Índex, revista de arte contemporáneo

PRECARIOUSNESS AND ABJECTION IN WILSON PACCHA

Resumen El presente análisis aborda la práctica artística de Wilson Paccha y su estrategia para manipular las normas del arte desde la marginalidad, insertando lo imposible de ser nombrado al arte contemporáneo del contexto quiteño, pero también me interesa hacer una crítica al proceso de abyección de Paccha, como efecto de los regímenes estéticos en “el reparto de lo sensible”1 con el modelo de lo tradicional establecido en ciertos espacios académicos, cuyo centro creó un otro que quedó por fuera, sin parte. La irrupción de un arte tocante a lo etnográfico es la contra mirada de las nuevas formas de producir arte. Paccha de formación tradicional ve en este arte la oportunidad para entrar y salir del campo artístico con su obra, pone en entre dicho la visualidad de las formas artísticas tradicionales del arte representacional, instaladas en el imaginario como las únicas formas estéticas del arte.

Abstract This analysis approach the Wilson Paccha’s artistic practice and his strategy to manipulate the art norms from marginality, introducing the impossible of being named to contemporary art of the quiteño context, I’m also interested in criticizing Paccha's abjecting process, as an effect of aesthetic regimes in "the sharing of the sensitive" with the model of the traditional established in certain academic spaces, in whose center was created an “other” that was left out without a part. The breakup of an ethnographic concerning art is the counter gaze of art producing new ways. Paccha of traditional formation, sees in this art the opportunity to get in and out of artistic field with his work, he raise doubts the visuality of traditional forms of representational art, installed as the only aesthetic forms of art in the imaginary.

GRAFFITI AS AN URBAN DEMONSTRATION IN THE CITY OF PUNO

Resumen El estudio en que se fundamentó este artículo tuvo como objetivo describir las características del arte grafitero en la ciudad de Puno, Perú en 2019. La investigación fue de tipo no experimental, cualitativa, descriptiva y analítica. Los instrumentos de recolección de datos fueron la ficha de observación y la cámara fotográfica. La tipología en los grafitis de la ciudad de Puno, se encontró tres tipos; el Wild Style, Grafiti tags con outlines y los Tags. Las corrientes artísticas que se lograron identificar como más influyentes sobre las obras de los grafiteros de Puno son el simbolismo, realismo, surrealismo y abstracto. La cosmovisión andina se hace presente en las obras de los grafiteros de Puno en la recurrente convocatoria de la mítica Pachamama en reflexión constante sobre su interacción con el hombre y cómo se expresa esa interrelación en escenarios disimiles de reciprocidad y/o antagonismo.

Abstract The study on which this article was based was aimed at describing the characteristics of graffiti art in the city of Puno, Peru 2019. The research was non-experimental, qualitative, descriptive and analytical. The data collection instruments were the observation card and the camera. Three types of graffiti were found in the city of Puno: Wild Style, Graffiti tags with outlines and tags. The artistic currents that were identified as the most influential on the works of the graffiti artists of Puno are symbolism, realism, surrealism and abstract. The Andean cosmovision is present in the works of the graffiti artists of Puno in the recurring call of the mythical Pachamama in constant reflection on their interaction with man and how this interrelationship is expressed in dissimilar scenarios of reciprocity and/or antagonism.

THE MUSEUM AS AN ART PROJECT. THREE EXPERIENCES IN ARGENTINA

Resumen El museo como proyecto artístico habita un terreno poroso entre las prácticas instituyentes, la gestión y la producción artística que habilita la práctica contemporánea en arte. En este trabajo se analizan tres experiencias que se nombran como museo, surgidos entre 2010 y 2017 en diferentes ciudades de Argentina: La Ene. Nuevo Museo Energía de Arte Contemporáneo de la ciudad de Buenos Aires, Unidad Básica. Museo de Arte Contemporáneo de Córdoba y MUCA. Musea Constructora de La Plata. Para el análisis se partirá de la definición de museo acuñada por el ICOM, así como de los debates sobre el rol de los museos de arte y las prácticas museales contemporáneas. A su vez, se trazaron posibles genealogías alternativas de museos y filiaciones con proyectos artísticos de la crítica institucional a nivel internacional, regional y local. Se considera que estos proyectos constituyen experiencias críticas y proponen otros modos posibles de ser museo.

Abstract Museum as artistic projects inhabit a porous terrain between the Institutive practices, management and artistic production that enables contemporary practice in art. This paper analyze three projects that are named as museums, which emerged between 2010 and 2017 in different cities of Argentina: La Ene Nuevo Museo Energía de Arte Contemporáneo de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Unidad Básica Museo de Arte Contemporáneo de la ciudad de Córdoba and MUCA Musea Constructora de la ciudad de La Plata. ICOM's definition of museums, as well as debates on the role of art museums and contemporary museum practices, will be useful for the analysis. At the same time, possible alternative genealogies of museums and affiliations with artistic projects of new institutional critique at international, regional and local levels were traced. These projects are considered to be critical experiences and propose other possible ways of being a museum.

EQUINOCTIAL PATH - INTYSHAYAKLLIPLLAYÑAN SPECIFIC TIME-SPACE ART PROJECT

Resumen Este texto se propone dar a conocer el proceso de la investigación artística, la ejecución del proyecto Recorrido Equinoccial - Intyshayakllipllayñan, y sus elementos, llevado a cabo por José Luis Macas Paredes para la XIV Bienal de Cuenca “Estructuras vivientes, el arte como experiencia plural”, marcando como hitos fundamentales el equinoccio del 21 marzo y el del 21 de septiembre de 2018. En este proceso la observación y estudio geoastronómico se conjugaron con los calendarios agrofestivos, la celebración y la ritualidad ancestrales, para devenir un ejercicio de memoria, mediante objetos de arte contemporáneo instalados en las fachadas cuencanas, o para ser portados en la procesión que fue parte de una “acción en minka”, mediante la danza, los sonidos, y la comida que en el recorrido trazado destacaron las antiguas marcas equinocciales sobre la urbe cuencana, y a través de la exposición que rememoró cada uno de aquellos pasos, reuniendo objetos, videoregistros, dibujos y fotografías.

Abstract This text aims to present the process of artistic research, the execution of the project Equinoctial Tour - Intyshayakllipllayñan, and its elements, carried out by José Luis Macas Paredes for the XIV Biennial of Cuenca "Living Structures, Art as a Plural Experience", marking as fundamental milestones the equinox of March 21 and September 21, 2018. In this process, geoastronomical observation and study were combined with agro-festive calendars, ancestral celebrations and rituals, to become an exercise in memory, through contemporary art objects installed on the facades of Cuenca, or to be carried in the procession that was part of a "minka action", through the dance, the sounds, and the food that in the traced route emphasized the old equinoctial marks on the Cuencan city, and through the exhibition that remembered each one of those steps, gathering objects, video-records, drawings and photographs.

ESSAY ON THE ANALYSIS OF THE PROBLEM OF THE END OF ART IN G.W.F. HEGEL AND ARTHUR C. DANTO

Resumen El objetivo de este trabajo es el estudio del problema del fin del arte en G.W. F. Hegel y Arthur C, Danto. Su hipótesis central es que, a partir del análisis de la filosofía estética de ambos autores, el arte ha entrado, en el tiempo presente, en un escenario donde no hay ningún criterio definitivo para decir qué es o qué no es una obra de arte. En este sentido, todo puede ser susceptible de ser considerado una obra de arte.

Abstract The objective of this work is the study of the problem of the end of art in G.W. F. Hegel and Arthur C, Danto. Its central hypothesis is that, based on the analysis of the aesthetic philosophy of both authors, art has entered, in the present time, in a scenario where there is no definitive criterion to say what a work of art is or is not. In this sense, everything can be considered a work of art.

EXPERIENCE AS A FORM OF KNOWLEDGE. METHODOLOGICAL PROPOSAL FOR ARTISTIC CREATION FROM DIALOGUE AND PERFORMANCE

Resumen A través de testimonios directos el texto resalta la importancia de la experiencia para la producción de conocimientos surgidos mediante procesos de investigación-creación en el arte de la performance. Las narraciones corresponden al arte participativo vinculado a la marginalidad, la precariedad y la indigencia. El performer cuestionado utiliza el cuerpo artísticamente para señalar problemas sociopolíticos de las ciudades latinoamericanas, mediante acciones subyacentes al pensamiento del artista. Los testimonios impactan la concepción de juicios humanísticos de la cultura popular utilizados en el arte actual. Para reforzar el relato conceptual un dibujante indaga directamente al performer, lo interpreta y fortalece sus testimonios con dibujos, utilizados para aprovechar un lenguaje alternativo que explota el poder discursivo de la imagen.

Abstract Through direct testimonies, the text highlights the importance of experience for production of arising knowledges through research-creation processes in performance art. The narrations correspond to participatory art linked to marginality, precariousness and homelessness. The questioned performer uses the body artistically to point out sociopolitical problems in Latin American cities, through actions underlying the artist's thought. The testimonies impact the conception of humanistic judgments of popular culture used in current art. To reinforce the conceptual story, an illustrator directly observes the performer, interprets him and strengthens his testimonies with drawings, that take advantage of an alternative language and exploits the discursive power of the image.

THE TUPI, A TRANSVESTITE TUPAC AMARU: SEXUAL DISSIDENCE AND SYMBOLIC TRANSGRESSION IN THE SOLIDARITY CULTURE FORUM.

Resumen Para difundir las actividades del Colectivo ContraNaturas en el Foro de la Cultura Solidaria de Villa El Salvador en 2005, el artista visual Javi Vargas crea un diseño con la imagen de Túpac Amaru maquillado como travesti. Luego las ContraNaturas, con Javi Vargas como parte del colectivo, trabajan una propuesta de performance en base a la imagen del héroe maquillado, a este personaje apodan “la Tupi”. Esta investigación analiza el surgimiento y la presencia de la Tupi en Villa El Salvador, la potencia simbólica del motivo y la trasgresión simbólica en el proceso creativo de Javi Vargas.

Abstract To publicize the activities of the ContraNaturas Collective at the Solidarity Culture Forum of Villa El Salvador in 2005, the visual artist Javi Vargas created a design with the image of Túpac Amaru made up as a transvestite. Then the ContraNaturas, with Javi Vargas as part of the collective, worked on a performance proposal based on the image of the hero wearing make-up, this character is nicknamed "The Tupi". This research analyzes the emergence and presence of the Tupi in Villa El Salvador, the symbolic power of this motif and the symbolic transgression in the creative process of Javi Vargas.

CULTIVATED PORTRAITS. (MICROORGANIC AND SYMPOIETICS) VISIONS OF THE BODY IN THE WORK OF LUCIANA PAOLETTI.

Resumen El trabajo aborda la serie Retratos (2010-actualidad) que Luciana Paoletti realiza mediante el cultivo de los microorganismos capturados en los cuerpos de seres queridos, siguiendo el programa de "hacer visible lo invisible". Se analizan los desvíos que la artista realiza tanto de la disciplina científica como del concepto de bioarte. Se reflexiona, también, acerca de las tensiones que la serie entabla con la tradición moderna del retrato, a la que comenta. La pregunta central, es qué tipo de potencia referencial detentan estas imágenes respecto del "modelo vivo" representado. Mediante el concepto de simpoiesis aportado por Donna Haraway, se analiza la ruptura que esta artista realiza respecto la escala visual humana. Se concluye que, lejos de una relación de semejanza con el cuerpo al que refieren, entablan una relación metonímica, basada en el contacto y en el devenir-con. El cuerpo se muestra, así como territorio de una vida microbiológica a descubrir.

Abstract The work addresses the series Retratos (2010-present) which the artist and biotechnologist Luciana Paoletti makes by cultivating the microorganisms captured in the bodies of loved ones, following the program of "making visible the invisible". I analyze the deviations that the artist makes from both the scientific discipline and the concept of bioart. I also reflect on the tensions that the series establishes with the modern tradition of portraiture, to which it comments.The central question is what kind of referential power do these images hold with respect to the "living model" represented. Through the concept of sypoietics contributed by Donna Haraway, the rupture that this artist makes with respect to the human visual scale is analyzed. It is concluded that far from a relationship of similarity with the body to which they refer, they establish a metonymic relationship, based on contact. The body is, thus, shown as the territory of a microbiological life to discover.

CONCEPTUAL ANALYSIS OF ISOLATION IN THE ARGUMENT OF THE MOVIE PINK FLOYD - THE WALL

Resumen El proyecto de investigación gira en torno al análisis del concepto de aislamiento en el argumento de la película británica Pink Floyd The Wall de Alan Parker (1982). Para esto, se utiliza la noción de Sociedades Disciplinarias, propuestas por Michel Foucault. Se analiza los métodos de encierro en el contexto de la Segunda Guerra Mundial, en el cual la película se desenvuelve. Por otro lado, se cuestiona el aislamiento del protagonista, en su fase adulta: la película nos lo muestra como una acción voluntaria. Sin embargo, de acuerdo con las nociones de Sociedades de Control y Líneas de Segmentación de Gilles Deleuze, se podría deducir lo contrario. Esto servirá de base para hacer un desplazamiento teórico y examinar el aislamiento en la contemporaneidad. Es aquí donde se entiende al acto de creación como la verdadera revolución y desterritorialización del ejercicio del poder.

Abstract This research revolves around the analysis of the concept of isolation in the plot of the British film, Pink Floyd - The Wall, directed by Alan Parker (1982). This analysis uses the notions of disciplinary societies proposed by Michel Foucault. The methods of confinement inside the context of the Second World War, where the movie takes place, are analyzed. On the other hand, the film portrays the isolation of the protagonist in his adult years as a conscious act. However, the opposite can be deduced, according to Gilles Deleuze's Societies of Control and Lines of Articulation. These concepts will serve as a base to create a theoretical displacement of isolation in today's era. It is here where the act of creation fulfills as the real revolution and deterritorialization of the exercise of power.

THE DREAM OF THE SECOND TO LAST SCENE OF THE MOVIE NO COUNTRY FOR OLD MEN AND AN INTERPRETATION OF THE POEM JOURNEY TO BYZANTIUM BY WILLIAM BUTLER YEATS

Resumen La presente investigación propone una lectura de la penúltima escena de la película: No country for old men (No es país para viejos) (2007) de los hermanos Joel y Ethan Coen. El filme es una adaptación de la novela homónima de Cormac McCarthy (2005) y ésta, a su vez, es una interpretación del poema Sailing to Byzantium de William Butler Yeats (1928). Si bien el resultado cinematográfico guarda una relación directa con el argumento de la novela, también lo hace con el poema, pero no de manera evidente. De modo que el presente texto analiza tanto la penúltima escena de la película como el poema, para platear una relación entre ellos.

Abstract This investigation proposes an interpretation of the second to last scene of the movie No country for old men (2007), directed by Joel and Ethan Coen. The film is an adaptation of the same name novel of Corman McCarthy (2005), and at the same time, this is an interpretation of the poem Sailing to Byzantium of William Butler Yeats (1928). Although the cinematographic result has a direct relationship with the novel, it also does it to the poem, however not in an evident way. Furthermore, this text analyzes both the second to last scene of the movie and the poem, in order to suggest a relationship between them.

COMIC AND CULTURAL IDENTITY: NEW LANDSCAPES OF THE LATIN AMERICAN IMAGINARIES.

Resumen Este ensayo busca establecer una línea cronológica para comprender la influencia de los modelos narrativos y visuales desde el inicio del cómic. puntualizando el cómic norteamericano en su desarrollo de una visión enajenada de Latinoamérica y observando autores y analogías que contrastan estas influencias desde su técnica y formato. Para concluir en Ecuador las identidades culturales de sus personajes y las estrategias del comic independiente en Quito, sus reflexiones y atributos contemporáneos.

Abstract The search of this essay establishes a chronological timeline to get to know the influence of the visual and narrative models from the beginning of comic. pointing out that north american comic establishes an alienated vision of latin america, observing authors and analogies that can contrast these influences from technique to format. To conclude on Ecuador the cultural identities of their characters and the strategies from independent comics on Quito, their reflections and contemporary attributes.

THE NON-BODY AN ALTERNATIVE SPACE TO THE VIOLENCE

Resumen El presente artículo desarrolla la noción del no-cuerpo como principal concepto de incidencia en la reflexión de la representación de la violencia. A lo largo de ella se explica el porqué de la necesidad de un vínculo entre el sentido de la imagen prehispánica y las imágenes que se despliegan en la actualidad, lo que conllevaría a pensarlas como construcciones complejas y de un potente poder de manifestación. Asimismo, propongo la utilización de la corporalidad como eje fundamental para la compresión de dicha violencia, siendo así que el acto de utilizar mi huella corporal, o como postulo a lo largo de mi obra, el graphein, hablará de una reapropiación del cuerpo fragmentado o sin unidad que, por medio de la imagen, otorgaría un espacio alterno, un espacio evocativo, uno que permita encarar a la violencia, vivenciarla y digerirla, en otras palabras, hacer de su discurso el mío.

Abstract This article develops the notion of the non-body as the main concept of incidence in the reflection of the representation of violence. Throughout it, the reason for the need for a link between the meaning of the pre-Hispanic image and the images that are displayed today is explained, which would lead to think of them as complex constructions and a powerful power of manifestation. Likewise, I propose the use of corporality as a fundamental axis for the compression of such violence, being so that the act of using my body print, or as a postulate throughout my work, the graphein, will speak of a reappropriation of the fragmented body or without unity that, through the image, would grant an alternate space, an evocative space, one that allows one to face violence, experience it and digest it, in other words, make his speech mine.

LYGIA CLARK'S ‘CAMINHANDO’ AS A METAPHOR FOR THE INTEGRATION OF ART IN THE CLASSROOMS OF THE ECUADORIAN EDUCATIONAL SYSTEM OUTSIDE OF SOCIAL EFFICACY

Resumen Lygia Clark, co-fundadora del movimiento brasileño neoconcentrista, reconcilia los procesos artísticos y los procesos científicos como una reflexión vital que resuena fuera de cualquier valoración. Valoración que se ha visto impostada en la malla curricular ecuatoriana. Clark dialoga y manifiesta la posibilidad de una aplicación transversal y mimética entre el individuo y su educación, teniendo como hilo conductor a todas las formas de expresión artística. Pone en evidencia la necesidad de una Pedagogía de las artes nacida desde su naturaleza epistemológica, los procesos constructivos, de lectura crítica-reflexiva y su relación teórica-práctica. Lygia Clark nos permite vislumbrar una nueva forma al repensar la manera de “evaluar” las diferentes expresiones artísticas y su forma de aplicación.

Abstract Lygia Clark, co-founder of the Brazilian neoconcentric movement, reconciles artistic processes and scientific processes as a vital reflection that resonates beyond any assessment that has been imposed on the Ecuadorian curriculum. Clark dialogues and expresses the possibility of a transversal and mimetic application between the individual and their education, having as a common thread all forms of artistic expression. It highlights the need for a pedagogy of the arts born from its epistemological nature, constructive processes, critical-reflective reading, and its theoretical-practical relationship. Lygia Clark allows us to glimpse a new way by rethinking the way of "evaluating" the different artistic expressions and their way of application.

Urban palimpsest .gif _ A proposal for research / creation in the classroom / workshop.

Resumen Las disciplinas creativas impartidas en las escuelas de artes y diseño ofrecen múltiples posibilidades para la generación de artefactos artísticos. Palimpsesto urbano .gif, es una experiencia educativa y artística desarrollada en el espacio de un aula conformado como laboratorio creativo, con la intensión de explorar la experiencia estética de la ciudad a partir del recorrido urbano. Su desarrollo, permite crear conciencia del proceso investigación - creación como una metodología de aprendizaje y pensamiento. La propuesta se centró en la creación de dispositivos animados (.gif) que contienen una reflexión sobre la cotidianidad del espacio urbano, la pertinencia del proceso creativo y el sentido hipertextual de la imagen contemporánea.

Abstract The creative disciplines taught in the arts and design schools offer multiple possibilities for the generation of artistic artifacts. Palimpsesto urban .gif, is an educational and artistic experience developed in the space of a classroom formed as a creative laboratory, with the intention of exploring the aesthetic experience of the city from the urban displacement. Its development allows creating awareness of the research - creation process as a learning and thinking methodology. The proposal focused on the creation of animated devices (.gif) that contain a reflection on the daily life of the urban space, the relevance of the creative process and the hypertextual meaning of the contemporary image.

CÁTEDRA DE CAFÉ: A LABORATORY OF IMAGES.

Resumen El tránsito y quehacer colectivo como estrategia para habitar un pensamiento y un mundo en crisis, es el desafío que un grupo de artistas y docentes, autodenominadas Cátedra de Café, asumieron para construir un espacio donde el encuentro constante, caracterizado por permanecer al margen de cualquier institución, es la forma para llevar a cabo procesos de investigación que potencian la producción artística individual y colectiva. En este ensayo se desarrollan reflexiones, metodología, experiencias y resultados de las derivas de la Cátedra. En definitiva, es una propuesta de aprendizaje colectivo, situado y crítico.

Abstract The transit and collective work as a strategy to habit a thought and a world in crisis, is the challenge that a group of artists and teachers, self-proclaimed Cátedra de Café, assumed to build a space where constant encounter, characterized by remaining outside any institution, is the way to carry out research processes that enhance individual and collective artistic production. In this essay, reflections, methodology, experiences and results of the Cátedra's derivations are developed. In conclusion, it is a proposal of collective, situated and critical learning.

RESEARCH-CREATION AS PRODUCTION OF NEW KNOWLEDGE: PERSPECTIVES, DEBATES AND DEFINITIONS

Resumen Aunque se han hecho grandes avances en el reconocimiento de los productos de la investigación-creación en el sistema nacional que regula la investigación en Colombia, persisten resistencias a la hora de pensar que el arte puede producir nuevo conocimiento. En efecto, existen dificultades en pensar que este puede inscribirse en artefactos plástico-sensoriales, propios de la creación artística. De hecho, los creadores parecen no tener las suficientes herramientas argumentativas para demostrar que sus procesos creativos pueden producir nuevos conocimientos y así, acceder a los recursos de investigación y a las clasificaciones como investigadores. En este artículo proponemos una definición del concepto de investigación-creación en términos de su resultado, de las características de los conocimientos que produce y de sus fases, y sugerimos cuál es la función del creador en los procesos inter y transdisciplinarios. Concluimos con un énfasis en la diferencia del conocimiento que produce el arte con relación al que produce la ciencia.

Abstract Although great strides have been made in recognizing the products of research-creation in the national research system in Colombia, resistance persists when thinking that art can produce new knowledge. Indeed, there are still difficulties in thinking that new knowledge may be inscribed in plastic-sensory artifacts, typical of artistic creation. In fact, it seems to be that creators don’t have the argumentative tools to demonstrate that their creative processes can produce new knowledge and thus, getting access to research resources, as well as being classified as researchers. In this article we propose a definition of the concept of research-creation in terms of its result, the features of the knowledge it produces, as well as its phases; also, we suggest the role of the creator in inter and transdisciplinary processes. We conclude with an emphasis on the difference between the knowledge produced by art and the one produced by science.

MAYAN TEXTILE AESTHETICS: ARTISTIC RESEARCH APPLIED IN A DIDACTIC MATERIAL FOR CHILDREN

Resumen El presente artículo expone resultados de una investigación sobre el arte textil maya en la zona Altos de Chiapas al suroeste de México. En esta investigación se pudo identificar la lógica formal que han usado las tejedoras mayas desde tiempos ancestrales en el diseño de sus bordados. Estos resultados se emplearon para la elaboración de una propuesta didáctica que pretende desarrollar el pensamiento lógico en niños de temprana edad a través de un videojuego basado en la matemática maya implícita en la labor textil. Mediante la exposición de este proceso se pretende evidenciar la singularidad de una experiencia de investigación artística y sus posibles estrategias metodológicas y de creación.

Summary This article exposes the results of an investigation over the Mayan textile art in the highlands of Chiapas, in Mexico’s southeast. They were able to identify the logic that the Mayan weavers have used since ancestral times in their designs and embroidery. These results were used as a proposal for teaching the goal of logical thinking in young children employing a video game based on Mayan mathematics implied in the textile work. Through the exposure of this process, it aims to point out the unique experience of artistic investigation and it’s possible methodical strategies and creation.

IN OWN FLESH: RESEARCH AND FEMINIST ARTISTIC PRACTICE FROM AUTOETHNOGRAPHY

Resumen El artículo presenta y analiza un fragmento de obra visual desde la autoetnografía como metodología de trabajo aplicada al campo de las artes visuales. A partir del método semiótico, epistemología feminista, teoría crítica y autoetnografía, realizo un análisis interpretativo de obras de performance e instalaciones relevantes dentro de mi investigación y práctica artística realizada entre los años 2003 y 2019. Desde el análisis de estas obras, se presenta la autoetnografía como una metodología de trabajo que permite desarrollar de forma conjunta investigación y práctica artística.

Abstract The article presents and analyzes a fragment of visual work from autoethnography as work methodology applied to the field of visual arts. Using the semiotic method, feminist epistemology, critical theory and autoethnography, I carry out an interpretive analysis of relevant performance works and installations within my research and artistic practice between 2003 and 2019. From these analysis, autoethnography is presented as a work methodology that allows to develop joint research and artistic practice.

THE HIDDEN SECTOR: TIME TRANSFER EVENTS

Resumen “El Sector Oculto” es un proyecto artístico que se ha convertido en una manera de percibir el mundo. Toma forma de de pinturas, collages y objetos encontrados, que articulan una lógica que me facilita un entendimiento de la realidad. Este proyecto está dividido en dos fases iniciales; la primera formó parte de la exhibición LOoW Emergence (2019), y la segunda, del Premio Brasil 2020 (Mención de honor, Quito). “El sector oculto” se manifiesta como un lente que filtra la realidad, que teje ideas de la Ontología Orientada a los Objetos1 con ideas como el Pluriverso2, para plantear mundos a través de imágenes. El proyecto se nutre de historias de la representación, como los lenguajes visuales precolombinos y los gráficos computarizados de la física contemporánea para crear otro lenguaje visual, con el fin de nivelar una pluralidad de formas de crear y compartir conocimientos. Desde ahí, planteo una metodología transmedia que abra un espacio emergente y flexible para el hacer como una forma de pensar.

Abstract “The Hidden Sector” is an art project that has become a way of perceiving the world. It takes form of paintings, collages and found objects that articulate a logic that allows me to have an understanding of reality. The project is divided in two initial phases; the first one was part of the exhibition LOoW Emergence (Vancouver 2019) and the second one in Premio Brasil 2020 (Honorary mention, Quito). “The hidden sector” manifests as a lens that filters reality, it entangles ideas of Object Oriented Ontology with ideas like the Pluriverse to contrive worlds through images. I weave together histories of representation like pre-Columbian visual languages with computerized graphics used in contemporary physics to create a new visual language. The objective is to level through images a plurality of ways of creating and sharing knowledge.

EXPLORING RESEARCH DEBATES IN THE FIELD OF ART

Resumen En el presente trabajo me interesa analizar desde una perspectiva metodológica la investigación en el campo del arte. Si consideramos la práctica investigativa no sólo como las acciones puestas en juego en la producción de conocimiento, sino en su complejidad, atravesadas estas acciones a su vez por condicionantes sociales, históricos, culturales, políticos, institucionales, epistemológicos, etc. (Ynoub, 2014); este análisis metodológico no busca proponer criterios clasificatorios y prescripciones sobre cómo debería ser una investigación en este caso en el campo del arte-, sino reflexionar sobre la práctica, problematizarla. Esto implica, entre otras cosas, poder analizar e historizar el debate de la investigación en el campo del arte, contextualizarlo institucional y socialmente, así como considerar los posicionamientos ontológicos y epistemológicos implícitos, los supuestos sobre el arte, el conocimiento, la ciencia, y sus modos de validación.

Abstract In this work, I am interested in analyzing research on the art field from a methodological perspective. Investigative practice may be conceived, both as the actions taking place on knowledge production, as well from its complexity: these actions are influenced by social, historical, cultural, political, institutional, epistemological conditions, etc. (Ynoub, 2014). The scope of this methodological analysis is to propose classification criteria or prescriptions about how research may be conducted, in this case, in the field of art. Meanwhile, aims to reflect on the practice, to problematize it. This implies several aspects. Among them, to analyze the historicizing of the research debate in the field of art, to contextualize it both institutionally and socially and finally, to consider the implicit ontological and epistemological positions, the assumptions about art, knowledge, science, as their validation modes.