Índex, revista de arte contemporáneo

Gestión y arte en el espacio público:

RESUMEN: El artículo describe y analiza la contribución de los arquitectos Lorenzo Durini Vasalli y Francisco Durini Cáceres en la construcción de la imagen republicana del espacio público y en la gestión de los monumentos; en este proceso se intercala el conocimiento académico y la experiencia. La descripción de los monumentos devela un mensaje universal: la libertad, la victoria y el progreso, a través de la representación de próceres de la independencia latinoamericana e intelectuales, en un momento de coyuntura histórica en el que se crearon los símbolos de las repúblicas al iniciar el siglo XX. Las citas y algunas fotografías provienen del fondo documental del Museo de la Ciudad de Quito, en donde se encuentra la “Colección Durini”, que consta de 1.632 fichas. Incluye documentos personales, cartas, telegramas, fotografías, planos, catálogos de arquitectura y construcción, dibujos, acuarelas y planos realizados con diferentes técnicas, que pertenecieron a Lorenzo y Francisco Durini.

ABSTRACT: The article describes and analyzes the contribution of architects Lorenzo Durini Vasalli and Francisco Durini Cáceres in the construction of a new image for urban public space and the management of monuments in Ecuador, combining their academic knowledge and vast experience. The descriptions of their commemorative monuments reveal a universal message: freedom, victory and progress. This is represented by intellectuals and heroes of Latin American independence in a historic moment at the beginning of the 20th century when symbols of the newly established republics were being created. The quotes and some photographs come from the “Museo de la Ciudad” of Quito, where the Durini Collection is located. It consists of 1.632 registers that include personal documents, letters, telegrams, photographs, plans, architectural and construction catalogs, drawings, watercolors and drawings made with different techniques, which belonged to Lorenzo and Francisco Durini.

José Gabriel Navarro y sus aportes en torno al arte, educación e identidad nacional en el contexto del Segundo Congreso Científico Panamericano de 1915.

RESUMEN: Investigaciones sobre la obra de José Gabriel Navarro principalmente han revisado y discutido sus aportes y disertaciones sobre el denominado arte colonial quiteño. En esta ocasión, se busca contribuir al entendimiento de la figura de Navarro como intelectual de la primera mitad del siglo XX y sus acciones en lo artístico educativo y la construcción de un discurso sobre un arte americano. Para lo cual, se toma como documento central, la propuesta de educación artística de Pedro Pablo Traversari, José Gabriel Navarro y José María Durán para el Segundo Congreso Científico Panamericano de 1915. Junto a esto, se recoge el recurso epistolar del Fondo José Gabriel Navarro de la Biblioteca Ecuatoriana Aurelio Espinosa Pólit, cuyo análisis permite, por un lado, comprender los diálogos a nivel intelectual para la configuración de un arte nacional, y por otro, posibilita valorar la vinculación entre diferentes actores culturales ecuatorianos de inicios del siglo XX.

ABSTRACT: Several studies of Navarro's work have mainly reviewed and discussed his contributions and dissertations on the so-called Quito’s colonial art. In this occasion, this paper seeks to contribute on the understanding of Navarro as an intellectual of the first half of the twentieth century. As well as, understand his actions in the artistic local field and in the construction of a cultural discourse of an American art within a Pan-American context. For this purpose, the proposal about an artistic education, written by Pedro Pablo Traversari, José Gabriel Navarro and José María Durán, is used as a central document. In addition, the epistolary resource of the José Gabriel Navarro Archive, of the Biblioteca Ecuatoriana Aurelio Espinosa Pólit, reveals the dialogues at an intellectual level of a utopian and homogenizing configuration of a vernacular art. This resource exposes Navarro’s acquaintances between cultural actors of the first decades of the twentieth century.

Joseph Beuys, la estética hoy, un compromiso político

RESUMEN: Joseph Beuys es uno de los más influyentes artistas en el mundo contemporáneo, sus ideas y propuestas aún no han sido comprendidas del todo y muchas de ellas resultan transgresoras hasta hoy en día, en especial su declaración de que “todo el mundo es artista”. Beuys no solo se enfrenta al quehacer artístico, comprende que el arte es algo mucho más profundo y complejo, es una energía que mueve al mundo y que como muchas de las energías en el pensamiento occidental, es incomprendido y valorizado solo desde su apariencia y superficialidad.

ABSTRACT: Joseph Beuys is one of the most influential artists in contemporary world, his ideas and proposals have not yet been completely understood, many of them are transgressive nowadays, specially his polemic statement that "everyone is an artist." Beuys not only faces the artistic work, he understands art as something much deeper and more complex, as an energy that moves the world and as what happens to many energies in Western thought, his misunderstood and valued only from his appearance and superficiality.

Neo-Dada y Accionismo: La conexión Nueva York - Viena de la Neo-vanguardia

RESUMEN: Este ensayo es una continuación de un estudio previo sobre el rol desempeñado por la Neo-vanguardia de los años sesentas en adelante. En este caso particular, el enfoque es más sobre el papel de las artistas femeninas pioneras del Arte Corporal y su legado actual. La investigación busca auscultar los orígenes del fenómeno artístico desde un punto de vista multidisciplinario para poder matizar la complejidad detrás de estas expresiones del arte contemporáneo. Se propone, además, hallar las relaciones conceptuales, intelectuales y sociales entre las neo-vanguardias de Europa y Estados Unidos de Norte América; para poder impartir una dimensión más personal entre estas expresiones de nuevo cuño estético.

ABSTRACT: This essay is a continuation of a prior study about the role played out by the Neo-avant-garde since the nineteen sixties to the present. In this particular case, the focus is much more on the pioneering female artists of Body Art and its legacy today. The investigation aspires to discover the origins of these artistic phenomena from a multidisciplinary point of view; so as to be able to recognize the complexity behind these expressions of contemporary art. The essay proposes, as well, to uncover the conceptual, intellectual and social relations between the neo-avant-gards of Europe and the United States of North America; therefore, incorporating a more personal dimension among these expressions of a new type of aesthetic.

Brasilia: imágenes de la gloria, memorias de la exclusión

RESUMEN: A comienzos de los años cincuenta, se produjo en Brasil una explosión modernista que se manifestó en un variado abanico de propuestas, proyectos e instituciones, entre ellas la construcción de Brasilia. Durante la presidencia de Kubitschek (1956-1961) su construcción se invistió como la concreción a nivel urbano del imaginario de progreso y modernización tecnológica, un proyecto de hacer crecer a Brasil cincuenta años en tan sólo cinco. En el presente trabajo abordaremos producciones artísticas que se articulan como contrarelatos de la construcción mítica de Brasilia. Tomaremos como objetos de análisis la instalación de Cildo Meireles Através (1983-1989) y la película Branco sai, preto fica (2014) de Adirley Queirós. Ambas aportan una perspectiva con mayores claroscuros respecto de la experiencia de habitar Brasilia, dando lugar a una serie de discursos críticos relacionados con las existentes situaciones de exclusión social y disputa por el espacio público.

ABSTRACT: In the early 1950s, a modernist explosion occurred in Brazil, which manifested in a wide range of proposals, projects and institutions, including the construction of Brasilia city. During the presidency of Kubitschek (1956-1961) its building was vested as the concreteness, on an urban level of the imagination of technological progress and modernization, a project to make Brazil move on fifty years in only five. In this paper, we will deal with artistic productions that are articulated as counterparts of Brasilia´s mythical construction. We will analyze the installation of Cildo Meireles Através (1983-1989) and the film Branco sai, preto fica (2014) of Adirley Queirós. Both productions provide a different perspective regarding the experience of living in Brasilia, giving rise to critical discourses on situations of social exclusion and dispute over public space.

El chimó como elemento (matérico) y simbólico en las Prácticas de creación artísticas en Venezuela

RESUMEN: El presente artículo plantea una reflexión desde las prácticas de creación artísticas en la utilización y apropiación del chimó como elemento simbólico y matérico. En este caso, esta materia ha servido como vehículo creativo para proyectar procesos plásticos en el contexto del arte contemporáneo venezolano en distintos medios. En este sentido utilizo esta sustancia como soporte para construir un lenguaje plástico personal y experimental. Esta investigación se sustenta en un estudio histórico del chimó como materia originaria de nuestra cultura ancestral manifestada actualmente en algunos imaginarios populares en Venezuela que utilizan el chimó como práctica simbólica. Se tendrá como resultado varias actividades (muestras expositivas), de estos procesos plásticos tituladas: Cosmologías Rituales (2008), galería de la UCV, Caracas. Reinvención de lo Sagrado. (2009), Museo Carmelo Fernández, San Felipe-Edo-Yaracuy. Testimonios de fe (2016-2017), Museo Carmelo Fernández, San Felipe-Edo Yaracuy.

ABSTRACT: The present article raises a reflection from the practices of artistic creation in the use and appropriation of the chimó as a symbolic and material element. In this case, this subject has served as a creative vehicle for projecting plastic processes in the context of contemporary Venezuelan art in different media. In this sense I use this substance as support to build a personal and experimental plastic language. This research is based on a historical study of the chimó as an originary material of our ancestral culture currently manifested in some popular imaginaries in Venezuela that use the chimó as a symbolic practice. It will result in several activities (expository samples), of these plastic processes titled: Cosmologías Rituales (2008), gallery of the UCV, Caracas. Reinventing the Sacred. (2009), Carmelo Fernandez Museum, San Felipe-Edo-Yaracuy. Testimonies of Faith (2016-2017), Carmelo Fernandez Museum, San Felipe-Edo Yaracuy.

La Curación está en compartir el conocimiento: Revisión del proyecto PUKUY / Soplo de Curación .

RESUMEN: Este artículo repasa el proceso de construcción material, las condiciones de trabajo, las relaciones sociales y reflexiones intelectuales que se tejieron durante la creación del proyecto Pukuy / Soplo de Curación, una escultura sonora automatizada que conjuga arte, tecnología, antropología y saberes sobre instrumentos musicales y cosmogonía Salasaka. Esta reseña de obra artística permite divisar el paso a paso y los insumos teóricos, pedagógicos y sonoros que fundamentan la creación de un proyecto artístico, evidenciando el espíritu social, musical y de curación del pingullo de Salasaka.

ABSTRACT: This article reviews the process of material construction, working conditions, social relations and intellectual reflections that were woven during the creation of the Pukuy / Soplo de Curación project, an automated sound sculpture combining art, technology, anthropology and knowledge about musical instruments and Salasaka cosmogony. This review of artistic work allows us to discern step by step and the theoretical, pedagogical and sonic inputs that support the creation of an artistic project, evidecing the social, musical and healing spirit of the Salasaka pingullo.

Registro y difusión del performance artístico en la era digital

RESUMEN: El siguiente texto tiene como objetivo indagar en la relación entre performance y nuevas tecnologías, haciendo énfasis en su registro y difusión. Primero se pondrá en contexto el momento en el que surge la era digital y su influencia en las artes visuales y específicamente en el performance. Luego, a partir de la obra de las artistas: Orlan y Amalia Ulman, se evidenciarán distintas metodologías para abordar el registro de performance, dando especial atención a elementos como: el ciberespacio, la simultaneidad de la acción a través de la pantalla y el uso del cuerpo virtual, entre otros. Finalmente se reflexionará acerca de lo que supone para el performance y su registro, enfrentarse a un público que no puede entender la realidad, sin la mediación de dispositivos tecnológicos.

ABSTRACT: The following text aims to study in greater depth the relationship between performance and new technologies, having an emphasis on the recording and diffusion of such. To the better understanding of the matter, it will be necessary to contextualize the historical background of the origins and the arrival of the digital age and it's influences within the field of the visual arts, and specifically within the performance arts. The work of two artists: Orlan and Amalia Ulman will help illustrate the differences and specific characteristics of the register in performance art, being aware of important elements such as: the virtual space, the simultaneity of the action through the screen, the use of virtual elements, etc. Finally, we will ponder about the challenge that performance art and it's register has to face an audience that is unable to understand reality without the help of technological devices.

Mediaciones artísticas a partir de la gestión cultural de la Fundación Cultural Bordes

RESUMEN: El presente artículo es el resultado de un trabajo de investigación de tipo descriptiva y cualitativa con un diseño de campo y documental realizado durante los años 2013 a 2015 a las actividades de promoción cultural realizadas por la Fundación Cultural Bordes en San Cristóbal, Táchira en Venezuela. Para esta investigación se utilizaron como instrumentos de recolección de datos la observación participante, el registro documental y la entrevista abierta; y como apoyo teórico las 4 estrategias para desarrollar políticas culturales efectivas propuestas por el promotor cultural Alfons Martinell. Los resultados ayudaron a describir las formas y maneras en que esta fundación realiza la gestión cultural a través de mediaciones artísticas en espacios no convencionales donde se forma a estudiantes pre y universitarios en apreciación artística y promoción cultural, observando debilidades y fortalezas tanto en la ONG como en la ciudad donde hace vida.

ABSTRACT: This article is about a qualitative descriptive study which was developed during 2013, 2014 and 2015 in where the author explores the cultural activities undertaken by the NGO Bordes in San Cristóbal, Venezuela. Observation method, interviews and the documentary record were the investigation techniques used. Alfons Martinell’s strategies were used as theoretical model. Artistic mediation processes are showed by the results of the research and are a way to understand the cultural management developed by this NGO in which students are trained in artistic appreciation and cultural management. Through this research we can also identify general strengths and weaknesses in the NGO in question.

Vinculaciones y bifurcaciones entre el arte y el diseño gráfico: una encrucijada

RESUMEN: El presente ensayo postula, como eje detonador de toda la disertación reflexiva, establecer vínculos y bifurcaciones entre el arte y el diseño. Comenzaremos por tratar de establecer una definición de lo que se entiende por arte, luego una definición de diseño gráfico y, por último, un apartado sobre cómo se conectan estas dos disciplinas del saber humano, hasta dónde se auxilian y los espacios que las delimitan y las hacen “lo mismo y lo otro”, sin ánimos de mostrarlas antagónicas o como usurpadoras de sus linderos, lejos de esta idea aseguramos que se comunican y se hermanan para luego desarticularse y recuperar de este modo su hegemonía, dando la oportunidad de reflexiones como las que continuación se presentan.

ABSTRACT: The present essay postulates, as the detonator axis of the whole reflective dissertation, to establish links and bifurcations between art and design. We begin by trying to establish a definition of what is understood by art, then a definition of graphic design and finally a section on how these two disciplines of human knowledge are connected, how far they are aided and the spaces that delimit and make them "the same and the other," without showing them antagonistic or as usurpers of their boundaries, far from this idea, we assure that they communicate, and become brothers and then disarticulate and recover their hegemony in this way, giving the opportunity for reflections such as Which are presented below.

El fuego y los perros

Resumen Numerosas veces me han preguntado cuál es la relación entre el paisaje y los bailarines en Los Coros Menores y siempre la respuesta más elemental resulta la de mayor precisión: ambos son hechos de un mismo mundo. Los personajes provienen de tres lugares: Alto Hospicio, en Chile, y El Alto y Oruro, en Bolivia. En el caso chileno, los retratados son danzantes de la fiesta de La Tirana, celebración relativa a la Virgen del Carmen. En la festividad boliviana, son bailarines del carnaval que, al igual que en el resto del mundo católico, se celebra en todo ese país a fines de febrero.

Abstract Many times I have been asked what is the relationship between the landscape and the dancers in The Minor Choirs and always the most elementary answer is the one of greater precision: both are made of the same world. The characters come from three places: Alto Hospicio, in Chile, and El Alto and Oruro, in Bolivia. In the Chilean case, the portrayed are dancers of the La Tirana festival, a celebration related to the Virgen del Carmen. In the Bolivian festival, they are carnival dancers who, like in the rest of the Catholic world, are celebrated throughout that country at the end of February.

La perspectiva de fin de siglo: Latin American Artists of the Twentieth Century (Museum of Modern Art - MOMA, Nueva York, 1992-1993)

RESUMEN: Este artículo analiza la exposición Latin American Artists of the Twentieth Century (Museum of Modern Art - MOMA, Nueva York, 1992-1993) situada en el contexto histórico cultural más amplio del cual forma parte: los cambios en el sistema global del arte ocurridos en los años ochentas, el llamado boom del arte latinoamericano en los Estados Unidos y el aniversario del Quinto Centenario de la conquista y colonización de América. En medio de estos cruces, y teniendo en cuenta una diversidad de fuentes de análisis que incluye el propio archivo de la exposición, la pregunta está puesta en qué tipo de representaciones se desprenden de la misma y en qué lugar se sitúa América Latina, su arte y artistas.

ABSTRACT: The article analyses the exhibition Latin American Artists of the Twentieth Century (Museum of Modern Art - MOMA, Nueva York, 1992-1993) as part of a broad cultural context: the global art system and its variations in the 80s, the latin american art boom in the United States and America’s conquest and colonization Quincentenary. From this starting point, considering the exhibition’s archives and other documental references, the question is: how Latin America, its art and artists are represented and placed?

Khôra o cómo hacer de la curaduría un bosque (húmedo) tropical

RESUMEN: Este es un ensayo que utiliza como estudio de caso a la galería Khôra, ubicada en Quito, para explorar aristas del trabajo curatorial y los métodos de investigación creativa. En un primer momento plantea definiciones sobre el oficio de la curaduría, para luego contar las condiciones que determinan la creación de Khôra y los marcos teóricos que acompañan al nombre del espacio. En un segundo momento, se analiza el paraguas de pensamiento que cubrió las primeras cuatro exhibiciones, guiadas por la intensión de provocar relaciones y desbordes. Finalmente, el texto cierra con una reflexión sobre la creación de modelos de investigación experimentales que surgen cuando se entiende a la exhibición como medio de exploración que acompaña al desarrollo de la producción creativa dentro de un espacio académico.

ABSTRACT: This essay presents a case study about Khôra gallery, based in Quito, to explore aspects of the curatorial work and methods of creative research. In the first paragraphs, the author formulates definitions around the notion of the curatorial, followed by an analysis of the conditions that determine the creation of Khôra and the theoretical frameworks that accompany the name of space. In a second moment, there is a reflection of the parameters of thought that covered the first four exhibitions hosted in the gallery, guided by the intention of provoking relationships and overflows. Finally, the text closes with a reflection on the possibility of creation of experimental models of research that arise when the exhibition is understood as a means of exploration that accompanies the development of creative production within an academic space.

Curaduria y Gestión. 12 Bienal de Cuenca

RESUMEN: Este texto procura hacer memoria del proceso de armar una bienal de arte contemporáneo, y cómo seguir idealizando este proyecto a largo plazo. Se trata de una relatoría del proceso de gestión y de cómo se enfatizó una mirada sensible desde el trabajo ejecutivo. Busca saber brevemente cómo fue producir esta edición, mencionar cómo se desenvolvió una curaduría coherente con la realidad de la ciudad, con la realidad de ser una institución local de cultura y evidencia cómo esta bienal, enfrentó la realidad del Ecuador.

ABSTRACT: This text seeks to recall the process of assembling a biennial of contemporary art, and how to continue to idealize this project in the long term, a report on the management process, and how a sensitive view was emphasized from the executive work, briefly know how it was to produce this edition, to mention how a curatorship coherent with the reality of the city developed, with the reality of being a local institution of culture and how to face the reality of Ecuador from Cuenca and from this Biennial.

Exponer el método. Ver para creer. Fotografía, etnografía, propaganda en el oriente ecuatoriano (1893-1940). Notas sobre una propuesta curatorial de María Fernanda Troya.

RESUMEN: A partir de la propuesta curatorial de María Fernanda Troya para la exhibición Ver para creer. Fotografía, etnografía, propaganda en el Oriente Ecuatoriano (1893-1940) presentada en Arte Actual, este artículo reflexiona sobre el dispositivo montaje como la “doble exposición” de una metodología para investigar archivos, textos e imágenes fotográficas a partir del cuestionamiento de la autoridad etnográfica e histórica y el valor de documento de la fotografía.

ABSTRACT: From the curatorial proposal of María Fernanda Troya for the exhibition Seeing to Believe. Photography, ethnography, propaganda in the Ecuadorian Oriente (1893-1940) presented in Arte Actual, this article reflects on the assembly device as the "double exposure" of a methodology to investigate archives, texts and photographic images based on the questioning of historical ethnographic authority and the document value of photography.