Índex, revista de arte contemporáneo

Perception of Classical Music through the Visual Analysis of Album Covers from the Deutsche Grammophon Record Label

Resumen Esta investigación analiza el impacto de las portadas de álbumes del sello Deutsche Grammophon en la percepción contemporánea de la música clásica. Desde un enfoque interdisciplinario que articula semiótica visual, estética de la recepción y cultura visual, se examina cómo los elementos gráficos inciden en la construcción de significados musicales. El estudio desarrolla un análisis cualitativo de tres portadas emblemáticas: Beethoven: 9 Symphonien, dirigido por Herbert von Karajan (1963); Mahler: Sinfonía n.º 5, con Claudio Abbado (1994); y Bach: Transcriptions, de Hélène Grimaud (2009). Se consideran color, tipografía, composición e iconografía en relación con sus contextos históricos y culturales. Los resultados evidencian una transformación en la representación del intérprete, desde la autoridad simbólica hasta la introspección contemporánea. Las portadas funcionan como dispositivos de mediación cultural que orientan la escucha, activan imaginarios y resignifican la experiencia musical.

Abstract This research analyzes the impact of Deutsche Grammophon album covers on the contemporary perception of classical music. Through an interdisciplinary approach that brings together visual semiotics, reception aesthetics, and visual culture, it examines how graphic elements contribute to the construction of musical meaning. The study develops a qualitative analysis of three emblematic covers: Beethoven: 9 Symphonien, conducted by Herbert von Karajan (1963); Mahler: Symphony No. 5, with Claudio Abbado (1994); and Bach: Transcriptions, by Hélène Grimaud (2009). It considers color, typography, composition, and iconography in relation to their historical and cultural contexts. The results reveal a transformation in the representation of the performer, from symbolic authority to contemporary introspection. Album covers function as devices of cultural mediation that guide listening, activate imaginaries, and resignify the musical experience.

The Chromatic Imaginaries of Bradbury and Rothko: A Retrofuturistic Fiction Exercise with AI

Resumen Diversos autores de ciencia ficción han imaginado futuros distópicos, interplanetarios y tecnológicos. Ray Bradbury, sin embargo, destaca por su lenguaje poético y sensorial, capaz de generar imágenes atmosféricas a través de descripciones que apelan a los sentidos. Este trabajo analiza cuatro de sus relatos desde una perspectiva cromática, sensorial y abstracta. Mark Rothko exploró el color como un lenguaje directo para el espíritu, capaz de trascender el intelecto y conectar con las emociones mediante composiciones cromáticamente simbólicas. Inspirados por ambos creadores, se desarrollaron propuestas visuales que traducen la atmósfera y sensaciones de cada historia, utilizando herramientas de inteligencia artificial: emblema de la tecnología imaginada por Bradbury y de su impacto en la vida contemporánea. El resultado puede ser cuestionado por su legitimidad o autoría, pero se sostiene en la experimentación, la osadía y la improbable conjunción de sensibilidades.

Abstract Various science fiction authors have imagined dystopian, interplanetary, and technological futures. Ray Bradbury, however, stands out for his poetic and sensorial language, capable of creating atmospheric imagery through descriptions that appeal to the senses. This work analyzes four of his stories from a chromatic, sensory, and abstract perspective. Mark Rothko explored color as a direct language for the spirit, capable of transcending the intellect and connecting with human emotions through chromatically symbolic compositions. Inspired by both creators, visual proposals were developed to translate the atmosphere and sensations of each story, using artificial intelligence tools-an emblem of the technology imagined by Bradbury and its impact on contemporary life. The result may be questioned in terms of legitimacy or authorship, yet it stands on experimentation, boldness, and the improbable convergence of sensibilities.

Alternative photographic printing techniques: body, materiality, and learning in the digital age

Resumen Las técnicas alternativas de impresión fotográfica tales como: la clorotipia, antotipia, cianotipia y la transferencia por calcado con presión constituyen procesos híbridos que articulan insumos digitales con procedimientos manuales, táctiles y experimentales. Esta hibridación adquiere una pertinencia particular dentro de la educación artística al fomentar una práctica formativa en la que el cuerpo del artista interviene activamente en un hacer performativo: manipula, espera, decide, observa y experimenta. En contraste con la inmediatez de lo digital estas técnicas promueven una relación crítica con lo material y recuperan el valor del cuerpo como agente sensible en los procesos de creación artística.

Abstract Alternative photographic printing techniques such as chlorophyll printing process, anthotype, cyanotype, and pressure tracing transfer constitute hybrid processes that articulate digital input with manual, tactile and experimental procedures. This hybridization acquires relevance within art education as it fosters a formative practice in which the artist's body actively intervenes in a performative process: they manipulate, wait, decide, observe and experiment. In contrast with the immediacy of the digital, these techniques promote a critical relationship with the material and recover the value of the body as a sensitive agent in artistic creation processes.

Dresses in Contemporary Art: Textiles and Garment Practices in Histoire des robes by Annette Messager

Resumen El presente ensayo observa la serie Histoire des robes de la artista francesa Annette Messager como un ejemplo del modo en que recurre a los textiles y vestimenta en su producción y cómo a través de estos cuestiona y reflexiona acerca de las asociaciones sociales de los vestidos. El artículo repasará momentos clave del uso de indumentaria y textiles en el arte occidental en el siglo XX para luego indagar la obra de Messager con el objetivo de comprender cómo utiliza los vestidos para reconstruir una historia, cuento o narrativa que es a su vez individual y colectiva.

Abstract This essay observes the series Histoire des robes by the French artist Annette Messager as an example of the way in which she uses textiles and clothing in her production. Furthermore, it examines how, through the dresses, she reflects on the social associations they carry. The article will offer a concise overview of key aspects of the use of textiles and garments of twentieth century western art. Subsequently, Messager’s work will be examined to understand how she uses dresses to reconstruct a history, story or individual and collective narrative.

Collective intelligences

Resumen Inteligencias colectivas es un proyecto artístico que se plantea como una invitación a reunir intuiciones, ficciones, pensamientos o sueños que surgen en torno a la idea de imaginar presentes alternativos que nos permitan mirar en direcciones diferentes a las previsiones tecnológicas distópicas. ¿Alguna vez te has preguntado cómo sería el planeta si construyéramos relaciones más amables con la tierra y el resto de sus habitantes? Esta es fue la pregunta que se utilizó en la búsqueda de textos imaginativos procedentes de diferentes partes del mundo. Los textos recibidos se pusieron en diálogo con un sistema de IA de software libre, diseñado para generar imágenes, de modo que cada texto dejó una huella como escritura y como imagen en movimiento de las coincidencias, encuentros, contrastes, contradicciones e imaginarios de este momento. El proyecto aspira a iniciar un tejido de redes de imaginación colectiva que redireccione la maquinaria que diseña nuestra subjetividad.

Abstract Collective Intelligences is an artistic project that invites participants to gather intuitions, fictions, thoughts, or dreams that arise around the idea of imagining alternative presents that allow us to look in directions other than dystopian technological predictions. Have you ever wondered what the planet would be like if we built kinder relationships with the earth and the rest of its inhabitants? This was the question used in the search for imaginative texts from various parts of the world. The texts were brought into dialogue with a free software AI system designed to generate images, so that each text left a mark as writing and as a moving image of the coincidences, encounters, contrasts, contradictions, and imaginaries of this moment. The project aims to initiate a fabric of collective imagination networks that redirect the machinery that designs our subjectivity.

Religious fictions. Visual analysis of the images in the Spanish series La Mesías (2023)

Resumen En el presente trabajo, se realiza un análisis visual a partir de tres fotogramas de la serie de televisión La Mesías (2023), la cual se definirá como una ficción religiosa. Dicho concepto es propuesto aquí como una categoría de análisis para obras, en este caso visuales, que reconfiguran elementos del relato religioso en sus propios mundos ficcionales. Para una mayor amplitud de la definición de la categoría propuesta, se seleccionaron tres fotogramas en donde son visibles aspectos de los elementos visuales característicos de la representación de Cristo en su tradición iconográfica: el gesto y la Ascensión, los cuales son momentos destacables en la historia de la serie. Se confirma la permanencia de las imágenes de lo sagrado, de su vigencia y actualización por medio de productos culturales que no solo retoman, sino que también reintegran las narrativas religiosas, ajustándolas a un público y tipo de consumo específicos.

Abstract In this paper, a visual analysis is carried out based on three stills from the television series La Mesías (2023). This series is considered religious fiction, which is proposed here as a category of analysis for works, in this case visual, that reconfigure elements of the religious story in their own fictional worlds. For a broader definition of the proposed category, three frames were selected that display aspects of the visual elements’ characteristic of the representation of Christ in his iconographic tradition: the gesture and the Ascension, which are notable moments in the history of the series. We confirm the permanence of the images of the sacred, their validity and actualization through cultural products that not only retake but also reintegrate religious narratives, adjusting them to a specific audience and type of consumption.

The discourse and hierarchy of the arts in Chile between 1974 and 1979. History of contextual relationships in the construction of tradition in Chilean art

Resumen El siguiente artículo propone prestar atención a los años posteriores al golpe de estado de 1973 en Chile y analiza los discursos del arte de la época. Esto desde la hipótesis de que el discurso del arte chileno como identidad nacional ha sido una de las herramientas políticas de control y ejercicio del poder, establecida culturalmente en Chile desde la década del 20, que se vale de la jerarquía de las bellas artes para emular y hacer prevalecer un status quo. A partir de lo anterior se abordan los discursos oficiales para problematizar cómo han moldeado nociones ideológicas y sociales que sostienen y jerarquizan implícita o explícitamente a las disciplinas artísticas. Estos discursos emergieron entre 1974 y 1979, específicamente desde la Política Cultural del Gobierno de Chile de 1974, a la que se suman las tres exposiciones itinerantes realizadas en 1977 y 1978 por el Museo Nacional de Bellas Artes.

Abstract This article focusses on the years following the 1973 coup in Chile and analyzes the artistic discourses of the period. It suggests that the discourse of Chilean art as a national identity has been a political tool for control and the exercise of power, culturally established in Chile since the 1920s, which employs the hierarchy of the fine arts to emulate and perpetuate the status quo. Based on this premise, official discourses are examined to problematize how they have shaped ideological and social notions that implicitly or explicitly sustain and hierarchize artistic disciplines. These discourses emerged between 1974 and 1979, specifically from the Chilean government's 1974 Cultural Policy, complemented by the three traveling exhibitions organized by the National Museum of Fine Arts in 1977 and 1978.

Walks and Displacements in the City: Valeria Andrade’s Suicidal Practices

Resumen En este artículo se aborda la serie de video performances Prácticas Suicidas, creada en 2006 por la artista quiteña Valeria Andrade. El ensayo tiene una parte introductoria en el que se da cuenta de la relación entre el arte y caminata, luego se ubican propuestas artísticas del Ecuador que dialogan con la propuesta de Andrade. En el estudio de caso se da cuenta de las metodologías y búsquedas de la artista y de sus procesos de producción y se describe cada una de las ocho piezas de videoarte que componen la serie. Se reflexiona sobre como la artista, a través de caminatas y recorridos en el transporte urbano, se relaciona con el espacio público planteando interrogantes a los transeúntes. Se sostiene que, a través de Prácticas Suicidas, Andrade coloca su posición crítica frente a temas como los roles de género, la violencia de género, y la vulnerabilidad de las mujeres de una manera potente.

Abstract This article examines the video performance series Suicidal Practices, created in 2006 by Quito-based artist Valeria Andrade. The essay begins with an introduction exploring the relationship between art and walking, followed by a discussion of Ecuadorian artistic proposals that engage with Andrade's work. The case study details the artist's methodologies and artistic explorations, as well as her production processes, and describes each of the eight video art pieces that comprise the series. It reflects on how the artist, through walks and journeys on public transportation, engages with public space, posing questions to passersby. The article argues that, through Suicidal Practices, Andrade powerfully presents her critical stance on issues such as gender roles, gender-based violence, and the vulnerability of women.

The Sound Journey as a Tool for Perceptual Transformation: Application in the Natural Territory of Chinácota (Colombia)

Resumen Este estudio analiza cómo el proyecto artístico Viaje Sonoro, creado por Juan Fernando Duque, actúa como herramienta de sensibilización para 40 participantes ante el paisaje sonoro urbano y natural de Chinácota (Colombia). La propuesta promueve conciencia sobre los elementos sonoros del entorno y sobre la contaminación acústica, a menudo imperceptible en la vida cotidiana. Se aplicó un enfoque cualitativo con apoyo descriptivo cuantitativo, mediante cuestionarios previos y posteriores y observación directa durante el recorrido. Los resultados muestran que, antes de la experiencia, existían nociones fragmentadas sobre sonido, ruido, silencio y entorno sonoro. Durante el viaje, la mayoría identificó con mayor precisión sonoridades geofónicas, biofónicas y antropofónicas, evidenciando una escucha más atenta. Tras la actividad, los 40 participantes afirmaron haber adquirido una nueva forma de percibir el sonido y 35 reconocieron contaminación acústica en el territorio. Se concluye que Viaje Sonoro favorece la sensibilización auditiva y promueve prácticas de escucha consciente.

Abstract This study examines how the artistic project Viaje Sonoro, created by Juan Fernando Duque, functions as a tool for raising awareness among 40 participants regarding the urban and natural soundscape of Chinácota (Colombia). The proposal seeks to promote understanding of the sonic elements that shape the environment and of acoustic pollution, which are often imperceptible in everyday life. A qualitative approach supported by descriptive quantitative elements was applied through pre‑ and post‑experience questionnaires and direct observation during the route. The results show that, prior to the activity, participants held fragmented notions of sound, noise, silence, and soundscape. During the journey, most were able to identify geophonic, biophonic, and anthropophonic sounds with greater precision, demonstrating more attentive listening. After the experience, all 40 participants reported acquiring a new way of perceiving sound, and 35 recognized acoustic pollution in the territory. The study concludes that Viaje Sonoro enhances auditory awareness and promotes conscious listening practices.

“A kind of alchemy”: on the possibilities of thinking speculative realism through artistic research

Resumen Considerando el papel esencial de la imaginación en la invención de un saber artístico, este texto indaga en la relación simbiótica entre diversas corrientes filosóficas contemporáneas y las prácticas artísticas. El artículo toma como único punto de partida una cita de Graham Harman, quien en 1999 se refirió a su filosofía orientada a objetos -una propuesta que entiende a los objetos como entidades autónomas fuera de la percepción humana- como “una especie de alquimia”. Al invocar esta alquimia como una imagen capaz de ordenar diversas intuiciones -desde lo que el propio autor buscaba expresar hasta nuestra concepción de la investigación artística-, el asunto se expande rápidamente hacia una constelación de corrientes poshumanistas unidas por el afán de desplazar la centralidad del ser humano en los sistemas de pensamiento. Desde este territorio, el texto se aproxima al porqué de un giro material cada vez más evidente en el arte contemporáneo.

Abstract Acknowledging the essential role of imagination in the invention of artistic knowledge, this text explores the symbiotic relationship between diverse contemporary philosophical currents and artistic practices. The article takes as its sole point of departure a quote by Graham Harman, who in 1999 described his object-oriented philosophy as "a kind of alchemy." By invoking this alchemy as an image capable of articulating various intuitions-from what the author himself sought to convey, to our own conception of artistic research- the inquiry rapidly expands into a constellation of posthumanist currents, all bound by a shared drive to decenter the human in our systems of thought. It is from this territory that the text attempts to approach the underlying reasons behind the increasingly evident material turn in contemporary art.

Premises for approaching artistic work from an object-oriented ontology. Note and approximations

Resumen El presente trabajo revisa algunos conceptos propios de la Ontología Orientada a Objetos (Harman, 2016a, 2016b 2019, 2021; Morton, 2023). Para tal propósito se realizó una revisión de conceptos y se identificaron 5 premisas las cuales cumplen el objetivo de orientar la reflexión, esperando que de esta forma se pueda contribuir al conocimiento, desde una apertura conceptual que implica asumir que existen múltiples formas de conocimiento y de la manera de aprehender al objeto artístico. Ello requiere la puesta en sintonía de las personas y los objetos, asumiendo que éstos se encuentran en medio de un continuum del cual se es partícipe en la medida en que se manifiestan por alguna de sus cualidades u elementos constitutivos, permitiéndole a las personas aproximarse a los objetos artísticos, esto supone el reconocimiento de maneras no convencionales de aproximación y aprehensión del objeto artístico, entendido como un proceso desde el enfoque filosófico propuesto.

Abstract This paper reviews some concepts from Object Oriented Ontology (Harman, 2016 a, 2016 b, 2019, 2021; Morton, 2023), For this purpose, a review of concepts was carried out and 5 premises were identified that fulfill the objectives of guiding reflection, hoping that in this way we can contribute to knowledge, from a conceptual openness that implies assuming that there are multiple forms of knowledge and ways of apprehending the artistic object. This requires tuning people and objects, assuming that they are in the middle of a continuun in which one participates to the extent that they manifest themselves by some of their qualities or constitutive elements, allowing people to approach artistic objects, this supposes the recognition of unconventional ways of approaching and apprehending the artistic object, understood as a process from the proposed philosophical approach.

Data, that non-representable object. An oblique and ironic insight from the philosophy of Graham Harman

Resumen Este artículo aborda la problemática de la representación de los datos en el contexto del arte contemporáneo desde la ontología orientada a los objetos (OOO) de Graham Harman. Partiendo del interés por la traducción artística de la infraestructura física de internet, se analizan diversas prácticas artísticas que han tratado de aludir a lo oculto en el flujo de datos mediante estrategias metafóricas. A través de diversos casos de estudio, se examina cómo la metáfora permite un acceso oblicuo a entidades que permanecen retiradas en el plano ontológico. El análisis se centra finalmente en Personal Photographs de Eva & Franco Mattes, obra que introduce una fricción crítica con la OOO al convertir la retirada en una estrategia estética consciente e irónica. Se propone que esta instrumentalización de lo inaccesible no invalida la teoría de Harman, pero sí revela sus límites cuando la retirada deja de ser una condición ontológica para operar como procedimiento artístico.

Abstract This article addresses the issue of data representation in the context of contemporary art from the perspective of Graham Harman's object-oriented ontology (OOO). Starting from an interest in the artistic translation of the physical infrastructure of the internet, it analyzes various artistic practices that have attempted to allude to what is hidden in the flow of data through metaphorical strategies. Through various case studies, it examines how metaphor allows oblique access to entities that remain withdrawn on the ontological plane. The analysis finally focuses on Personal Photographs by Eva & Franco Mattes, a work that introduces a critical friction with OOO by turning withdrawal into a conscious and ironic aesthetic strategy. It is proposed that this instrumentalization of the inaccessible does not invalidate Harman's theory, but it does reveal its limits when withdrawal ceases to be an ontological condition and operates as an artistic procedure.

THE FUTURE OF THE WORK OF ART AND ITS REALIST PROBLEM: A response to the question of art without humans

Resumen El presente escrito intenta tematizar adecuadamente la pregunta por un arte sin humanos con el fin de establecer las condiciones bajo las cuales puede constituirse como problema filosófico y admitir una posible respuesta. Para ello, se propone una noción propia de problema, lo que exige una exposición y discusión crítica de la problematología en la filosofía continental. A partir de allí, y mediante una defensa del materialismo especulativo de Quentin Meillassoux, se argumenta a favor de la carga realista implicada en la literalidad de la pregunta por un arte sin humanos. Finalmente, tras distinguir las posibles interpretaciones de dicha interrogación, se sostiene que esta convoca la dimensión estética del problema de la extinción y se ensaya una vía de resolución a través de la consideración del estatuto artístico de las cuevas rupestres aún no descubiertas.

Abstract This article seeks to properly thematize the question of the possibility of art without humans establishing the conditions under which it can constitute a philosophical problem and admit a possible response. To this end, it advances a specific notion of problems, which requires a critical exposition and discussion of problematics within continental philosophy. On this basis, and through a defense of the materialism realism of Quentin Meillassoux, the article argues for the realist charge implied in the literal formulation of the question of an art without humans. Finally, after distinguishing the possible interpretations of this question, it maintains that it invokes the aesthetic dimension of the problem of extinction and proposes a way forward through consideration of the artistic status of yet-undiscovered cave paintings.

Prodrome

Resumen La exposición PRÓDROMO, de Ilich Castillo, parte de una obra presentada veinte años atrás en el Salón de Julio de Guayaquil: Cómo se encienden los discursos populares, según Homs (2005), un año viejo basado en la maqueta del monumento al encuentro entre Bolívar y San Martín. A partir de esta pieza, el proyecto despliega una reflexión sobre la conmemoración histórica, la escultura popular, la masculinidad, el poder y las formas inestables de construcción identitaria en América Latina. La muestra establece un diálogo lateral con las figuras de Samuel Robinson y Simón Rodríguez, maestros de Bolívar, pensadores utópicos e inventores situados en los márgenes del poder. Desde allí, Castillo articula obras que reutilizan materiales editoriales, objetos domésticos, luz, parafina, estructuras precarias y referencias históricas para interrogar los imaginarios gráficos de lo latinoamericano, las promesas inconclusas de la educación, la circulación de los discursos regionales y la fragilidad de los relatos emancipatorios. PRÓDROMO opera así como una lectura crítica y polifónica de los restos de la historia, entre la tragedia, la caricatura y la posibilidad de inventar desde aquello que falta.

Abstract Ilich Castillo’s exhibition PRÓDROMO takes as its point of departure a work first presented twenty years earlier at the Salón de Julio in Guayaquil: Cómo se encienden los discursos populares, según Homs (2005), an año viejo effigy based on the model for the monument commemorating the meeting between Bolívar and San Martín. From this piece, the project unfolds a reflection on historical commemoration, popular sculpture, masculinity, power, and the unstable construction of identity in Latin America. The exhibition establishes a lateral dialogue with Samuel Robinson and Simón Rodríguez, Bolívar’s teachers, utopian thinkers, inventors, and figures situated at the margins of power. Through works that repurpose editorial materials, domestic objects, light, paraffin, precarious structures, and historical references, Castillo examines the graphic imaginaries of the “Latin American,” the unfinished promises of education, the circulation of regional discourses, and the fragility of emancipatory narratives. PRÓDROMO thus operates as a critical and polyphonic reading of history’s remains, moving between tragedy, caricature, and the possibility of inventing from what is missing.

White Matter

Resumen El proyecto “Materia Blanca” explora la relación entre percepción, memoria y la construcción subjetiva de la realidad, donde la visión induce sensaciones corporales ilusorias. Utilizando lentes intervenidos y un cuentahílos como herramienta óptica, la obra busca expandir la imagen, invocando el tacto a través de la mirada, para estudiar los giros perceptuales y la expansión cognitiva propiciados por las nuevas tecnologías y las epistemologías emergentes. A su vez, la obra reflexiona sobre la memoria del tacto en un contexto post-pandémico mediado por la digitalidad, desafiando las metodologías científicas tradicionales y apostando por una recolección de datos íntima y sensual, que prioriza la experiencia afectiva del espectador frente a la objetividad racional.

Abstract The “Materia Blanca” project explores the intricate relationship between perception, memory, and the subjective construction of reality, specifically focusing on how vision can induce illusory bodily sensations. Employing manipulated lenses and magnifying crystals as optical tools, the work aims to expand visual imagery, evoking the sense of touch through sight. This approach facilitates the study of perceptual shifts and cognitive expansion spurred by technological structures and emergent epistemologies. Furthermore, the project engages with the concept of haptic memory within a post-pandemic context increasingly mediated by digital interactions. “Materia Blanca” challenges traditional scientific methodologies, opting instead for an intimate and sensual data collection method that prioritizes the affective experience of the viewer over rational and economic objectivity.