a meeting place for contemporary art and culture, which focuses on the promotion, dissemination and dissemination of this at the local and national level . Thus, it also focuses specifically on specific areas of the arts for its exhibition space, thus seeking programs oriented to the visual arts, those linked to the performing, dramatic and sound arts, always seeking a transdisciplinary approach. On the other hand, a relationship with the literary, poetic and experimental arts is also sought. Talō's work is aimed at both the marketing and the promotion and promotion of various cultural products.

Cáceres, José Antonio. (2020). Figura. Edition, study and notes by Emilia Oliva. Text by Fernando Millán. Facsimile reproduction. Cáceres, Spain: Publications Service of the University of Extremadura (UEx). 209 pages. ISBN: 978-84-9127-060-7.

Resumen Figura es la primera obra de poesía experimental que José Antonio Cáceres concibe como libro. Su elaboración, entre 1966 y 1973, es paralela a la evolución del artista, desde el concretismo al letrismo -en la antesala de la poesía cinética-, lo que condiciona la heterogeneidad de posibilidades expresivas que recogen los poemas visuales que lo configuran. Esta primera edición publicada por la Universidad de Extremadura (UEx), está realizada por Emilia Oliva y reproduce facsimilarmente los originales inéditos que durante casi medio siglo ha conservado Fernando Millán. Su publicación posibilita el acceso a este libro que supone, en la trayectoria experimental de José Antonio Cáceres, un antecedente fundamental.

Abstract: Figura was the first experimental poetry collection that José Antonio Cáceres intended as a book. Written between 1966 and 1973, it emerged in parallel with Cáceres’s evolution from concretism to lettrism, bordering on kinetic poetry, which influenced the multiple forms of expression found in the visual poems that make up the collection. The first edition was produced by Emilia Oliva and published by the University of Extremadura (UEx) as a facsimile of the unpublished originals that were preserved by Fernando Millán for almost half a century. The publication of these poems, which represent a fundamental landmark in Cáceres’s experimental trajectory, makes them available to a much wider audience.