Índex, revista de arte contemporáneo

¿Generaciones de artistas? O cómo configurar una escena del arte. El discurso del Malba y del Mamba sobre el siglo XXI.

RESUMEN Las generaciones son categorías socialmente construidas que permiten delimitar y definir prácticas artísticas. Cuando este concepto es utilizado en la discursividad por agentes hegemónicos del campo artístico, es posible evidenciar parámetros de valor del arte que se intentan instituir como legítimos. Este artículo estudia el uso operativo del concepto de “generación” en la discursividad, producida y difundida por el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Mamba) y el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), con el objetivo de trazar los lineamientos propuestos en torno a la escena artística argentina del comienzo del siglo XXI.

ABSTRACT Generations are socially constructed categories that define and demarcate artistic practices. When this concept is used in the discursivity by hegemonic agents of the artistic field, it is possible to demonstrate value parameters of art that are claimed to be established as legitimate. This article studies the operational use of the concept of 'generation' in the discursivity produced and disseminated by the Museum of Modern Art of Buenos Aires (Mamba) and the Museum of Latin American Art of Buenos Aires (Malba) with the aim of elucidating the proposed guidelines regarding the argentine artistic scene of the beginning of the 21st century.

Pensamiento estético postmoderno en lo fotográfico

RESUMEN La obra de arte no puede comprenderse sin conocer el momento al que pertenece el artista y el ambiente que le rodea. De ahí que el concepto de estética sea mutable. Si la estética es una reflexión del sentir, son tres los momentos históricos que describen dicha mutación: Edad Antigua, Gran Teoría y Modernidad. En cada época existe un personaje reinante, modelo que los contemporáneos celebran y cuya empatía con el público establece el tipo de obras de arte que predominan. En la Postmodernidad, estas son resultado de la innovación y el artista se determina por su capacidad de reinventarse. La fotografía posee un lenguaje distinto al de las otras artes: es real, replicable, discursiva, narrativa; por ello transmite, como nunca antes, el sentir de una sociedad desencantada, que necesita de esa realidad para recuperar su sentido de identidad, lo cual la convierte en la obra maestra de la Postmodernidad.

ABSTRACT The work of art can not be understood without knowing the moment to which the artist belongs and the environment that surrounds it. Hence, the concept of aesthetics is mutable. If aesthetics is a reflection of feeling, there are three historical moments that describe this mutation: Ancient Age, Great Theory and Modernity. In each era there is a reigning character, a model that contemporaries celebrate and whose empathy with the public establishes the type of works of art that predominate. In Postmodernism, these are the result of innovation and the artist is determined by his ability to reinvent himself. Photography has a different language from the other arts: it is real, replicable, discursive, narrative; for this reason, it transmits, as never before, the feeling of a disenchanted society that needs this reality to recover its sense of identity, turning it into the masterpiece of Postmodernism.

Los paradigmas femeninos plasmados en el arte y la percepción de la mujer de principios del siglo XXI en México y Latinoamérica

RESUMEN La imagen de la mujer representada en el arte se ha transformado de acuerdo al contexto de su época, el cual a su vez estuvo sometido a creencias y propósitos. A dos décadas del siglo XXI es posible identificar los orígenes de los paradigmas en la imagen femenina, así como hacer una crítica hacia estos pensamientos, hoy en día obsoletos. De tal manera, el presente texto tiene como propósito señalar algunas de las concepciones femeninas, principalmente en México y Latinoamérica. Primero, se señala, por medio de diferentes autores, cómo las obras artísticas contienen latentemente elementos de dominación sobre el cuerpo de la mujer, pero también sobre otros grupos vulnerables. Por último, se encuentra, a modo de conclusión, distintas reflexiones sobre el sentido del arte y el poder que este tiene sobre los espectadores.

ABSTRACT Women image represented in art has been transformed according to their time context, which in turn was subject to beliefs and purposes. Two decades ahead 21st century it is possible to identify paradigms origins in the feminine image, as well as to make a criticism towards these obsolete thoughts nowadays. In this way, the present work has as purpose to indicate some of the feminine conceptions mainly in Mexico and Latin America. First, it is pointed out by different authors and artistic works contain dormant elements of domination over woman's body, but also about other vulnerable groups. Finally, by way of conclusion different reflections on the meaning of art and the power it has on viewers.

Los conceptos de síntoma y pérdida de georges Didi-Huberman en dos obras de Yishai Jusidman

RESUMEN El presente artículo se propone problematizar dos pinturas del artista Yishai Jusidman a partir de los conceptos de síntoma y pérdida presentes en la obra de Georges Didi-Huberman. Las piezas en cuestión llevan por título “Majdanek” y “Auschwitz”, mismas que formaron parte de la exposición Azul de Prusia, llevada a cabo en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la UNAM (2016-2017). Mediante el análisis de ambas representaciones pictóricas se establecerá una reflexión respecto a lo no visible, como condición de posibilidad crítica capaz de situarnos en el intersticio entre lo sensible y lo inteligible. Asimismo el artículo se propone valorar el estatuto de la mirada a partir del concepto de memoria, en tanto facultad articuladora de tiempos heterogéneos, así como los conceptos de imagen velo e imagen desgarro para diferenciar entre aquellas que han sido pensadas según las necesidades de la historia y aquellas que nos incitan a pensar y producir otras imágenes.

ABSTRACT This article seeks to problematize two paintings of the artist Yishai Jusidman using the concepts of symptom and loss proposed by the art historian Georges Didi-Huberman. The pieces in question are titled Majdanek and Auschwitz, which were part of the Azul de Prusia exhibition, held at the Museo Universitario de Arte Contemporáneo UNAM (2016-2017). The reflection is stablished through the analysis of both pictorial representations, regarding the non-visible as a condition of critical possibility that enable us to situate ourselves in the interstice between the sensible and the intelligible. Furthermore, the article aims to examine the status of the gaze from the concept of memory, as a faculty of articulating heterogeneous times, as well as analyze the concepts of veil-image and tear-image to differentiate between those that have been designed according to the demands of history and those that encourage us to think and produce other images.

Las nociones de poiesis, praxis y techné en la producción artística

RESUMEN El presente artículo inicia su desarrollo a partir del problema estético de la experiencia de la creación artística desde la producción. Fundamenta su estructura desde las definiciones de poiesis, techné y praxis propuestas por Giorgio Agamben y articula su planteamiento de superación de la estética con la teoría decolonial y la liberación de la aísthesis, con el objetivo de establecer la noción de creación artística como una forma de producción poiética que posibilite la creación de mundos dentro de este mundo.

ABSTRACT The present article develop the aesthetic problem of the artistic creations experience from the production. It bases his structure on the definitions of poiesis, techné and praxis proposed by Giorgio Agamben and articulates his approach about overcoming aesthetics with decolonial theory and the liberation of aísthesis, with the aim of defining the notion of artistic creation as a form of poietic production that enables the creation of worlds within this world.

Pancho Jaime: gran huevada ser político

RESUMEN Este texto es una revisión de la labor de Pancho Jaime (1946-1989) en el Ecuador de los años ochenta. Se examina el juego artístico y político que Pancho Jaime propuso, tomando en cuenta la cartografía que la Red Conceptualismos del Sur levantó sobre prácticas artísticas y políticas alternativas durante aquellos años. Se hace una contextualización de su época y se compara brevemente con lo sucedido en el campo estético oficial en el Ecuador. Luego, desde las nociones “estrategia de la alegría”, “hacer política con nada” y “cuerpos y flujos” se analiza el modo en el que Pancho Jaime avanzó prácticas artísticas y políticas que resultan inquietantes hasta el día de hoy.

ABSTRACT This paper is a review of the work of Pancho Jaime (1946-1989) in Ecuador in the eighties. It examines the artistic and political game that Pancho Jaime proposed, taking into account the cartography that the Red Conceptualismos del Sur compiled about alternative artistic and political practices during those years. A contextualization of his time is made and is compared briefly with what happened in the official aesthetic field in Ecuador. Then from the notions “strategy of joy”, “doing politics with nothing” and “bodies and flows” is analyzed the way in which Pancho Jaime advanced artistic and political practices that are disturbing to this day.

La Muerte del Guerrillero: análisis músico-gráfico

RESUMEN Este artículo se propone analizar el discurso sonoro mediante su conversión en representaciones gráficas. Parámetros fundamentales de la música como la dramaturgia, el tiempo, el espacio intramusical, la intensidad, la instrumentación, entre otros, serán homologados en imágenes. Para lograr el objetivo se estudia, a través de un análisis músico-gráfico, la obra La muerte del guerrillero (1968-1969) del compositor Harold Gramatges Leyte-Vidal (Santiago de Cuba, 1918 - La Habana, 2008). Se sugiere así una metodología práctica y efectiva para la investigación de la música, ya que los gráficos resultantes facilitarán el camino para entender mejor los múltiples significados de la obra.

ABSTRACT The purpose of this article is to analyze the sound speech through its conversion into graphic representations. The main parameters of music such as dramaturgy, time, intramusical space, intensity, orquestration, among others, will be converted into images. To achieve the objective was studied through a music-graphic analysis the work La muerte del guerrillero (1968-1969) written by the composer Harold Gramatges Leyte-Vidal (Santiago de Cuba, 1918 - Havana, 2008). This suggests a practical and effective methodological alternative for music research, since the resulting graphics will facilitate the way to better understand the multiple meanings of the music.

Formas, encuentros, mezclas. Comunicación, arte y sensibilidad contemporánea (una lectura de Bourriaud).

RESUMEN Este artículo se propone reflexionar sobre los aportes formulados por Nicholas Bourriaud a la construcción de una mirada sobre las relaciones entre comunicación, arte y vida social contemporánea, a partir de la revisión y síntesis de algunas de sus principales categorías: “estética relacional”, “postproducción”, “radicante” y “forma/exforma”. Este autor ha tenido una resonancia destacada en el discurso sobre el arte de comienzos de siglo y sus ideas constituyen un aporte para pensar las transformaciones de la sensibilidad, la expansión de la cultura mediática y la renovación de las formas de producción artístic-/cultural de la sociedad actual. La manera en que pone en relación arte-comunicación-sociedad permite entablar intercambios entre problemas de la comunicación, análisis estético y teoría social, saliendo de las barreras disciplinarias.

ABSTRACT This article reflects on the contributions made by Nicholas Bourriaud to the construction of a view on the relationships between communication, art and contemporary social life. The proposed analysis starts from the review and synthesis of some of his main categories: "relational aesthetics", "post-production" ","the radicant” and "the form / exform ". This author has had an outstanding resonance in the discourse about the art of the beginning of the century and his ideas are a key contribution to think the transformations of the sensitivity, the expansion of the media culture and the renovation of the of artistic / cultural production forms in nowadays society. The way in which it relates art / communication / society allows exchanges between communication problems, aesthetic analysis and social theory, beyond disciplinary barriers.

Sobre la experiencia y el arte de narrar. Un diálogo entre Walter Benjamin y la obra de Navin Rawanchaikul

RESUMEN En el presente trabajo se propone analizar la obra audiovisualBienvenido visitante(2008) del artista tailandés Navin Rawanchaikul (1971), a la luz de algunas formulaciones teóricas del filósofo alemán Walter Benjamin (1892-1940). Particularmente, se propone hacer un análisis del textoEl Narrador(1936), en el cual Benjamin conceptualiza los términos de narración oral y experiencia. Se entiende que tales conceptos pueden ser interesantes claves analíticas, por cuanto la obra de Rawanchaikul aborda cuestiones como la experiencia del exilio y la identidad en el mundo global, reponiendo los relatos de distintas personas migrantes. De tal manera, el presente trabajo se asienta en una perspectiva interpretativa, en orden a la cual se intentará formular un diálogo en clave benjaminiana, entre el arte de narrar y la obra de unos de los artistas asiáticos contemporáneos más resonantes de la actualidad.

ABSTRACT The present papers seeks to analyze the artwork Welcome Visitor (2008), made by the Thai artist Navin Rawanchaikul (1971), under the perspective of German philosopher Walter Benjamin (1892-1940). Our analysis begins with a resume of the textThe Narrator(1936), where Benjamin conceptualizes the terms of “oral narration” and “experience”. We understand that such concepts can be useful keys, indeed the work of Rawanchaikul is based in issues such as the experience of exile and identity in the global world, in order to show the stories of different migrants. Consequently, the present work is based on an interpretative perspective, in order to try to formulate a dialogue between a Benjaminian perspective and the analysis of an artwork of some of today's most resounding contemporary Asian artists.

Automóviles y locomotoras con aires de potros Futurismo en la literatura montevideana de Alfredo Mario Ferreiro

RESUMEN El poeta uruguayo Alfredo Mario Ferreiro escribe su primer libro El hombre que se comió un autobús (Poemas con olor a nafta) en 1927. Un año antes, Tomasso Marinetti, creador del movimiento futurista, había visitado Río de la Plata como parte de una gira latinoamericana. La obra de Ferreiro está influenciada por este movimiento, pero en un análisis más profundo de sus obras, deja en evidencia que, al ser “replicado” en América, aparece un futurismo con nuevos elementos, donde“lo vital” (Kush, 1986, pp.6-10) se hace presente. Nos interesa abordar a este artista para mostrar que, como siempre, la apropiación de lo europeo en América involucra la aparición de elementos propios que requieren que el análisis sobrepase la forma.

ABSTRACT The Uruguayan poet Alfredo Mario Ferreiro writes his first book El hombre que se comió un autobús (Poemas con olor a nafta)/The man who ate a bus (Poems which smells as petrol) in 1927. A year earlier, Tomasso Marinetti, creator of the Futurist movement had visited in Rio de la Plata as part of a tour Latin American. This movement influenced Ferrreiro´s work, but a more in-deepth analysis of his works shows that when being "replicated" in America, a new type of futurism appears with different elements, where "the vital" (Kush, 1986, pp. 6- 10) is present. We are interested in approaching this artist as a case to show how the appropriation of the European in America always involves the appearance of our elements that require an analysis which surpasses the form.

Fisuras en la Percepción del Entorno Visual Urbano

RESUMEN El presente artículo aborda el tema de la percepción del entorno urbano, por medio de la exploración y registro de ciertos elementos visuales efímeros que aparecen en la ciudad. Con el sustento de algunas consideraciones teóricas y con determinadas imágenes fotográficas de producción del autor, se patentiza la existencia de una ciudad paralela que convive con la que percibimos habitualmente. Apoyándose en las definiciones de morfología e iconografía urbana, se introduce en la comprensión de la estructura de la ciudad y, a través de los registros sensoriales y perceptivos, en como ella se convierte en una forma construida imaginariamente. El artículo enfatiza una instancia de vigencia de las ciudades que va más allá de lo puramente físico y formal, hasta el reconocimiento de lo intangible como elemento fenomenológico del paisaje urbano.

ABSTRACT This article deals with the topic of perception of urban environment through the exploration and register of some ephemeral visual elements that appear in the city. With the support of theoretical considerations and photographic images of the author's production, it is made evident the existence of a parallel city that coexists with the one usually perceived. Based on the definitions of urban morphology and iconography, the author introduces the understanding of the structure of cities through sensory and perceptual registers, and how it becomes an imaginatively constructed form. The article emphasizes an instance of validity for cities that goes beyond, from the purely physical and formal to the recognition of the intangible and phenomenological as elements in the urban landscape.

Atucucho 1988, hacia un cine-minga: posibilidades emancipatorias en una producción audiovisual colectiva

RESUMEN En 1988 un grupo de familias ocupa una ex-hacienda estatal para fundar Atucucho, un barrio en el noroccidente de Quito que actualmente cuenta con más de 20.000 habitantes. Para conmemorar el trigésimo aniversario del barrio, se realizó un cortometraje en el que se dramatizan los primeros momentos de la ocupación. El presente artículo hace uso de las discusiones sobre cine indígena y cine comunitario para recorrer la producción colectiva del cortometraje Atucucho 1988: hecho a mano y esclarecer sus efectos entre los realizadores y colaboradores en torno a la generación de relaciones sociales, recuperación de la memoria histórica, representación e imaginario cultural del sector.

ABSTRACT In 1988 a group of families occupied a former ranch owned by the Ecuadorian state to conform Atucucho, a neighborhood in the northwest side of Quito, inhabited nowadays by more than 20,000 residents. To commemorate their thirtieth birthday, a short film was produced, in which the first moments of the occupation were reenacted. This article makes use of the discussions around indigenous media and communal filmmaking to walk through the collective production of Atucucho 1988: handmade and elucidate its effects among the participants around their social relations, historic memory, representation and cultural imaginary.

Desde dónde y cómo pensar el diseño y su historia

RESUMEN A partir de dos trabajos de investigación sobre archivos documentales que aportan en la construcción de la Historia de la Arquitectura, el Diseño y el Arte en Ecuador, se analiza el proceso evolutivo que ha tenido la historia y su relación con estas disciplinas. Arquitectos, diseñadores y artistas asumimos el reto de ser historiadores de nuestro campo de acción, en vista de que no hay historiadores a quienes les interese el tema en los países latinoamericanos. Hacemos un recuento de las formas de hacer historia en la búsqueda de dónde y cómo pensar el Diseño y su historia en Ecuador.

ABSTRACT Based on two investigations on documentary archives that contribute to the understanding of the history of architecture, design and art in Ecuador, the evolutionary process that history has undergone and its relation with these disciplines is analyzed. Architects, designers and artists take on the challenge of being historians of our fields of expertise, given that there are no historians interested in the subject in Latin American countries. We provide an account of ways of history is made in the search for where and how to think about design and its history in Ecuador.

Dramaturgia Visual o una cartografía transdisciplinar

RESUMEN “Dramaturgia visual o una cartografía transdisciplinar”, explora las fronteras entre distintos campos disciplinares de las artes, en búsqueda de desarrollar estrategias para vincular lenguajes, códigos, herramientas y registros, en función de un trabajo de investigación/creación. El proceso de escritura para el artículo surge a partir de una necesidad concreta: ir más allá de una dramaturgia que suele estar regida por su enunciación textual. A partir de la anterior premisa, que la investigación fue asumida como un viaje, una deriva en búsqueda de incorporar una mayor visualidad en un texto teatral, esto a partir de componentes como la fotografía documental, la ilustración, el arte-objeto, el espacio público y otros; en síntesis: una simbiosis para fertilizar el universo visual de la dramaturgia contemporánea. Finalmente, este artículo propone la construcción de sinergias creativas, tanto para el artista escénico como para el artista visual.

ABSTRACT Visual dramaturgy or an interdisciplinary mapping, it is an article that explores the boundaries between different disciplinary areas of arts, looking to develop strategies to connect languages, codes, tools and records, in function of a research project/creation. The process of writing for this article, emerges based on a concrete need: go beyond a dramaturgy that used to be governed by its textual statements.Based on this premise, this investigation has been taken as a journey, a drift that allows to transcend frontiers looking for a way to incorporate a visual effect in a theatrical text, this emanates from components just as documentary photography, illustration, the art-subject, public areas and others; stated briefly: a symbiosis to fertilize the visual universe of contemporary dramaturgy. Finally, this article proposes the construction of creative synergies, for both the performing artist and the visual artist.

Espacio Mini TEA: descubrir, experimentar y crear

RESUMEN El Espacio MiniTEA es un lugar dentro del museo, cuya razón de ser es facilitar la comunicación entre el público -principalmente infantil y familiar- y los contenidos del mismo. Nació con el objetivo de convertirse en un espacio puente para salvar la distancia que separa a los visitantes del lenguaje del arte contemporáneo, así como dar la posibilidad a los más pequeños de desarrollar sus capacidades creativas en un lugar no sujeto a las normas que suelen limitar la libertad de acción de los niños en el desarrollo de actividades plásticas. En ambos casos, lo que defiende este recurso es la importancia de la educación artística, plástica y visual en la formación de los niños y niñas en una sociedad absolutamente dominada e invadida por el lenguaje visual.

ABSTRACT The MiniTEA Space is a place within the museum, whose raison d'être is to facilitate communication between the public, mainly children and families, and its contents. It was born with the objective of becoming a bridge space to bridge the distance that separates non-specialized visitors from the language of contemporary art, as well as giving the possibility to the youngest to develop their creative capacities in a place not subject to the rules and conventions that usually limit the freedom of action of children in the development of plastic activities. In both cases, what defends this resource is the importance of artistic, plastic and visual education in the education of children in a society absolutely dominated and invaded by the visual language.

El diálogo como método

RESUMEN Este artículo se refiere al intercambio de ideas que se viene dando hace algunos años entre Pilar Flores y Roberto Vega; intercambio expresado en conversaciones, apuntes e imágenes que, eventualmente, se han convertido en textos. La escritura de estos textos ha construido pensamiento a partir de reflexiones que son sostenidas por ejes y elementos conceptuales que, a su vez, potencian el lenguaje de imágenes y permiten identificar las posibilidades de la creación. En este proceso, la escritura se convierte en la obra artística, entendida como un sistema complejo, que se nutre de conexiones inusuales, del cambio, de la inestabilidad; se construye desde la incertidumbre, la duda y la intuición.

ABSTRACT This article refers to the exchange of ideas between Pilar Flores and Roberto Vega, this exchange is expressed in conversations, notes and images that have become texts. In them, thought has been built through reflections supported by pivotal ideas and conceptual elements that enhance the language of images and lead to identify the possibilities of artistic creation. In this process, writing has become the artwork, understood as a complex system, that feeds on unusual connections, change and instability, and which is built from uncertainty, doubt and intuition.

Propuesta para un régimen estético post-extractivista

RESUMEN Con Grabador fantasma (2018), Adrián Balseca cuestiona la materialidad del mundo en la era del Antropoceno. En la actualidad, cuando la influencia de la actividad humana sobre la tierra se volvió una fuerza geológica mayor, capaz de marcar de forma irreversible el ecosistema planetario, Balseca se involucra como artista para generar una simbólica de estos retos sobre el territorio ecuatoriano. Su obra es el reflejo de una práctica no-moderna en la cual las fronteras entre lo utilitario, lo utópico y lo poético, son cada vez más borrosas. En este texto, planteamos que, a través de las estrategias visuales y sonoras de Grabador fantasma, el artista voltea el régimen colonial tanto del arte como del territorio amazónico. Prestamos también una atención especial al proceso de creación, que cuestiona los modelos energéticos modernos y las desigualdades que genera, ofreciéndonos una propuesta alternativa para un régimen estético fuera del modelo económico neoclásico basado en la extracción de energías fósiles.

ABSTRACT With Phantom Recorder (2018), Adrián Balseca questions the materiality of the world in the age of the Anthropocene. Currently, as the influence of human activity upon the Earth has become a major geological force, capable of irreversibly transforming the planetary ecosystem, Balseca gets involved as an artist to generate a symbology of these challenges on the Ecuadorian territory. His work is the reflection of a non-modern practice in which the boundaries between the functional, the utopian, and the poetic are increasingly blurred. In this text, we suggest that, through the visual and acoustic strategies of Phantom Recorder, the artist subverts the colonial regime both of the arts and of the Amazon territory. We will also pay special attention to the creative process of Phantom Recorder, which questions the energy models of modernity and the inequalities it produced, and offers us an alternative aesthetic regime outside the bounds of a neoclassical economic model based on fossil fuel extraction.

UN MARTES CUALQUIERA. Aparecer/desaparecer del cuerpo político

RESUMEN Un martes cualquiera es una instalación archivística, sonora y performática que recupera-expone, de manera crítica y poética, la voz, la imagen, las memorias oficiales y no oficiales de la matanza de los obreros del ingenio Aztra sucedida el martes 18 de octubre de 1977 durante la dictadura militar. Este artículo expone el proceso reflexivo que permitió la implementación de la obra para el premio Nuevo Mariano Aguilera. La reflexión desplaza la cuestión estética de las imágenes hacia su rol político como una operación de doble desaparición: por un lado, los cuerpos de los obreros asesinados durante la dictadura militar y, por otro, las representaciones posibles del horror.

ABSTRACT Un Martes Cualquiera is an archival, sound and performative installation that recovers-exposes, in a critical and poetic way, the voice, the image, the official and unofficial memories of the massacre of the workers of the AZTRA sugar mill happened on Tuesday, October 18, 1977 during the military dictatorship. This article exposes the reflexive process that allowed the implementation of the work for the Nuevo Mariano Aguilera award. The reflection displaces the aesthetic question of the images towards their political role as an operation of double disappearance: on the one hand, the bodies of the workers killed during the military dictatorship and on the other the possible representations of horror.

#body_writer: La reconstrucción y reafirmación del cuerpo a través del medio digital

RESUMEN El presente artículo tiene como objetivo desarrollar y reflexionar sobre mi proyecto artístico #body_writer (escritor de cuerpo). Esta obra en proceso, busca evidenciar la manera en la que identidades fluidas, que escapan de rígidas normas sociales, buscan espacios y tiempos acordes a sus diversos modos de habitar y estar. Internet, las redes sociales y los espacios virtuales actuales, se disponen como recursos para generar estos nuevos espacios y tiempos, que enriquecen la noción de persona, potenciándola y elevándola con el fin de satisfacer nuevos modos de relación y experiencia entre ella y el resto de usuarios. De ese modo, #body_writer se vale de una relación interdependiente entre arte y tecnología, considerando a los dispositivos electrónicos de comunicación actuales como mediadores o posibilitadores de una interacción ubicua entre el sujeto y la versión digital de sí mismo, ambas vivas y alimentadas mutuamente.

ABSTRACT The objective of this article is to develop and analyze about my artistic project #body_writer. This work in progress, seeks to show the way in which fluid identities that escape from rigid social norms look for spaces and times according to their different ways of living and being. Internet, social networks, and current virtual spaces are available as resources to generate these new spaces and times, which enrich the notion of person, empowering and raising it in order to satisfy new modes of relationship and experience among its users. In this way, #body_writer uses an interdependent relationship between art and technology, considering current electronic communication devices as mediators or enablers of a ubiquitous communication between the subject and the digital version of itself, both alive and fed mutually.

I(n)equívocas: Apuntes sobre un objeto

RESUMEN Los siguientes viajes son pequeñas reconstrucciones de un grandísimo panorama perteneciente a una época llamada Antropoceno. Son trabajos de campo, exploraciones estéticas y registros de observaciones en las que se procura replantear las huellas dejadas no solo por seres humanos, sino también por los organismos vivos que menos reconocemos. En la posibilidad de recorrer la muestra, se despliegan múltiples maneras de entender la concepción de lo natural. Partiendo desde objetos salinos, parásitos y, agroecológicos, las propuestas analizan los modos de hacerse cargo de los ecosistemas y sus derivados. En esta exhibición, las piezas son un recuento de gestos y memorias, que en su accionar conjunto incitan en el público una mirada activa para enunciar las formas complejas de cada paisaje personal y colectivo.

ABSTRACT The following journeys, field works and aesthetic explorations, are tiny reconstructions of a great panorama that belongs to the Anthropocene epoch. The procurement of these passages, is to pose again the question about the tracks that not just humans but also non acknowledge organisms have left behind. In the possibility of going through the exhibition, it unfolds multiple ways of understanding the conception of what we call the natural. Departing from salty, parasite and agroecological objects the proposal analizes the manners of taking charge of the ecosystems and their derivatives. In this exhibition the pieces are a recounting of memories and gestures, that in a combined action they encourage the public to have an active glance to formulate the complex shapes from each personal and collective landscape.

Juliana Vidal, “Geografías de la mortalidad”

RESUMEN Geografías de la mortalidad de Juliana Vidal, es una propuesta artística que fue expuesta en el Museo de las Conceptas de la ciudad de Cuenca, Ecuador, sede que formó parte de la XIV Bienal denominada “Estructuras vivientes. El arte como experiencia plural” (2018-2019). A raíz de la visita realizada a la instalación, intentaremos abordar tres perspectivas que se centran en aspectos de espacio, tiempo, así como también nuevas lecturas acerca de las interpretaciones de la idea de cicatriz -temática que Vidal trabaja en la propuesta-, y procuraremos comprender cuál es el gesto que realiza la artista respecto a los modos de hacer visible un tema. La intención, por otro lado, es también poner en cuestión cómo otros modos de hacer desde la narrativa visual, del recurso material empleado en la instalación, de la fragilidad de la memoria, pueden ser capaces de irrumpir en nuestras percepciones.

ABSTRACT Geographies of the mortality of Julia Vidal, is an artistic proposal that was exhibitied in yhe “Museos de las Conceptas”, located on Cuenca, Ecuador, place that was part oh the XIV Biennial called “Estructuras Vivientes. El arte como experiencia plural” (2018-2019). As a result of the visit made to the place, we will to ask for three perspectives that focus on aspects of space, time, as well as new readings about the interpretations of the idea of scar-thematics. Vidal is working on the proposal about it, and we will try to understand what is the gesture that the artist makes about the ways a theme visible? On the other hand, the intention is also to question how others ways of doing from the visual narrative, the material resource used in the place, the fragily of memory, may be able to break into our perceptions.

Reflexiones sobre la creación artística, procesos metodológicos y resultados. Recorridos y hallazgos

RESUMEN El preguntarme sobre la representación del paisaje urbano fue uno de los detonantes para que paulatinamente fuera accediendo de manera más consciente y crítica a una ciudad que no era aquella que se veía en postales oficiales, podríamos decir que era la ciudad “otra”, la ciudad que se transita. Describo tres metodologías aplicadas a obras realizadas dentro de los períodos 2014-2019.

ABSTRACT To ask myself about the representation of the urban landscape was one of the triggers so that gradually it was acceding in a more conscious and critical way to a city that was not the one that was seen in official postcards, we could say that it was the "other" city, the city that is transited. I describe three methodologies applied to works carried out within the periods 2014-2019.

Ideas funámbulas de un proceso creativo

RESUMEN Este ensayo presenta una reflexión sobre la trayectoria de Patricio Dalgo Toledo y las obras realizadas para la exhibición Funambular presentada en la galería Khora, en Quito, en mayo del 2019. En su trabajo, este artista explora el uso de bajas tecnologías y DIY, la experimentación sonora y la investigación en la acústica de los materiales, reflexionando sobre las estructuras del pensamiento.

ABSTRACT This essay reflects on the artistic career of Patricio Dalgo Toledo and the artworks developed for the Funambular exhibition, presented at the Khora gallery in Quito, in May 2019. In his work, this artist explores the use of low tech and DIY, the sound experimentation and research based in the acoustics of materials, reflecting on thought structures.

Escena menor. Prácticas artístico-culturales en Chile, 1990-2015, de Carolina Benavente (2018)

RESUMEN En este texto se lleva a cabo una aproximación performática al libro de Carolina Benavente Escena menor. Prácticas artístico-culturales en Chile, 1990-2015 (2018). Para ello, se sitúa la escritura de este libro en el contexto posdictatorial, se interroga el carácter “menor” de los artistas y colectivos abordados, y se explora la noción de escena empleada por la autora. Desde la performance, la escena emerge como una mezcla entre actuación y expectación, al hibridarse el cuerpo que escribe con el cuerpo que vive dentro de lo que denominamos una “curatoría vivencial”.

ABSTRACT This text gives a performative approach to Carolina Benavente’s book Escena menor. Prácticas artístico-culturales en Chile, 1990-2015 (Minor scene. Artistic and cultural practices in Chile, 1990-2015) (2018). In order to do so, the writing of this book is situated in the Chilean posdictatorial context; the “minor” traits of artists and artistic collectives approached are interrogated; and the notion of scene occupied by the author is explored. Through the lens of performance art, scene emerges as a mixture of actuation and expectation, as the body that writes hybridizes with the body that lives in what we call an “experiential curatorship”.