Índex, revista de arte contemporáneo

Videoart basic concepts: Joan Jonas’ case

RESUMEN El siguiente artículo reflexiona acerca de los fundamentos conceptuales en la obra de la artista Joan Jonas, figura clave en el aparecimiento y desarrollo del videoarte en el siglo XX. Este análisis hace énfasis en la evolución conceptual de dos de sus obras evidenciando a partir de las mismas, la transición y fusión de varios aspectos relacionados con representación del cuerpo a través de la imagen, experimentación con los medios audiovisuales y expansión de los límites de la obra de arte. De este modo,en un primer momento se definiráel contexto cultural y artístico presente en la segunda mitad del siglo XX;posteriormentese hará referencia a los aportes deJonas en el aparecimiento del video arte y las reflexiones conceptuales presentes en su obra. En este punto se pondráen consideración algunas inquietudes relacionadas con el performance, el arte conceptual y el lenguaje del video. Finalmente se concluirábrindando una perspectiva contemporánea a los planteamientos con relación al videoarte y a los aportes de la obra de Jonas para el desarrollo de nuevas reflexiones en el campo artístico audiovisual.

ABSTRACT This article talks about the basic conceptsin the work of American artist Joan Jonas, key figure in the emergence and development of video art in the 20th century. This analysis will be emphatic on thinking about the conceptual evolution of two of the artist’s pieces, in which the transition and fusion of various elements related with: body’s representation through image, audiovisual media experimentation and expansion of limits of artcan be noticed. First, the cultural and artistic context will be defined, within the second half of the 20th century. Afterwards, we will refer to the contributions of Jonas in the emergence of video art, and to the conceptual appreciations displayed in her work. At this point, some concerns regarding performance art, conceptual art and video language will be considered.

Saskia Calderón: performance as an artivist platform

RESUMEN La efervescencia de los artivismos, durante los últimos años, luego de que ocuparan un lugar central allá por las décadas de los ´60 y ´70 del pasado siglo, tiene lugar, dentro de un contexto global donde es vital el cuestionamiento sobre la eficacia del arte de cara a temas como la sostenibilidad social, las acuciantes problemáticas de género, raza, territorio, los populismos y las pandemias. En este marco, la obra de la performer ecuatoriana Saskia Calderón, constituye un caso singular de lo que puede ser una propuesta que se erige en “caballo de Troya”. El texto subraya lo atípico de su quehacer dentro de un escenario que ha sido reacio a la visibilización del performance, gracias a motivos diversos. Su práctica se articula como obra situada por la pertinencia de sus enfoques y la sutileza de su abordaje como artivismo cívico.

Abstract: The effervescence of artivisms, during the last years, after they occupied a central place back in the decades of the '60s and' 70s of the last century, takes place, within a global context where questioning about the effectiveness of art in the face of themes such as social sustainability, the pressing problems of gender, race, territory, populism and pandemics. In this framework, the work of the Ecuadorian performer Saskia Calderón constitutes a unique case of what a proposal that stands as a “Trojan horse” can be. The text underlines the atypical nature of his work within a setting that has been reluctant to make the performance visible, thanks to various reasons. Her practice is articulated as a situated work, due to the pertinence of her approaches and the subtlety of her approach as civic artivism.

Francisco Fortuny (1864-1942): the prolific oeuvre of a catalan painter and illustrator in Buenos Aires

RESUMEN Francisco Fortuny Masagué (1864-1942) fue un destacado ilustrador español, activo en Buenos Aires durante la primera mitad de siglo XX, cuya interesante carrera ha sido estudiada solo de forma parcial. Este artículo pretende reunir la bibliografía publicada en torno al artista, así como corregir algunas imprecisiones y aportar nuevos datos relacionados con su trayectoria personal y profesional, con el objetivo de facilitar la interpretación global de su aportación a las artes gráficas en Argentina, en un momento de especial desarrollo del medio.

ABSTRACT Francisco Fortuny Masagué (1864-1942) was an important Spanish artist, active in Buenos Aires during the first half of the 20 th century, although his oeuvre has been only partially studied. This paper aims to collect and amend the existing information on the artist, but also to provide new biographic and professional data, in order to allow for a thorough interpretation of his contribution to the graphic arts in Argentina, during an especially interesting moment on its historical evolution.

The lepidopterusmachine: feminine body in recent works of Gabriela Carmona Slier

RESUMEN En este artículo se aborda la obra reciente de la artista visual chilena Gabriela Carmona Slier en tanto máquina estética. Por su particularidad, esta obra es abordada desde la perspectiva esquizoanalítica de Félix Guattari y Gilles Deleuze. Se discute cómo la artista contribuye a deconstruir y, al mismo tiempo, a reproductivizar el arquetipo de la mujer-mariposa, al desplazarsu atención hacia el proceso metamórfico del lepidóptero.En la conexión de la máquina artística, la máquina feminista y la máquina decolonial, la artista produce un devenir insecto, a la vez alterno y menor,que permite agenciar una transformación de la mujer. Por medio de una máquina estética plástica y performativa, el cuerpo de la artista se hace cuerpo con otros cuerpos femeninos. Así, generauna poética de repliegue y despliegue que sugiere quela mutación del insecto-mujer en la interioridad de su crisálida es tan crucial como el aleteo de imago o mariposaque la suele opacar.

ABSTRACT This article addresses the recent work of the Chilean visual artist Gabriela Carmona Slier as an aesthetic machine. Due to its particularity, this work is approached from the schizoanalytic perspective of Félix Guattari and Gilles Deleuze. The article discusses how the artist contributes to deconstruct and, at the same time, reinvigorate the archetype of the butterfly-woman, by shifting her attention to the metamorphic process of the lepidoptera. In the connection of the artistic machine, the feminist machine and the decolonial machine, the artist produces an insect development,both alternate and minor, which allows the transformation of women. Through a plastic and performative aesthetic machine, the artist's body is made body with other female bodies. Thus, it generates a poetic of withdrawal and deployment that suggests that the mutation of the insect-woman inside its chrysalis is as crucial as the fluttering of imago or butterfly that usually obscures it.

Contemporary art, aesthetics and autonomy. Notes on JulianeRebentisch’s aesthetics

RESUMEN En los últimos años, la reflexión filosófica dedicada al arte se ha visto, probablemente, en uno de sus mayores desafíos: enfrentarse al presente del arte. Desde distintas tradiciones teóricas y posiciones argumentativas la noción de “arte contemporáneo” es problematizada en el ámbito filosófico. En este trabajo presentamos algunas consideraciones de una autora que se puede inscribir en los herederos de la tradición crítica del Instituto de investigación social de Frankfurt como Juliane Rebenstisch. Intentamos destacar algunas advertencias que realiza esta autora con relación a las implicancias que el arte contemporáneo supone, en particular, si prestamos atención a las analogías que posee con la lógica del mercado y las formas del neoliberalismo.

ABSTRACT Over the last years,philosophical thoughts about art,has probably been confronted to one of its greatest challenges: facingthe present of art. From different theoretical traditions and argumentative positions, the notion of “contemporary art” is problematized in the philosophical field. In this articleI present some approachesof JulianeRebenstischwho can be recognized asa heir of theFrankfurt Institute of Social Researchcritical tradition like. I try to highlight some warnings made by this author about the implications ofcontemporary art and the analogies it has with the logics of the market and the forms of neoliberalism.

From the avant-garde to latin american art: food as a transformative element.

RESUMEN Más allá de las naturalezas muertas de Picasso, donde las frutas son representadas reposando sobre una canasta, el arte contemporáneo, explora la cualidad indudablemente transformadora de los alimentos. El comer, cocinar y saborear son lenguajes que expresan valores políticos, sociales, íntimos e históricos. Este ensayo analiza de qué manera, desde las vanguardias artísticas europeas al arte contemporáneo latinoamericano, la comida ha sido una herramienta subversiva para romper con el lenguaje normativo de la producción cultural. Desde movimientos como el Dadaísmo, el Surrealismo, el Futurismo y la Antropofagia, hasta las nuevas vanguardias como Fluxus y EatArt, las narrativas comestibles se han utilizado como herramientas transformadoras del pensamiento. Asimismo, artistas latinoamericanos contemporáneos sirven banquetes, preparan helados y ofrecen caramelos para investigar los espacios de tensión entre lo íntimo y lo político, lo público y lo privado, el arte y la vida.

ABSTRACT Beyond Picasso's still lifes, where fruits are represented resting on a basket, food as a metaphorical tool in contemporary art has an undeniable transformative quality. Eating, cooking and tasting are languages that express political, social, intimate and historical values. This essay analyzes how, from the European artistic avant-garde to Latin American Contemporary Art, food has been a subversive tool to break the normative language of cultural production. From movements such as Dadaism, Surrealism, Futurism and Anthropophagy, to the new avant-gardes of Fluxus and EatArt, edible narratives have been used as transformative tools of thought. Likewise, contemporary Latin American artists serve banquets, prepare ice cream, and offer candies to investigate the spaces of tension between the intimate and the political, the private and the public, and art and life.

The toy as a laboratory Learning environments developed from low technologies in Laboratorio Disonancia’s practices.

RESUMEN Este texto propone explicar algunasindagaciones alrededor del desarrollo y aplicación de “Entornos de aprendizaje” que involucran expresión artística y usos de “bajas tecnologías”, en prácticas artístico - pedagógicas llevadas a cabo en Laboratorio Disonancia, entre 2006 y 2019.Se plantea planteando analizar las relaciones que se materializan en sus modelos y metodológicas, sus propuestas de enseñanza y sus conceptos de roles en el desarrollo cognitivo, ligados con el fenómeno en estudio; entendiendo a los aprendizajes, desde la multi dirección, basados en principios de interacción y horizontalidad, es decir, desde las relaciones y la cooperación planteadas en contextos específicos.

ABSTRACT This text explains some inquiries about the development and application of "Learning environments" that involve artistic expression and the use of "low technologies", in artistic-pedagogical practices carried out by Laboratorio Disonancia, between 2006 and2019, analyzing the relationships that materialize in their models and methodologies, their teaching proposals and concepts about roles in cognitive development linked to the study case; understanding “learning”, from multi-direction, based on principles of interaction andhorizontalityin relationships and cooperation, in specific contexts.

Arts research approaches and narrative resources for the organization and representation of processes in artistic research

RESUMEN Son varios los modelos de investigación artística planteados desde la academia con el propósito de situar la disciplina como un campo validado a la par de otras áreas de conocimiento.Los fundamentos comunes a estos caracterizan los métodos desde las artes por tres aspectos principales: la transdisciplinaridad, el carácter interpretativo, y la contextualización de prácticas y conocimientos. Sin embargo, la no concreción de metodologías propias de las artes propicia la adopción de mecanismos validados por otras disciplinas para responder al panorama de difusión académica y científica.A partir de una revisión bibliográfica de 60 materiales sobre este tema, se presenta en el artículo un desarrollo sobre modos de investigación en artes y algunas de sus estrategias. Como técnicas y recursos para la evidencia de procesos de investigación en artes, en este artículo se destacan varios queserían útiles para el posicionamiento dentro de la comunidad académico-científica.

ABSTRACT There are several models of artistic research proposed from the academy, with the purpose of situating the discipline as a legitimate field alongside other academic areas. The common foundations to these characterize the methods from the arts by three main aspects: transdisciplinarity, interpretative character, and contextualization of practices and knowledge. However, the lack of specific methodologies in the arts has led to the adoption of mechanisms validated by other disciplines, in order to respond to the academic and scientific dissemination landscape. Based on a bibliographic review of 60 materials on this subject, the article presents a development on modes of research in arts and some of their strategies. As resources for the evidence of research processes in the arts, this article highlights several thatwould be useful for positioning within the academic-scientific community.

The paradigm of research in the arts. Debate orreality?

RESUMEN En este diálogo con el profesor Dr. Henk Borgdorff, de la Universidad de Leiden (Países Bajos), nos proponemos revisitar el estado actual del debate sobre la investigación en artes ─o basada en la práctica─ en Europa y sus posibles conexiones con América Latina. Si bien es un proceso que sigue emergiendo en los ámbitos académicos y profesionales, proponemos abrir nuevas perspectivas que fomenten la práctica artística como investigación.

ABSTRACT In this dialogue with Professor Dr. Henk Borgdorff, from Leiden University (The Netherlands), we revisit the current state of the debate on research in the arts ─or practice-based research─ in Europe and its possible connections with Latin America. Although it is a process that is constantly emerging in academic and professional fields, we intend to develop new perspectives which promote artistic practice as research.

Inveniam Locum: connections of transmedia storytelling and art in migratory stories around the world

RESUMEN La consolidación del arte digital como un campo de experimentación ha contribuido a un acercamiento más certero con la cotidianidad ciudadana. Son tiempos donde cualquiera tiene la posibilidad de convertirse en un prosumer, un auténtico origen de creaciones artísticas donde la categoría estética queda subordinada a la potencia comunicativa de lo creado. Así nace Inveniam Locum, una narrativa transmedia que aborda las tensiones de la migración como tema central y que emana del proyecto Creatividades Amateurs 360°, en donde comunicadores sociales en formación dan cuenta de otra manera de reflexionar temas de la agenda mediática. Como resultado, se recopilan trece historias migrantes que sacan partido de las convergencias mediáticas y se inspiran en la premisa de estimular colectivamente un espíritu de resignificación de la imagen, en este caso de atreverse a alterar o atribuirle otros significados a pinturas que gozan de un aura que muchas veces les hacen intocables.

ABSTRACT The consolidation of digital art as a field for experimentation has contributed to a more accurate approach to daily life. These are times where anyone has the possibility of becoming a prosumer, a true origin of artistic creations where the aesthetic category is subordinated to the communicative intention. This is how Inveniam Locum was born, transmedia storytelling that addresses the tensions of migration as a central theme. This transmedia comesfrom the 360 ° Amateurs Creativities project, where students of social communication experiment other ways of reflecting issues on the media agenda. As a result, thirteen migrant stories that take advantage of media convergences and are inspired by the premise of stimulating a spirit of resignification of the imageare collected, in this case inciting to alter or giveother meanings to paintings that possess an aura that often make them unaproachable.

Urban palimpsestos: function of art and public space

RESUMEN El street art se ha convertido en las últimas décadas en una de las prácticas de arte contemporáneo globalizadas. Responde a las características propias y peculiares del desarrollo de las urbes postindustriales y a formas de arte que enlazan con preocupaciones políticas y modalidades de expresión que transforman la experiencia estética del contexto urbano. Este trabajo renueva la vieja pregunta sobre la función del arte y busca comprender el street art en tanto una forma de artivismo y de “desborde” en el espacio público.

ABSTRACT In recent decades, street art has become a globalized contemporary art practice. It responds to peculiar characteristics of development of postindustrial cities, and to art forms that relate to political concerns and modes of expression that transform the aesthetic experience in the urban context. This work questions the old topic about the “function of art” and seeks to understand street art as a form of artivism and of "overflow" in public space.

Do what you should not do

RESUMEN Este artículo analiza las obras que he realizado entre el 2006 y el 2019 poniendo énfasis en la descripción de mis procesos creativos y los resultados. Así mismo indago en las metodologías y estrategias que utilizo en mi producción artística. Mis intereses giran en torno a lo público y lo privado, la sexualidad, el feminismo, el empoderamiento y el derecho al placer sexual. Entre mis referentes teóricos más importantes se encuentran: Camille Paglia, VirgineDespentes, Beatriz Preciado e Itziar Ziga.

ABSTRACT This article analyzes the artwork produced by me between 2006 and 2019, emphasizing the description of my creative process and it´s results. In addition, I researchmethodologies and strategies used in my artistic production. My interests revolve around the relation between the public and the private, sexuality, feminism, empowerment and the right to sexual pleasure. Among the most important theoretical references of my artwork are: Camille Paglia, VirgineDespentes, Beatriz Preciado and ItziarZiga.

Samuel Beckett’sArtistic Research

RESUMEN El análisis comparativo de dos obras del artista multidisciplinario Samuel Beckett -El innombrable(texto literario) y No yo(video-arte y pieza teatral)-, de sus declaraciones y de la obra de dosescritores que influenciaron su trabajo (James Joyce y Stéphane Mallarmé) nos llevará a distinguir en el proceso creativo de Beckett la constitución de una investigación artística (sin fronteras disciplinares)comprometida con una idea precisa de arte ycon un proyecto artístico radical que marcarán de manera singular todo su proceso y su devenir sujeto-artista.

ABSTRACT The comparative analysis of two works of the multidisciplinary artist Samuel Beckett -The Unnamable(literary text) and Not I (video art and theatrical piece)-, of his statements and the work of two artists who influenced his work (James Joyce and StéphaneMallarmé) will lead us to distinguish in the creative process of Beckett the constitution of an artistic research (without disciplinary borders)committed to a precise idea of art and a radical artistic project that will distinctively mark his entire process and his becoming subject-artist.

Jaime Andrade Moscoso (1925 - 1989) at the Museo Universitario MUCE

RESUMEN Este artículo describe el planteamiento curatorial de la exposición autoral de Jaime Andrade Moscoso, uno de los escultores, muralistas y dibujantes más importantes para el arte ecuatoriano del siglo XX. Andrade fue además docente de la Escuela de Bellas Artes, conceptualizador, gestor y primer decano de la Facultad de Artes de la Universidad Central y cocreador de su Centro de Arte. Pensaba que es más importante aprender a ver que a hacer y que esto se lograba a través de la experimentación con múltiples materiales y con el espacio presente en la composición.Transitó por las corrientes del indigenismo, ancestralismo, abstraccionismo, cinetismo, entre otras, sin quedarse en ninguna, por lo cual su obra es una ventana para observar varias derivas del arte moderno.

ABSTRACT This article describes the curatorial approach of the current exhibition of Jaime Andrade Moscoso in the Museo Universitario de la Universidad Central del Ecuador (MUCE), one of the most important sculptor, muralist and artist of Ecuadorian art in the twentieth century. Andrade was also a professor at the School of Fine Arts, conceptualizer, manager and first dean of the Faculty of Arts of the Universidad Central and co-creator of his Art Center. He thought it was more important to learn to see than to do, and that this is achieved through experimentation with multiple materials and with the space present in the composition. He went through the currents of indigenismo, ancestralism, abstractionism, kineticism, among others, not remaining too long in any of them. His work is a window to observe several drifts of modern art.

Landscape/Territory Imaginaries of the jungle in the visual arts (Ecuador: 1907-2019)

RESUMEN En la siguiente contribución se presentan los textos curatoriales de sala que acompañaron la exposición “Paisaje/Territorio. Imaginarios de la selva en las artes visuales” (Ecuador: 1907-2019), realizada en el Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo (MAAC) de Guayaquil, del 29 de agosto al 24 de noviembre de 2019. La muestra contó con cinco núcleos curatoriales que constituyen un recorrido por los distintos imaginarios de la selva en la historia del arte producido en el Ecuador: “Pervivencias coloniales”, “Selva mágica, paraíso perdido”, “Un imaginario fronterizo”, “La selva y los debates ecológicos”, y “La selva en la frontera entre arte y activismo”.

ABSTRACT The following article depicts the curatorial texts that accompanied the exhibition “Paisaje/Territorio. Imaginarios de la selva en las artes visuales” (Ecuador: 1907-2019), held at the Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo (MAAC) in Guayaquil, from August 29 to November 24, 2019. The exhibition had five thematic cores that constitute a journey through the different imaginaries of the jungle in the history of art produced in Ecuador: "Colonial survivals", "Magic jungle, lost paradise", "An imaginary border", "The jungle and the ecological debates", and "The jungle on the border between art and activism".

Roberto Noboa, side B of an unfinished record

RESUMEN La pintura de Roberto Noboa ha sido descrita como “figuración especulativa”, y la densidad semántica de sus composiciones como propiciadoras de “la conjetura y el híper subjetivismo interpretativo”, o como “una narración incómoda y cómplice”. Su trabajo, gestado desde los años 90 en Guayaquil, no se puede asociar a las prácticas dominantes en el arte ecuatoriano del período y, a pesar de su fecundidad, continúa desarrollándose de manera distante a la escena contemporánea, más allá de su creciente influencia en el medio. El libro de la editorial EACHEVE recoge más de 200 cuadros del artista, analizando su proceso creativo y proponiendo perspectivas de análisis sobre su obra a partir de entrevistas, ensayos y registros visuales, que incluyen no solo sus pinturas sino también sus libretas de trabajo.

ABSTRACT Roberto Noboa's paintings have been described as "speculative figuration", as the dense semantics of their symbolisms lead to "conjecture and hyper interpretative subjectivism" through their "uncomfortable and complicit narration". His work, developed since the 90s in Guayaquil, doesn’t quite fit into the preeminent art practices in Ecuadorian art of that period. Even though there’s a growing influence of his continuous creative output on younger generations of artists, Noboa continues to develop his practice keeping a certain distance from the scene’s dynamics. Published by EACHEVE the book contains more than 200 reproductions of his work,and analyzes his creative process through interviews and essays that focus not only on his paintings but on his sketchbooks.

(Non) Soft Cities

RESUMEN Reseña del texto curatorial de “Ciudades (No) Blandas”, exposición fotográfica del artista Leonardo Portus realizada en el Centro Cultural Palacio La Moneda (CCPLM), Santiago de Chile, entre octubre de 2019 y Abril de 2020. En él se aborda el tránsito investigativo que ha tenido Portus desde sus trabajos previos, de tipo instalativo, al fotográfico, enfatizando su continua búsqueda, en donde la arquitectura abre un diálogo con el urbanismo, la historia y el paisaje, desde el campo de las artes visuales contemporáneas. También, ilustra acerca del origen del nombre de la exposición y su relación con los sucesos de Chile antes y después del Golpe de Estado de 1973, de un modo ucrónico, dándose a entender el vínculo de Portus con la historia, su método de trabajo, sus temáticas, y el modo de fabricar sus objetos, esta vez en sintonía con los hallazgos, Duchamp, Benjamin y Ranciere, como arqueólogo de la Modernidad.

ABSTRACT Review of the curatorial text of “(Non) Soft Cities”, photographic exhibition of the artist Leonardo Portus held at the Palacio La Moneda Cultural Center (CCPLM), Santiago de Chile, between October 2019 and April 2020. The investigative transit that Portus has had from his previous works, from installation to photography, is approached,emphasizing his continuous search, where architecture opens a dialogue with urban planning, history and landscape, in the field of contemporary and visuals arts. It also illustrates the origin of the name of the exhibition and it’s relationship with the events in Chile before and after the 1973 coup d'état, implying Portus's link with history, his method of work, his themes, and his way of making his objects, this time in tune with the findings, Duchamp, Benjamin and Ranciere, as an archaeologist of Modernity.

The experience of curating Strategies for Uprising. The Sensible in Action

RESUMEN El texto desarrollado a continuación relata, desde la perspectiva de una de las integrantes de una dupla curatorial, la experiencia de configuración de la curaduría para la exposición Estrategias sublevantes. Lo sensible en acción, inaugurada el 11 de diciembre de 2019 en Quito, Ecuador, en la galería FLACSO Arte Actual. Se pretende aquí dejar una semblanza de los procesos conceptuales llevados adelante, las preocupaciones presentes en la discusión, las aspiraciones en cuanto a la construcción de sentidos y la proyección de reflexiones específicas, los modos de organizar las ideas por parte de la curaduría, las problemáticas abordadas y la manera en la que se integraron las propuestas creadoras, activistas y artísticas implicadas.

ABSTRACT The text developed below, from the perspective of one of the members of a curatorial duo, the experience of setting up the curatorship for the exhibition Estrategias sublevantes. Lo sensible en acción (Strategies for Uprising. The Sensible in Action), opened on December 11 th , 2019 in Quito, Ecuador, at the FLACSO Arte Actual gallery. The intention here is to leave a sketch of the conceptual processes carried out, the main concern of the discussion, the aspirations regarding the construction of meanings, and the projection of specific reflections, the ways of organizing ideas by curatorship, the problems approaches and the way in wich the creative, activist and artistic proposal involved were integrated.

Book review: Cruz, Pablo (ed.). (2018). National Superior Autonomous School of Fine Arts of Peru. Centennial 1918-2018. Lima: National Superior Autonomous School of Fine Arts of Peru. 352 pages, illustrated. ISBN 978-612-47695-0-4

RESUMEN En esta recensión se repasa la publicación conmemorativa por los 100 años de creación de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú. La edición de la obra estuvo a cargo de Pablo Cruz y esta institución. Se realiza un breve recorrido por cinco ensayos, los cuales examinanvarios momentos históricos en torno a la conformación de la academia y la enseñanza artística en el Perú, desde finales del siglo XVIII hasta la década de 1970. Se identifica y destaca aquellos actores y procesos que determinaron varios momentos del arte peruano de los siglos XIX y XX, y su estrecha relación con la modernidad artística y la construcción de lo nacionalen el campo de las bellas artes.

Abstract The following text reviews thecentennial anniversary publication of Escuela Nacional Superior Autónoma de BellasArtes del Perú (1918-2018). The book was edited by Pablo Cruz and compiles seven sections. A recapitulation of the volumeallows a comprehensive examination of several historical moments regardingthe fine arts in the Peruvian context. Therefore, some names and artistic movements are identified as surmountinfluence forPeru’s modern art and its correlation with the fine arts field, art educationmodels and the establishmentof a national art.