Índex, revista de arte contemporáneo

Apartheid, Social Documentary Photography in South Africa and how the photographer David Goldblatt approaches the Apartheid in his daily life scenes

Resumen El fotógrafo sudafricano David Goldblatt, en sus años de práctica fotográfica, desarrolló una manera particular de abordar la vida diaria bajo el sistema del Apartheid que rigió en Sudáfrica entre 1948 y 1991. En el presente ensayo se observan dos ejemplos de fotografías de la vida diaria en las que Goldblatt se distancia de la estética utilizada por la “Struggle Photography” y con una interacción entre visibilidad/invisibilidad muestra el impacto de este sistema entretejido en el día a día de los ciudadanos sudafricanos.

Abstract South African photographer David Goldblatt developed a particular way to approach everyday life under the system of Apartheid, which ruled South Africa between 1948 and 1991. Two of Goldblatt’s daily life photographs are observed in this essay in which he distances himself from the “Struggle Photography” aesthetic. Thus, with an interaction between visibility/invisibility he shows the impact of this system interwoven in South African citizens daily life.

Kintsugi: performativity and critical research in the questioning of normativity

Resumen En el presente artículo exploramos las posibilidades expresivas y reflexivas de la conjunción entre performatividad y estudios críticos de discapacidad. A través de la obra “Kintsugi”, desarrollada en el marco de la exposición Aula Cero y el proyecto de investigación Eedin (Educación, discapacidad e inclusión) de la Universidad de Cuenca, queremos comprender mejor la experiencia de personas con discapacidad en el ámbito de la educación superior y visibilizar su lucha cotidiana en contextos excluyentes. Se utiliza como metáfora la técnica de restauración de cerámica fracturada con metales preciosos denominada kintsugi para ensamblar una narrativa en video con fragmentos de rostros, reflexiones, cuerpos y testimonios sobre la experiencia de la discapacidad. Con esta obra colaborativa y multimodal se propone una revisión de la idea de normalidad y su enfoque restrictivo, posicionando una reflexión sobre la potencia que alberga la discapacidad y el arte para interpelar ciertas nociones hegemónicas y crear nuevas narrativas.

Abstract This article explores the expressive and reflective possibilities of the conjunction between performativity and critical studies of disability. Through the work “Kintsugi”, developed within the framework of the Aula Cero exhibition and the Edin (Education, disability and inclusion) research project of the University of Cuenca, we want to understand better the experience of people with disabilities in the field of college education, and make their daily struggle visible in excluding contexts. The Japanese technique of restoration of fractured ceramics with precious metals called kintsugi is used as a metaphor to assemble a video narrative with fragments of faces, reflections, bodies, and testimonials about the experience of disability. With this collaborative and multimodal work, a review of the idea of normality and its restrictive approach is proposed, and a consideration is made on the power of disability and art to challenge certain hegemonic notions, and to create new narratives.

The social world beyond the human: multispecies relationships through contemporary Amazonian art

Resumen Este texto aborda cómo el arte indígena amazónico contemporáneo es una posibilidad para indagar en las cosmogonías indígenas y su forma de entender la socialidad, la cual está compuesta de relaciones políticas multiespecies, intercambios entre diferentes mundos. Las imágenes contenidas en la exposición Ontologías indígenas en las artes amazónicas contemporáneas políticas y poéticas del bosque muestran cómo estas diferentes existencias desafían la separación tradicional entre la naturaleza y la cultura, creando un espacio de intercambio más fluido.

Abstract This text addresses how contemporary Amazonian indigenous art is a possibility to investigate indigenous cosmogonies and their way of understanding sociality, which is made of multispecies political relations, exchanges between different worlds. The images contained in the exhibition Indigenous Ontologies in Political and Poetic Contemporary Amazonian Arts of the Forest show how different existences challenge the traditional separation between nature and culture, creating a space for a fluid exchange.

Research-creation in visual and performing arts: trasdisciplinarity and collaboration in Memory Dance project (GDL 925)

Resumen Las condiciones de generación de conocimiento se modifican en un contexto de transdisciplinariedad creciente de la universidad. Desde el grupo de investigación/cuerpo académico “Investigación y creación en arte audiovisual y escénico” y el proyecto “Memoria audiovisual de mujeres jaliscienses en el cine y la danza contemporánea de la Universidad de Guadalajara” de la Universidad de Guadalajara (México), se ha apostado por el audiovisual performativo para componer un proyecto de investigación artística e investigación-creación, donde la producción en comunicación audiovisual se hibrida con otros ámbitos como los de las artes escénicas y dancísticas. En el texto se describe un proceso de creación audiovisual y escénico transdisciplinar y en colaboración entre académicos de España y México, que finalizó con el estreno de la obra Memory dance (GDL 925).

Abstract The conditions for the generation of knowledge are modified in a context of increasing transdisciplinarity in the university. From the research group/academic team "Research and creation in audiovisual and stage art" and the project "Audiovisual memory of Jalisco women in contemporary cinema and dance at the University of Guadalajara", of the University of Guadalajara (Mexico) has chosen performative audiovisual, to compose an artistic research and research-creation project, where production in audiovisual communication is hybridized with other fields such as performing arts and dance. The text describes a transdisciplinary audiovisual and stage creation process in collaboration between academics from Spain and Mexico, which ended with the premiere of the work Memory dance (GDL 925).

Disciplinary Visuals Technologies: photographic archives, modern pathos and artistic declassification in Rossagela Rennó’s and Mujeres Creando’s artwork

Resumen El objetivo de este artículo radica en problematizar los usos de los archivos fotográficos en el arte contemporáneo a partir del estudio de casos, e indagar en la fotografía como práctica y como tecnología de subjetivación en el contexto colonial. Para ello se propone un recorrido que demarca los desarrollos fotográficos como tecnología moderna, que repara en los acervos interpelados por las artistas y que, finalmente, reflexiona sobre los desplazamientos y las críticas propuestas. El análisis propuesto toma como punto de partida la producción de artefactos culturales nuevos que se apropian, procesan o editan materialidades documentales. Tanto “Vulgo” de Rosângela Rennó como “Una lectura no autorizada de la Historia”, del colectivo Mujeres creando, son entendidos como propuestas de desclasificación artística que apelan a múltiples estrategias materiales y visuales para elaborar el archivo en formatos-obra.

Abstract The objective of this article is to problematize the uses of photographic archives in contemporary art based on case studies, and to inquire photography as a practice and as a technology of subjectivation in the colonial context. To this end, a journey is proposed that demarcates photographic developments as modern technology, which pays attention to the collections questioned by the artists and, finally, reflects on the displacements and the proposed criticisms. The proposed analysis takes as starting point is the production of new cultural artifacts that appropriate, process or edit documentary materials. Both “Vulgo” from Rosângela Rennó and “Una lectura no autorizada de la Historia” from Mujeres creando’s colective, are understood as proposals for artistic declassification that appeal to multiple material and visual strategies to elaborate the archive in workart-formats.

Notes about an Infamy Esthetic in the Work of Martha Pacheco

Resumen Estas reflexiones son el resultado de una serie de notas e inquietudes derivadas de la contemplación de la obra de la pintora mexicana, finada el 1 de noviembre de 2021, Martha Pacheco, cuya producción artística se caracteriza por la representación, principalmente, de la locura y la muerte, a través de pinturas y grabados realistas de cuerpos que nadie reclama, olvidados en la morgue o en el manicomio, y de rostros marcados por la indigencia, el abandono o la locura. Se desarrollará la noción de estética de la infamia, como un modo de abordaje de la obra de la artista mexicana, para explicar los efectos de representar cuerpos muertos o rostros con rastros de locura, y la relaciones entre erotismo y muerte, entre lo sagrado y lo profano.

Abstract This essay is the result of a series of notes and intellectual curiosities araised from the contemplation of the work of the Mexican painter, deceased on November 1, 2021, Martha Pacheco, whose artistic production is mainly characterized by the representation of madness and death, through realistic paintings and etchings of bodies that no one claims, forgotten in the morgue or in the mental hospital, and faces marked by indigence, abandonment, or madness. The notion of infamy esthetic will be developed as a way of approaching the work of the Mexican artist, to explain the effects of representing dead bodies or faces with traces of madness, and the relationships between eroticism and death, between the sacred and the profane.

Uses of photographs of the disappeared and murdered people as a device and iconographic element in memory and human rights activism in Argentina

Resumen En este artículo se aborda la trayectoria del uso de fotografías de desaparecidos/as y asesinados/as que forman parte de las materialidades de diversos memoriales que se erigen en el espacio público para conmemorar a las víctimas del periodo de violencia política de la década del setenta y la última dictadura en Argentina (1976-1983). Desde la perspectiva de los estudios de memoria y a través de la selección de algunos casos que se consideran representativos, el objetivo es dar cuenta de los diversos dispositivos que adopta la fotografía y de su incorporación como elemento iconográfico de representaciones que, en su conjunto, se incluyen en el repertorio de acción del activismo por la memoria y los derechos humanos. Se exponen cuestiones claves sobre el tema, se analiza el corpus y, finalmente, se presentan algunas conclusiones para pensar el lugar de la fotografía en el presente.

Abstract This article addresses the course of the uses of photographs of disappeared and murdered people that are part of the materiality of several memorials erected in public spaces to commemorate victims from the period of political violence of the seventies and the last dictatorship in Argentina (1976-1983). Starting from the theoretical perspective based on Memory Studies and through the selection of some cases that are considered representatives, the objective is to account for the various devices that photography adopts and its incorporation as an iconographic element of representations that are included in the action repertoire of activism for memory and human rights. Key issues on the subject are exposed, the corpus is analyzed and, finally, some conclusions are presented to think about the place of photography in the present.

Replicas and returns, activating the past from contemporary art

Resumen Este artículo propone un acercamiento a la discusión sobre repatriaciones de los objetos del pasado prehispánico mediante estrategias y activaciones desde el arte contemporáneo, que desbordan las nociones de patrimonio cultural y nación. A partir de mi experiencia etnográfica en la comunidad de La Pila (Manabí-Ecuador), exploro en el potencial de las prácticas artesanales basadas en la replicación y la reproducción como formas de regreso que surgen de las memorias y los conocimientos desde el hacer. Presentaré los procesos del proyecto Corrientes de retorno (2021) para indagar en apropiaciones y posibilidades de convivencia con el pasado que se distancian del canon de la originalidad y la autenticidad.

Abstract This article approaches the discussion on pre-Hispanic objects repatriation through strategies and activations from contemporary art, that go beyond the notions of cultural heritage and nation. Based on my ethnographic experience in the community of La Pila (Manabí-Ecuador), I explore the potential of artisan practices based on replication and reproduction as forms of return that emerge from memories and knowledge from doing. I will present the processes of the project Corrientes de retorno (2021) to research appropriations and possibilities of coexistence with the past that distance themselves from the canon of originality and authenticity.

Emerging camouflage from the ancient past. The feather in the work or María Fernanda Cardoso

Resumen El objetivo de este escrito es abordar la obra Emu Wear [Ropa de Emú] (2008-2020) de la artista colombiana María Fernanda Cardoso, desde el concepto de supervivencia de Aby Warburg. Se interroga la actualidad de la obra al ponerla en relación con el arte plumario precolombino, de modo que podamos comprender los procedimientos y recursos formales -en términos de color, forma, materialidad, técnica y textura- mediante los que resignifican elementos del pasado ancestral. En este sentido, se adhiere a una concepción temporal anacrónica que entienda el presente de un modo dialéctico, el cual permite que se presenten síntomas y rupturas en la linealidad del tiempo histórico, y con ello, el resurgir de formas e imágenes de nuestra cultura ancestral latinoamericana en la contemporaneidad.

Abstract This essay approaches the work Emu Wear [Ropa de Emú] (2008-2020) by the Colombian artist María Fernanda Cardoso which worked from Aby Warburg’s survival concept. The work is questioned by its relation to pre-Columbian feather art, so that we can understand the formal procedures and resources −in terms of color, shape, materiality, texture and technique− by means of which they re-signify elements of the ancestral past. In this sense it adheres to an anachronistic conception that understands the present in a dialectical way, which allows symptoms and breaks in the linearity of historical time to appear, and with it, the resurgence of forms and images of our ancestral Latin American culture in contemporary times.

Without crushing the pulp: chlorotyping practices with Tungurahua leaves

Resumen En este artículo se presentan los resultados de un proceso de experimentación con sustratos vegetales provenientes de plantas que crecen en la provincia de Tungurahua, las mismas que sirvieron como sustituto papelero para la generación de imágenes por medio de la técnica fotográfica alternativa denominada clorografía o clorotipia. En este proceso experimental se generaron alrededor de mil pruebas, durante un año y medio de trabajo, considerando diversos factores ambientales, para obtener como resultado una colección de 350 piezas de fotografías naturales en las que se registran los cambios de la iconografía salasaca, sin utilizar ningún químico adicional a la clorofila de las hojas seleccionadas.

Abstract This article presents the results of a process of experimentation with plant substrates from plants that grow in the province of Tungurahua, the same ones that served as a paper substitute for the generation of images through the alternative photographic technique called chlorograpie or chlorotype. In this experimental process, around a thousand tests were generated, during a year and a half of work, considering various environmental factors, to obtain as a result a collection of 350 pieces of natural photographs in which the changes of Salasaca iconography are recorded, without using no additional chemical to the chlorophyll of the selected leaves.

The Nameless Lands: In the middle of the lake

Resumen El presente artículo analiza la interpretación de piezas de culturas prehispánicas del Ecuador en un entorno virtual inmersivo creado en el metaverso de Second Life, que forma parte del proyecto En medio del lago, presentado en la exposición “Las tierras sin nombre. Geografías especulativas y nuevos medios” del Museo Universitario MUCE. Se presentan las ideas curatoriales que fundamentan esta propuesta artística, basadas en la noción de geografías especulativas. Se describen los procesos curatoriales y educativos de creación y producción de este proyecto, realizados en un laboratorio con estudiantes de Computación gráfica de la Universidad Central del Ecuador. El enfoque corresponde a los Game Studies y Estudios Culturales de la visualidad. Se abordan temas como la creatividad basada en metaversos y videojuegos, los imaginarios culturales de la ficción especulativa, la invención de futuros posibles a través del diálogo entre artes visuales y computación gráfica, y la interpretación del pasado prehispánico en contextos narrativos relacionados con la fantasía y ciencia ficción.

Abstract This article analyzes the interpretation of pieces from Ecuador's pre-Hispanic cultures in an immersive virtual environment created in the Second Life metaverse, which is part of the project called In the middle of the lake, shown at the exhibition “The Nameless Lands. Speculative geographies and new media” from the MUCE University Museum. The curatorial ideas that support this art proposal are based on the notion of speculative geographies. The curatorial and educational processes of creation and production of this project, carried out in a laboratory with Computer Graphics students from the Universidad Central del Ecuador. The focus relates to Game Studies and Cultural Studies of visuality. This essay draws topics such as creativity based on metaverses and video games, the cultural imaginaries of speculative fiction, the imagination of possible futures through the dialogue between visual arts and computer graphics, and the interpretation of the pre-Hispanic past in narrative contexts related to fantasy and science fiction.

Performance as a decolonizing artistic practice

Resumen En este texto se ensaya el planteamiento de cómo las acciones de performance pueden ser usadas para revitalizar las memorias de la violencia de género invisibilizadas por efectos del poder patriarcal-colonial-moderno, y con ello, producir conocimiento decolonizador. Primero, se identifica la posición que ocupa el cuerpo de la mujer como lugar donde ocurre la violencia, convirtiendo a sus cuerpos en espectáculo de este fenómeno operando como pedagogías de crueldad. Como contrapartida a esta situación, se defiende la idea de que el cuerpo produce conocimientos que ponen en jaque este modelo y revitalizan el campo del saber. Mediante la activación del cuerpo como un lugar dotado de ontología y como herramienta ética, política, subversiva y salvaje, se puede interpelar el lugar despolitizado en el que se ha ubicado a las mujeres. La performance puede transmitir otro comportamiento que va en un sentido contrario a la dominación.

Abstract In this text approaches how performance actions can be used to revitalize memories of gender violence that are invisible by the effects of patriarchal-colonial-modern power, and with this, the construct of a decolonizing knowledge is tested. First, it is identified the position that a women's body occupies as a place where violence appears, turning their bodies into a scene of this phenomenon, operating as pedagogies of cruelty. As a counterpart to this situation, the idea that the body produces knowledge that examines this model and revitalizes the field of knowledge is defended. By activating the body as a place endowed with ontology and as an ethical, political, subversive and savage tool, the depoliticized place in which women have been located can be challenged. Performance can convey another behavior that goes in a direction contrary to domination.

DAVID ORBEA_ INFORMAL TROPIC

Resumen En sus ejercicios pictóricos, David Orbea ha destacado por simplificar formas que encuentra en diversos medios, desde fotografías de prensa hasta productos comerciales. Algunas de sus series adquieren cualidades abstractas, conservando su capacidad para comentar la realidad circundante. Por ejemplo, en 2015 intervino cajas de productos de consumo masivo, logrando una estetización que trascendía la categoría de los objetos utilizados como soporte. Hacia 2017, se aplicó a libros sobre liderazgo, lo que permitía proyectar asociaciones sociales o políticas. En “Trópico Informal”, Orbea se enfoca en los esquemas cromáticos de construcciones urbanas, creando un mundo pictórico peculiar. Además, explora elementos arquitectónicos modernos y crea esculturas en cemento. Su enfoque en la informalidad tropical y la abstracción se traduce en una "abstracción sucia", que captura la identidad de sus referentes originales. De esta manera, preserva lo popular de manera sofisticada, capturando el simbolismo que atraviesa la estridencia de la vida urbana.

Abstract In his pictorial exercises, David Orbea is known for simplifying forms found in various media, from press photographs to commercial products. Some of his series take on abstract qualities while retaining their ability to comment on the surrounding reality. For instance, in 2015, he intervened with boxes of mass consumer products, achieving an aestheticization that transcended the category of the objects used as support. By 2017, he focused on leadership books, allowing for social or political associations. In “Trópico Informal,” Orbea focuses on the chromatic schemes of urban constructions, creating a unique pictorial world. Additionally, he explores modern architectural elements and creates cement sculptures. His focus on tropical informality and abstraction results in a "dirty abstraction" that captures the identity of his original references. In this way, he preserves the popular in a sophisticated manner, elegantly capturing the symbolic essence that permeates the urban clamor.

The Cave I Live In Maureen Gubia

Resumen En este proyecto artístico Maureen Gubia trabaja a partir del encierro por la pandemia que le indujo a revisar y reinterpretar las imágenes de personas muy cercanas. Los miembros de su familia dibujados y pintados en numerosos cuadernos a lo largo de casi dos décadas, junto con otras imágenes más recientes derivadas de capturas de pantallas de videollamadas con familiares que viven en Canadá y Chile. La artista se pregunta qué pasa cuando se reinventa una producción distante en el tiempo. Al hacerlo descubre que necesita la fuerza interior, juvenil, vital, atrevida, confiada y desafiante de aquellos momentos para salir adelante en la complejidad del presente. Este texto curatorial fue escrito para la exposición titulada La cueva que habito de Maureen Gubia realizada en los meses de junio y julio de 2023 en Proyecto N.A.S.A.L en Guayaquil, Ecuador.

Abstract Maureen Gubia works from the confinement imposed by the pandemic in this artistic project. This circumptance leads her in revisiting and reinterpreting images of very close individuals. She represents her family, drawn and painted in numerous notebooks over nearly two decades, along with recent images derived from video call screenshots of relatives living in Canada and Chile. Gubia wonders what happens when a distant production is reinvented in time. In doing so, she discovers that she needs the inner strength, youthfulness, vitality, boldness, confidence, and defiance of those moments to navigate the complexity of the present. This text was written for the exhibition titled The Cave I Inhabit by Maureen Gubia, held in June and July of 2023 at Proyecto N.A.S.A.L in Guayaquil, Ecuador.

Dommun

Resumen La exposición Dommun (figuras 1,2, 3, 4 y 5) brinda una perspectiva aguda de la fotografía contemporánea en relación con la conexión humana con el espacio. Dividida en tres capítulos: En “Inmueble”, se examinan las restricciones temporales y espaciales de la fotografía como índex, requiriendo elementos adicionales para plasmar la intención original. “Varianza” interroga el papel de la fotografía en el proceso fotográfico, generando imágenes finales a partir de cálculos estadísticos de 100 fotografías. Finalmente, “Hogar” expande la fotografía incorporándola en una instalación doméstica proyecta también en el espacio expositivo. Dommun desafía convenciones, predefiniendo el medio en la creación de imágenes.

Abstract Dommun exhibition provides a sharp perspective on contemporary photography in relation to human connection with space. Divided into three chapters: In "Inmueble," it analyses temporal and spatial constraints of photography as an index, requiring additional elements to convey the original intention. “Varianza” questions the role of photography in the photographic process, generating final images through statistical calculations based on 100 photographs. Finally, “Hogar” expands photography by incorporating it into a domestic installation also projected in the exhibition space. Dommun challenges conventions, redefining the medium in image creation.