Índex, revista de arte contemporáneo

Educación Artística e Institución Universitaria: Una Relación Paradójica.

RESUMEN: El presente trabajo tiene como objetivo hacer una breve reflexión crítica sobre la educación artística como campo de construcción de conocimiento y su relación con la institución universitaria. La universidad actual, no ha dejado de ser el referente máximo de lo que significa conocimiento avanzado o superior, pero al mismo tiempo, se encuentra en entredicho en cuanto a cuál es su rol en la sociedad actual y a qué intereses representa.

ABSTRACT: The objective of this work is to make a brief critical reflection on artistic education as a field of knowledge construction and its relationship with the university institution. The current university has not ceased to be the maximum reference of what advanced or superior knowledge means, but at the same time, it is in question as to what its role in today’s society is and what interests it represents.

Experiencia y propuesta didáctica para abordar la práctica decolonial desde las artes visuales contemporáneas.

RESUMEN: Las posiciones dentro del pensamiento decolonial fortalecen la idea de igualdad entre sociedades desde la importancia de respetar las diferencias y equilibrar su valor histórico. Incluir estos planteamientos en el contexto educativo permite construir nuevos imaginarios sociales a nivel colectivo que replanteen su propia cultura desde una perspectiva crítica. En el texto se expone cómo la estética puede ser un elemento determinante en este giro decolonial para la búsqueda de identidad social en el contexto universitario ecuatoriano. El artículo contempla la propuesta didáctica implementada bajo este tema, así como las conclusiones que se extraen de esta experiencia.

ABSTRACT: The views within the colonial thought strengthen the idea of equality between societies from the importance of respecting the differences and balance its historical value. The fact of including these proposals in the educational context allows building new social and collective imaginary to rethink their own culture from a critical perspective. The text shows how the aesthetic can be a determining factor in this colonial turn to search a social identity in the ecuadorian university context. This paper exposes also the didactic proposal implemented under this theme, as well as the conclusions of this experience.

El pro-ducir del Diseño.

RESUMEN: El Producir del Diseño es un texto desarrollado a partir de un estudio que se respalda en la obra de M. Heidegger. Se toman dos de sus obras relevantes: La pregunta por la técnica y Construir, habitar, pensar; en el primero, se aborda la técnica como medio para un fin en búsqueda de la esencia en el producir; en el segundo, la aproximación a la sustancia del construir y el habitar que se dirigen hacia el producir. Esto, con el fin de lograr una aproximación a la filosofía del diseño para sustentar el desarrollo en tres ámbitos fundamentales: 1) El diseño como proceso; 2) El diseño como práctica advertida por el contexto; y, 3) El diseño como valor activo pero diferenciado a través del artefacto. Este acercamiento tiene como atributo el reconocer el carácter humanista del diseño en la presente contemporaneidad.

ABSTRACT: The Produce of Design is a text developed from a study that is supported in the work of M. Heidegger. Two of his relevant works are taken in consideration: The question about technique and Construct, to inhabit, to think; in the first one, the technique is addressed as a means to an end in search of essence in the production; in the second text, the approach to the substance of building and inhabiting that are directed towards producing. This, in order to achieve an approach to the philosophy of design to support development in three key areas: 1) Design as a process; 2) Design as a practice noticed by the context; and, 3) Design as an active but differentiated value through the artifact. This approach has the attribute of recognizing the humanistic character of design in the present.

La recuperación de Eduardo Solá Franco: el más contemporáneo de los modernos.

RESUMEN: La obra de Eduardo Solá Franco (1915-1996) no encaja en ninguna de las grandes narrativas que caracterizan al arte latinoamericano del período moderno. El suyo era un proyecto muy personal de enigmática figuración narrativa, de estilo ecléctico y fluctuante, donde subyacía un impulso autobiográfico que cifraba de manera simbólica los episodios y preocupaciones más centrales de su vida. A través de un estrambótico y teatralizado pastiche de temas religiosos, históricos, mitológicos, literarios y costumbristas, el autor reinterpretaba la tradición, empleando convenciones del arte del pasado para enmascarar sus vivencias y relaciones afectivas, explorando a su vez conflictos derivados de su identidad sexual y de su búsqueda espiritual. Su creación, incluidos sus filmes experimentales, desborda entonces el paradigma moderno y se sitúa en diálogo estrecho con vertientes del arte contemporáneo que, a través de recursos como la apropiación y el empleo del micro relato íntimo, exploran la diferencia y la representación de sexualidades disidentes.

ABSTRACT: The work of Eduardo Solá Franco (1915-1996) does not fit into any of the common narratives that characterize Latin American art of the modern period. His was a very personal project of enigmatic narrative figurative art, eclectic and fluctuating in style, wherein an autobiographical impulse symbolically inscribes the most important episodes and concerns of his life. Through a bizarre and dramatized pastiche of religious, historical, mythological, literary and costumbrista themes, the author reinterpreted tradition, using artistic conventions to mask his experiences and affective relationships, while exploring conflicts derived from his sexual identity and spiritual search. His oeuvre, including his experimental films, overflows the modern paradigm and appears in close dialogue with contemporary art trends that, through appropriation and micro-narratives, explore elements of difference and the representation of dissident sexualities.

Algunos apuntes sobre “lo contemporáneo” en la crítica de arte en México.

RESUMEN: Desde el 2009 ha aparecido una pregunta por la condición de la crítica de arte en México, que algunos han identificado como una crisis y que relacionan con su supuesta ineficacia. Sin embargo, esa supuesta ineficacia es producto de la mitologización de la labor crítica, así como de la falta de una genealogía que permita identificar cómo es que la crítica de arte ha funcionado en diferentes momentos. Lo que me interesa mostrar en este texto es precisamente que la crítica en México ha enunciado de diferentes maneras el espacio y el tiempo y que la supuesta crisis de la crítica actual es producida, parcialmente, por la introducción de la noción de “lo contemporáneo” como parte de un proceso. Dicho proceso tiene que ver, en parte, con la pérdida de vigencia del concepto de estilo, que era fundamental para poder determinar si una obra era “de arte” o no, y que dejó de operar a mediados de la década de los noventa.

ABSTRACT: Since 2009, a question has been raised about the status of art criticism in Mexico, which some have identified as a crisis and that relates to their alleged inefficiency. However, this supposed inefficiency is a product of the mythologization of critical work, as well as the lack of a genealogy that allows us to identify how art criticism has worked at different times. What I am interested in showing in this text is precisely that criticism in Mexico has enunciated space and time in different ways and that the supposed crisis of current criticism is produced, partially, by the introduction of the notion of "contemporary" as part of a process. This process has to do, in part, with the loss of validity of the concept of style, which was essential to determine if a work was "art" or not, and that it stopped operating in the mid-nineties.

América Latina Heterotópica: para definir el arte contemporáneo y algunas experiencias curatoriales.

RESUMEN: El presente artículo tiene por finalidad transitar a través de diferentes experiencias curatoriales en, desde y sobre América Latina para definir el arte contemporáneo, desde las voces de los propios artistas, curadores, investigadores y críticos. En el entretejido de tales discursos, el debate se centra en el tiempo y el espacio como variables determinantes; la temporalidad a la que se suscribe el arte de forma no lineal y en correspondencia con la yuxtaposición de sus espacios de representación. De esta manera, el concepto de Heterotopía propuesto por Michael Foucault se cita para abordar y caracterizar el arte contemporáneo desde la lógica del mundo global contemporáneo y la heterogeneidad como principio de convivencia cultural.

ABSTRACT: The purpose of this article is to go through different curatorial experiences in, from and about Latin America to define contemporary art, from the voices of the artists themselves, curators, researchers and critics. In the interweaving of such discourses, the debate focuses on time and space as determining variables; the temporality to which art is subscribed in a non-linear way and in correspondence with the juxtaposition of its spaces of representation. In this way, the concept of Heterotopia proposed by Michael Foucault is cited to address and characterize contemporary art from the logic of the contemporary global world and heterogeneity as a principle of cultural coexistence.

Arpilleras de Wellington: los hilos de la memoria, un allá cercano y un pasado contemporáneo.

RESUMEN: Este texto plantea una reflexión política en torno a la práctica creativa de las Arpilleras de Wellington, un colectivo de mujeres arpilleristas, migrantes latinoamericanas en Aotearoa Nueva Zelanda. Frente a la práctica de las arpilleristas de Wellington, se propone una lectura acerca del carácter ético y político de sus intervenciones en ámbitos y espacios relacionados con el arte, la academia y la comunidad. Esta lectura se articula desde la perspectiva de una particular noción de contemporaneidad, afincada en las preguntas de Giorgio Agamben “¿De quién y de qué cosa somos contemporáneos? Y, sobre todo, ¿qué significa ser contemporáneo?”

ABSTRACT: This text proposes a political reflection about the creative practice of the Wellington Arpilleras, a collective of Latin American women arpilleristas, living in Aotearoa New Zealand. This inquiry about the Wellington Arpilleras propounds a way of “reading” their practice, by bringing forward the ethical and political nature of those group's interventions that transit along spaces often reserved to art, academia and community. To articulate this reflection, it is necessary to recall the particular notion of contemporaneity proposed by Giorgio Agamben. Thus, Agamben’s questions "‘Of whom and of what are we contemporaries?’ And, first and foremost, ‘What does it mean to be contemporary?’" are the starting point this inquiry into Wellington Arpilleras practice, from an ethical-political perspective.

El “cuerpo vibrátil” de Giuseppe Campuzano como lugar para una metodología artística e indómita.

RESUMEN: El presente artículo se propone explorar el proyecto Museo Travesti del Perú (MTP), del artista Giuseppe Campuzano, con el objetivo de valorar sus aportes en relación con las posibilidades metodológicas de la investigación artística. En él destacaré componentes puntuales del trabajo de Campuzano, que abren algunas vías para comprender el conjunto y singularidad de sus herramientas y procedimientos. Para este texto he colocado en relevancia el debate sobre la producción de conocimiento hecho desde el cuerpo, la importancia de la narración del sufrimiento y la violencia ejercida sobre los cuerpos feminizados/racializados, y su vínculo con la percepción de ellos como amenaza de lo que he llamado “feminización del mundo”. En esta lectura de los planteamientos de Campuzano, subrayaré la capacidad del MTP para desestabilizar los estados de indiferencia frente a la negación de las existencias travestis.

ABSTRACT: This article aims to explore the Transvestite Museum of Peru (MTP) project, by the artist Giuseppe Campuzano, with the aim of assessing its contributions in relation to the methodological possibilities of artistic research. In it I will highlight specific components of Campuzano's work, which open some ways to understand the whole and uniqueness of its tools and procedures. For this text I have placed in relevance the debate about the production of knowledge made from the body, the importance of the narration of suffering and the violence exerted on the feminized / racialized bodies, and its link with the perception of them as a threat of what I have called "feminization of the world". In this reading of Campuzano's statements, I will underline the capacity of the MTP to destabilize states of indifference in the face of denial of transvestite existences.

El arte contemporáneo como el perpetuo simulacro de la parergonalidad.

RESUMEN: Entre las deliberaciones del arte contemporáneo hace falta un desentrañamiento no solo de sus resultados, sino de las nociones paradigmáticas que transversalmente han permeado una práctica de notorias exploraciones que se debaten entre lo experimental y lo heteróclito. Con una mirada panorámica de la praxis contemporánea en el arte, y manteniéndola siempre a mano, propondré a la parergonalidad derridiana como un artilugio idóneo desde donde avizorar obras que han sido tachadas de incompletas, de carentes de seriedad o de meros chascos pero que podrán ser considerados, además, como cavilaciones sobre los espacios de transición y permutación entre el arte y la realidad. Los autores de la práctica contemporánea relucirán como pontífices, a veces imprudentes, a veces asertivos, entre estos dos territorios limítrofes cuya oposición y dependencia ha sido el implícito interés de una expresión artística más interesada en la liminalidad que en la obra de arte como centralidad irrefutable.

ABSTRACT: Among the discussions about contemporary art, it is compulsory to analyze not only the results, but also the paradigmatic notions that have impregnated a practice of notable explorations that can be considered either as experimental or plainly heteroclite. With the assistance of a panoramic view on contemporary art praxis, and keeping it always closely, I will propose derridian parergonality as an ideal contraption from where inspect works that have been named incomplete, lacking in seriousness, or just elaborate jokes, that now can be considered, in addition, as cogitations about transitional and exchange spaces between art and reality. The authors of the contemporary practice will re-appear as assertive or reckless pontiffs, between these two territories, whose opposition and complementary nature has been the implied interest of an artistic expression that is more interested in liminality that it is on art as an inscrutable centrality.

Estética de la ruina: la potencia de los vestigios en el arte contemporáneo

RESUMEN: El presente artículo analiza los modos en que diferentes obras contemporáneas asiduamente discurren sobre la figura de la ruina desde un punto de vista material y conceptual. Luego de revisar el atractivo ejercido por los vestigios en distintos períodos de la historia del arte, el trabajo focaliza en una serie de proyectos realizados en las últimas décadas, con el objetivo de dilucidar las distintas configuraciones adoptadas por la ruina en el arte contemporáneo. El artículo concluye que la potencia de los vestigios en las prácticas artísticas de nuestros tiempos radica en su capacidad para sustituir el paradigma epistemológico de base ontológica, heredado de la modernidad, por otro que considere a la historia como campo de tensiones.

ABSTRACT: This article analyses the ways in which different contemporary artworks usually tackle the subject of ruins from a material and conceptual point of view. After studying the interest in vestiges throughout the art history, the paper focuses on some projects created in the last decades, in order to elucidate different expressions of ruins in contemporary art. The article concludes by stating that the power of vestiges in the artistic practices of our days lies in its capacity to substitute the epistemological paradigm based on ontological categories -inherited from Modernity- with another paradigm that may consider the history as a tension field.

Horámen de Adrián Balseca y la desposesión neocolonial en la Tolita, Esmeraldas

RESUMEN: A partir de la obra Horamen del artista Adrián Balseca, que sintetiza la expoliación que ha sufrido la isla de la Tolita en Esmeraldas, el artículo reflexiona sobre el impacto de la desposesión en el modo de organización del trabajo y de la sociedad en una región patrimonial densamente sometida a la experiencia colonial, principalmente por razones raciales.

ABSTRACT: This paper analyzes the work Horamen of the Ecuadorian artist Adrián Balseca, which summarizes the plundering of the island of Tolita, Esmeraldas, one of the most important archeological patrimonies in Latin America. The article shows how dispossession plays a crucial role on the organization of work and society in a region which has been heavily subjected to colonial experience, mainly for racial reasons.

La ciudad como reflexión formal

RESUMEN: El presente artículo reflexiona acerca de la obra de instalación titulada "Lo Que Será Será y Así Fue", exhibida en la muestra Cuerpos de Lengua - KIIL en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia (MACZUL) en Venezuela, en noviembre del 2017. A través de una ambientación arquitectónica, la obra visibiliza una realidad urbana que tienen en común las grandes ciudades de los países con dependencia económica y tecnológica de las potencias, que, a pesar de sus múltiples diferencias lingüísticas o culturales, comparten una tipología arquitectónica. Esta pieza remite a distintos conceptos de la ciudad, quizás abstractos e invisibles, como sus derechos, el territorio, el poder y la identidad, a la vez que señala al aparato estético del museo y la estética de lo bello.

ABSTRACT: This article exposes the reflections around the piece “Lo Que Será Será y Así Fue”, which was part of the exhibition Cuerpos de Lengua – KILL in the Museum of Contemporary Art of Zulia, Venezuela, in November 2017. Through an architectonic installation, the piece makes visible an urban reality that the big cities from the developing countries has in common, but, despite their multiples cultural and linguistic differences, they share an architectonic typology. The piece refers to several concepts from the cities, perhaps abstract and invisibles, like their rights, the territory, the power and the identity, while pointing out the museum aesthetic apparatus and the aesthetic of beauty.

Kamiñante, CAlderÓN-CazÓN: Una metodología nómade

RESUMEN: Por medio del caso de estudio “Kamiñante (KÑT)”, un proyecto de creación artística contemporánea en América Latina de la mutual creativa ecuatoriana “papelito no más es”,1 pretendo exponer la metodología nómade que concretó la existencia conceptual y material de la obra en los años 2014 y 2015. Espero evidenciar posibilidades y capacidades creativas al practicar el arte de caminar (walking art), que se conforma también con otros lenguajes artísticos. Para esto requiero una breve reseña cruzada de divagaciones reflexivas, a fin de distinguir y resaltar elementos que aportan al debate sobre lo contemporáneo en el arte actual de la región. Lejos de clarificar y concluir, lo que busco es detonar nuevos/viejos cuestionamientos alrededor de la metodología y el proceso creativos. KÑT tiene sabor a contribución, como tal, el deseo es compartirla.

ABSTRACT: Through the case study “Kamiñante (KÑT)”, a Latin American contemporary artistic project conceived by the Ecuadorian collective “papelito no más es” (2014-2015), I intend to showcase the nomadic methodology that we developed and that made the conceptual and material existence of this work possible. The intention of this work is to show creative possibilities and abilities when practicing walking art, which is also formed by other artistic languages. For this, I will examine my own reflexive digressions in order to distinguish and highlight elements that contribute to the debate on contemporary art in this region. Far from clarifying or leading to something conclusive, I intend to activate old/new questionings surrounding the methodology and artistic processes. KÑT is a contribution we are willing to share in this context.

Pasiones y tensiones entre la alfarería, la cerámica y el arte contemporáneo. El doble proceso de artificación y de patrimonialización en un mundo periférico del arte contemporáneo.

RESUMEN: Este artículo propone analizar el desplazamiento de las fronteras artísticas a través del caso de la cerámica contemporánea, dentro de la gran nebulosa de los mundos del arte contemporáneo. Más allá́ de la división clásica entre arte y artesanía, se observa la cohabitación de dos regímenes - patrimonial y arte contemporáneo - dando lugar a un arte entre dos procesos: artificación y patrimonialización. Este estudio de caso muestra que a pesar de sus múltiples tensiones entre saber-hacer y cultura de la tecnofilia, es gracias a los valores diferenciales entre arte contemporáneo y artesanía, que la cerámica existe como mundo del arte del arte contemporáneo singular y periférico. Y que la dificultad de su definición se encuentra atravesada por las paradojas, las cuales coexisten y se afirman dentro de la identidad colectiva de esta comunidad artística, como un valor.

ABSTRACT: This article proposes to analyze the displacement of artistic borders through the case of contemporary ceramics, within the great nebula of the worlds of contemporary art. Beyond the classic division between art and crafts, we observe the cohabitation of two regimes - patrimonial and contemporary art - giving rise to an art between two processes: artification and heritage. This study shows that despite its multiple tensions between know-how and culture of technophilia, it is thanks to the differential values between contemporary art and traditional pottery that ceramics exists as a world of singular and peripheral contemporary art. And that the difficulty of its definition is crossed by paradoxes, which coexist and assert themselves within the collective identity of this artistic community as a value.

TEJIDO: unidad en la diversidad.

RESUMEN: La idea base de esta obra artística es crear comunidad bordando; incentivar comunidades cuyos miembros cultiven la atención y la observación de sí mismos y se encaminen hacia una convivencia pacífica en el reconocimiento de sí mismos y del otro. El proyecto TEJIDO es el resultado de la investigación en varias fuentes tanto de Oriente como de Occidente, toma la potencia de diversos pensamientos y se sustenta en prácticas antiguas. Esta obra es en sí misma un tejido, está en el cruce de diferentes maneras de ver el mundo; presenta una simultaneidad de geografías y tiempos.

ABSTRACT: The core idea of this artistic work is to create community through embroidery, encourage communities whose members cultivate attention and self-observation and move towards a peaceful coexistence in the recognition of themselves and the other. The project TEJIDO is a result of research from several sources, both from the East and the West. The power of different thoughts and ancient practices nurture this work. It is itself a weaving and a crossroads of different ways of seeing the world, presenting us a simultaneity of geographies and times.

Pertinencia de la teoría institucional del arte y el capital social para explicar el rol de la Facultad de Artes Visuales (FAV) de la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL) en la práctica artística de Monterrey, México.

RESUMEN: El proceso del arte en Monterrey conllevó un crecimiento heterogéneo. La posición geográfica de la ciudad, rasgos industriales y sus atributos culturales configuraron la práctica artística de la región, así como a los protagonistas en esta escena. Tomando en consideración a la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL) como pionera en la profesionalización de los especialistas en artes visuales, se abordará a la Facultad de Artes Visuales (FAV) desde la teoría institucional del arte propuesta por George Dickie para entender la naturaleza de uno de los agentes clave en la historia del arte de la ciudad de Monterrey. A partir de este enfoque teórico se vinculará el concepto de capital social de Pierre Bourdieu, para explicar la formación y composición de las redes de contacto que ayudan en la proyección profesional de los artistas visuales.

ABSTRACT: Monterrey´s art process implied a heterogeneous growth. Its geographic location, industrial characteristics and cultural attributes shaped the local artistic practice as well as the main characters inside this scene. Considering the Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL) as the pioneer of the professionalization of the visual arts specialists, the Facultad de Artes Visuales (FAV) case will be taken as an example, in order to understand the nature of one of the most important agents in Monterrey´s art history, based on George Dickie´s art institutional theory, where the configuration of the visual art groups is assumed. Based on this theoretical approach, the concept of social capital proposed by Pierre Bourdieu will be linked onto this work to explain the formation and structure of the visual art’s networks that help with their professional projection.

Register: de la realización a la activación.

RESUMEN: Este artículo presenta el proceso de realización y activación del proyecto multimedia Register, que aborda la discontinuidad entre la inmediatez orgánica de la vida y el mundo simbólico mediante tecnologías intervenidas. Para ello, se emplearon tecnologías libres y abiertas formadas por dos sistemas interactivos de registro. Con ello, se generó una instalación formada por diferentes ambientes, donde dos artistas se encuentran inmersos en labores de recolección, clasificación y ficción, empleando diversos géneros, lenguajes y medios, como live art, new media performance y sound design, entre otros. El usuario se enfrenta a la construcción técnica manipulada de su propia imagen y a una experiencia estética donde se posiciona como espectador y es material fundamental e involuntario de la obra. Así, Register devela el proceso de construcción de la realidad mediada por imágenes esterotipadas en la cultura contemporánea.

ABSTRACT: The current paper shows the process of the Register multimedia project. This project addresses the discontinuity between the organic immediacy of life and the symbolic world approached by manipulated technologies. This objective was reached using free and open technologies formed by two interactive recording systems. These devices are elements of an installation made up by different environments, where two artists participate collecting, classifying and fictioning. Different genres, languages and media, such as live art, new media performance and sound design among others compose this installation. On the side of the user, he/she is confronted to a manipulated technical construction of his own image, also to an aesthetic experience where he positions himself as spectator, and he/she is a fundamental and involuntary element of the artwork. Therefore, Register unveils the process of the reality construction mediated by stereotyped images in contemporary culture.

Arte contemporáneo, arteBA y el efecto de aura.

RESUMEN: El modo de circulación del arte más extendido en la contemporaneidad es la producción de exhibiciones y eventos culturales. La escena artística se desarrolla alrededor de la conformación de lecturas acerca de las obras y los temas más diversos, y a su vez en la órbita de un mercado que es cada vez más transnacional y deslocalizado. Es un doble movimiento que permite tanto la proliferación e hibridación de las más diversas formas de producción como la introducción de estos productos en la lógica mercantil. Este artículo analizará la circulación del arte argentino durante la edición 26 de la feria arteBA (2017), y abordará las complejidades de la escena artística contemporánea local. Se preguntará por el alcance actual de las definiciones de Walter Benjamin acerca de la reproductibilidad técnica, para afirmar la existencia de lo que se denominará efecto aura en los modos de producción y circulación del arte contemporáneo.

ABSTRACT: The more extended way of circulation of art in current days is the production of exhibitions and cultural events. The art scene develops around the conformation of views about the most diverse works and themes and, at the same time, within the orbit of a market that’s more transnational and dislocated every day. It’s a double movement that allows both the proliferation and hybridization of the most diverse forms of production, and the introduction of these products within the mercantile logic. This article will analyze the circulation of Argentinean art during the 26th edition of the art market, arteBA (2017), and will focus on the complexities of the contemporary local art scene. It will question the reach of Walter Benjamin’s definitions about technical reproducibility to affirm the existence of what will be called aura effect in the production and circulation modes of contemporary art.

Reseña. Cuerpo siamés

Resumen La reseña procura presentar el libro-objeto colectivo Cuerpo siamés, editado por Turbina en 2017 alrededor del trabajo de La dupla, intervención artística de Paulina León y María Dolores Ortiz. A través del dispositivo del cuerpo doble que las artistas representan en ámbitos diversos, varios autores e investigadores exploran los alcances del cuerpo, los límites de las leyes y de la medicina, y ensayan nuevas formas de ver y pensar todas aquellas formas apartadas de la norma.

Abstract This review seeks to present Cuerpo siamés, a collective book-object edited by Turbina in 2017 that revolves around the artistic work of La dupla, artistic intervention by Paulina León and María Dolores Ortiz. Through the twin-body device, which is represented by the artists in various scenes, a number of authors and investigators explore the extent and potency of the body and the limits of Law and Medicine, and test new ways of seeing and thinking all those shapes and bodies that are set apart from the norm.