Índex, revista de arte contemporáneo

ESCRITOS DEL ARTE DESDE EL EXILIO: SOBRE EL PENSAMIENTO FRONTERIZO EN LA CRÍTICA DE ARTE DE LUIS CAMNITZER

Resumen Desde la segunda mitad de la década de 1960, Luis Camnitzer traza en sus escritos el retrato de una América Latina compleja, cuyo pasado colonial parece perpetuarse bajo nuevas formas de dominación y control, que tienen una incidencia directa en el ámbito de la cultura. Este ensayo explora cómo ciertos factores biográficos y geo históricos, modelaron el proyecto teórico de Camnitzer y lo condujeron a un giro decolonial en el marco de la estética y el arte. Por ello, analizaré una selección de sus textos a través del prisma de la opción decolonial. Me enfocaré en dos eventos cruciales en la vida del artista/teórico, plasmados en sus textos: la diáspora y el exilio. Estos desplazamientos, acercaron a Camnitzer al pensamiento fronterizo que conduce a la opción decolonial. La migración se convierte en un terreno propicio para la reflexión y la escritura, en el que se construye un proyecto decolonial que busca deshacer las dinámicas de poder instauradas en el arte. El objetivo de este ensayo es comprender cómo la práctica teórica y crítica de Luis Camnitzer, involucrada en el debate modernidad/colonialidad, es motivada o estimulada por el pensamiento fronterizo.

Abstract Since the second half of the 1960s, Luis Camnitzer traces in his writings the complex portrait of Latin America, whose colonial past seems to be perpetuated under new forms of domination and control, which have a direct impact on the field of culture. This essay explores how biographical and geohistorical aspects shaped Camnitzer’s theoretical project, and led it to a decolonial turn within the framework of aesthetics and art. Therefore, I propose to analyze a selection of texts by the Uruguayan artist through the lens of the decolonial option. I will focus on two crucial events in Camnitzer’s life, captured in his texts: the diaspora and the exile. Immigration becomes a propitious territory for reflection and writing, in which a decolonial project is built and seeks to undo the dynamics of power established in art and aesthetics. This essay aims to understand how Camnitzer’s theorical practice, involved in the modernity/coloniality debate, is motivated by border thinking.

REFLEXIONES EN TORNO A LO TREMENDO DESDE EL HACER-MATERIAL DE LA OBRA DE ARTE CONTEMPORÁNEA

Resumen Este artículo se propone reflexionar sobre el concepto de lo tremendo y su vínculo con ciertas prácticas artísticas contemporáneas que reflexionan la relación entre técnica y violencia, desde la materialidad de sus recursos y procedimientos. La hipótesis que se desarrollará es que lo tremendo se deja nombrar en el arte en la medida en que ciertas obras y prácticas artísticas alteran la función comunicativa del lenguaje, haciendo emerger sus propios recursos técnico-materiales. A nivel metodológico, el texto ha sido estructurado en tres secciones: la primera corresponde a una reflexión acerca de la relación entre lo tremendo y la violencia de la técnica sobre el pensar; la segunda propone pensar la relación entre violencia y lenguaje a partir de la pregunta: ¿puede lo tremendo ser representado?; y finalmente una tercera sección, en la que se ilustrará la hipótesis enunciada por medio del análisis de tres obras de artistas latinoamericanas.

Abstract This article is a reflection on the concept of the tremendous and its link with certain contemporary artworks that think the relationship between technique and violence, from the materiality of its resources and procedures. The hypothesis that will be developed is that the tremendous could be named by the art insofar as certain artistic works and practices modify the communicative function of language, making their own material resources emerge. Methodologically, the text has been organized in three parts: the first is a reflection on the relationship between the tremendous and the violence of technique into thinking; the second proposes to think about the relationship between violence and language from the following question: can the tremendous be depicted?; and a third part in which the hypothesis will be illustrated through the review of three Latin American artworks.

DESDE LA IMAGEN COMO REPRESENTACIÓN A LA IMAGEN COMO FUNCIÓN: SOBRE LA CONDICIÓN ALGORÍTMICA PRESENTE EN TRES TRABAJOS DE ARTE VISUAL CONTEMPORÁNEO EN CHILE

Resumen Este trabajo reflexiona en torno a las imágenes producidas y/o mediadas por aparatos tecnológicos digitales, específicamente imágenes que emergen dentro del campo del arte chileno contemporáneo, las cuales contribuyen a orientar la discusión en torno a los problemas representacionales de un régimen visual algorítmico. Específicamente, este artículo propone la hipótesis de que a la luz de la revisión de ciertas prácticas, presentes en el arte chileno contemporáneo que trabajan con el lenguaje algorítmico, resulta necesario comenzar a actualizar el marco teórico con el que analizamos las prácticas artísticas contemporáneas, asunto para el que tanto la noción de visiónica (Virilio, 1998) como la de imagen invisible (Paglen, 2019) nos proporcionan un punto de partida desde donde pensar la relación arte y digitalidad al interior del nuevo contexto de visión maquínica.

Abstract This work reflects on the images produced and / or mediated by digital technological devices, specifically images that emerge within the field of contemporary Chilean art, which contribute to orient the discussion around the representational problems of an algorithmic visual regime. Specifically, this article proposes the hypothesis that in light of the review of certain practices present in contemporary Chilean art that work with algorithmic language, it becomes necessary to update the theoretical framework with which we analyze contemporary artistic practices. for which both the notion of visionic (Virilio, 1998) and that of invisible image (Paglen, 2019) provide us with a starting point from which to think about the relationship between art and digitality within the new context of machinic vision.

HUNDERTWASSER: LAS CINCO PIELES COMO INTERFACES DE EXPERIENCIA COMÚN

Resumen A través de la perspectiva y obra de las “Cinco pieles” del artista y arquitecto austríaco Hundertwasser, se invita a repensar la forma de permanecer en el mundo, lo que lleva a realizar una propuesta de análisis por medio de las interfaces, dejando a un lado el ámbito tecnológico y entendiéndose como lenguajes que derivan en ‘formas de interacción’ ambiental, artística y arquitectónica. Con esto se propone una visión más compleja con respecto de las “Cinco pieles” para la significación del universo, en la que se logre la convivencia equilibrada entre el animal humano, las especies no humanas y el entorno, como un todo de permanencia común.

Abstract The perspective proposed in the work of the Austrian artist and architect Hundertwasser “Five skins”, invite us to rethink the way of staying in the world, which leads to an analysis through the interfaces, leaving aside the technological field, and being understood as languages that derive in environmental, artistic and architectural “forms of interaction”. This is a complex vision about to the artist and “Five skins” for the meaning of the universe, in which a balance between the human animal, non-human species and the environment as a whole coexiste.

“ENCAJERA IN SITU” DE BEATRIZ GONZÁLEZ: UN ENSAYO SOBRE EL LUGAR EN EL ARTE COLOMBIANO

Resumen Este artículo presenta una reflexión en torno a la obra “Encajera in situ” de la artista colombiana Beatriz González. Las relaciones que establece la obra entre la pintura de Vermeer, su correspondiente transformación en el estilo de González, el baúl de mimbre en el que encaja la imagen y el mundo cultural que porta el objeto tejido reflejan el interés de González en pensar y hacer arte desde el lugar. Más aun, la obra misma problematiza la noción de lugar de enunciación del arte, su carácter provincial, in situ y táctico en un mundo de influencias artísticas y culturales dominantes. Su posición invita entonces a revisar categorías y lugares de enunciación para pensar el arte de nuestra región.

Abstract This paper presents a reflection on the work “Lacemaker in situ” by the Colombian artist Beatriz González. The relationships that the work establishes between Vermeer's painting, its corresponding transformation in González's style, the wicker trunk into which the image fits, and the cultural world that carries the woven object reflect González's interest in thinking and making art from the place. Furthermore, the work itself problematizes the notion of place, its provincial, in situ and tactical character in a world of dominant artistic and cultural influences. Her position then invites us to review categories and places of enunciation to think about the art of our region.

UN ÁLBUM DE CITAS: EL MUSEO IMAGINARIO DE ANDRÉ MALRAUX

Resumen En 1947 André Malraux escribió su celebre ensayo Le Musée imaginaire, texto a partir del cual el autor convoca a las personas a crear su propio museo aboliendo las limitaciones espaciales y temporales impuestas por la institución museal tradicional. Mediante esta recolección heterogénea de imágenes, Malraux revisita la historia del arte desde una lógica en la que prima la subjetividad del encuadre fotográfico y el álbum como espacio de encuentro azaroso. Bajo esta premisa, el presente artículo busca reflexionar sobre la cita en el campo de las artes visuales y cómo esta se vincula a la noción de museo propuesta por André Malraux. Con este fin, proponemos una metodología que aborde el problema enunciado desde el análisis crítico de fuentes escritas y visuales convocadas en este escrito.

Abstract In 1947 André Malraux wrote his famous essay Le Musée imaginaire, a text from which the author calls on people to create their own museum by abolishing the spatial and temporal limitations imposed by the traditional museum institution. Through this heterogeneous collection of images, Malraux revisits the history of art from a logic in which he prioritizes the subjectivity of photographic framing and the album as a space for a random encounter. Under this premise, this article seeks to reflect on the quote in the field of visual arts and how it is linked to the notion of museum proposed by André Malraux. To propose a methodology that addresses the problem stated from the critical analysis of written and visual sources convened in this writing.

BUDA Y COATLICUE: DOS FORMAS EQUIDISTANTES DE MANIFESTACIÓN

Resumen El presente escrito es un breve acercamiento a los encuentros fortuitos que se pueden hallar desde la comprensión de “lo ajeno”. Buda y Coatlicue son dos esculturas en piedra que “conversan” más allá de su forma, son los vestigios de dos culturas que desarrollaron una singular forma de ver el mundo y que, intencionalmente o no, manifiestan semejanzas desde el plano de la contradicción. Quizá resulte poco convencional comprender cómo es que dos esculturas establecen un diálogo, sin embargo, es a partir de esta propuesta que la distancia entre China y México resulta ser más corta de lo que aparenta. En suma, que estas reflexiones sirvan para situarlos como dignos representantes de dos formas no tan lejanas de existir.

Abstract This paper is a brief approach to the fortuitous encounters that can be found from the understanding of "what is foreign". Buddha and Coatlicue are two stone sculptures that "converse" beyond their form, they are the vestiges of two cultures that developed a singular way of seeing the world and that, intentionally or not, manifest similarities from the plane of contradiction. Perhaps it is unconventional to understand how two sculptures establish a dialogue, however, it is from this proposal that the distance between China and Mexico turns out to be shorter than it seems. In short, may these reflections serve to situate them as worthy representatives of two not so distant forms of existence.

Representar, documentar y duelar: el archivo fotográfico de Adelina Dematti de Alaye-Madre de Plaza de Mayo

Resumen El presente artículo explora la relación entre fotografía y memoria a partir del archivo fotográfico de Adelina Dematti de Alaye, Madre de Plaza de Mayo- Línea Fundadora. A partir del análisis de un corpus fotográfico de su archivo personal, el trabajo analiza el vínculo que esta mujer, maestra, fotógrafa y Madre de Plaza de Mayo, entabló con la fotografía como un modo documentar, como forma de autorrepresentación y como soporte para la elaboración de un duelo ante la experiencia límite de la desaparición forzada de un hijo. Estas dimensiones dan cuenta del carácter de resistencia que adquirió la práctica de fotografiar, así como iluminan otros sentidos de la misma.

Abstract This article explores the relationship between photography and memory through the photographic archive of Adelina Dematti de Alaye, Mother of Plaza de Mayo- Línea Fundadora (foundress line). Based on the analysis of a photographic corpus of her personal archive, the paper analyzes the link that this woman, teacher, photographer and Mother of Plaza de Mayo, established with photography as a way of documenting, as a self-representation and as support for mourning, in the face of the extreme experience of the forced disappearance of a child. These dimensions show the character of resistance that the practice of photography acquired, as well as illuminate other senses of it.

PACHAQUEER, ARTE QUE TRANSFORMA

Resumen En este artículo, se conoce, analiza y explica el puente de enlace existente entre los espacios urbanos, población en general y el colectivo disidente Pachaqueer fundado en mayo de 2013 en el Distrito Metropolitano de Quito (DMQ). Es fundamental señalar que Pachaqueer ha construido un proyecto urbano que consiste en efectuar luchas anticapitalistas, utilizando la antropología corporal y sensorial como recurso de emancipación para generar un arte provocador, que cuestiona las dinámicas del poder y opresión que constituye las diferentes formas de institucionalidad, inscritas en el contexto capitalino. Propone recuperar la poiesis del cuerpo como mecanismo de resiliencia frente a las miradas binarias existentes en la realidad colonial quiteña, así como en los espacios políticamente conformados, y concebirlo como esencial u objeto material.

Abstract This article analyzes and explains the link between urban spaces, the general population and the dissident collective Pachaqueer founded in May 2013 in the Metropolitan District of Quito (DMQ). It is essential to point out that Pachaqueer has built an urban project that consists of carrying out anti-capitalist struggles, using body and sensorial anthropology as a resource for emancipation to generate a provocative art that questions the dynamics of power and oppression that constitute the different forms of institutionality inscribed in it. In the context of the capital, proposing to recover the poiesis of the body as a mechanism of resilience in the face of the binary views existing in the colonial reality of Quito, as well as in the politically shaped spaces, and conceive it as an essential or material object.

VISUALIDAD Y DAÑO. NOTAS SOBRE NATURALEZA Y MEDIOAMBIENTE EN EL ARTE ARGENTINO

Resumen En este artículo se parte de la articulación entre arte y medioambiente, específicamente de una serie de propuestas visuales argentinas. El fin es asociarlas según relaciones o motivos persistentes: el señalamiento del daño a la naturaleza por parte del ser humano. A partir de cinco casos que, por supuesto, no revisten exhaustividad, proponemos dar cuenta de diversas propuestas artístico-visuales que tematizaron problemáticas ambientales vinculadas al agua y al fuego. La selección está formada por una variedad de lenguajes estéticos: performances, arte-activismo, pintura, tapiz. Se desarrollan algunas referencias sobre el tema y se analiza el corpus y, por último, se establece una serie de conclusiones para pensar la lucha contra la precarización de la existencia desde el arte.

Abstract This article starts with the articulation between art and environment, specifically from a set of argentine visual art proposals. The purpose is to associate them according to the damage by humans to nature as a motiv. Five cases will be analyzed, which of course, are not exhaustive; our proposal is to account environmental problems linked to the elements of water and fire. The selection is made up of a variety of aesthetic languages: performances, art-activism, painting, tapestry. Some references on the subject are developed and analyzed in the corpus propossed. Finally, a series of conclusions are established to think about the fight against the precariousness of existence from the art point of view.

LA COLECTIVIDAD FEMINISTA EN EL ARTE ACTIVISMO: METODOLOGÍAS EN “CALZONES PARLANTES” DE ANDREA ZAMBRANO ROJAS

Resumen Este artículo plantea la relevancia e importancia de la visualidad y el arte en el activismo feminista, a través de la obra “Calzones parlantes” de la artista ecuatoriana Andrea Zambrano Rojas. Se presenta a la artista y a su proyecto y se lo analiza con énfasis en el cruce entre metodologías feministas, el activismo y el arte, retomando el planteamiento de la filósofa Marina Garcés. Se cierre el artículo destacando la relevancia del arte activista y su capacidad de levantar una voz colectiva y de reclamar una humanidad crítica en el capitaloceno. El artículo se basa en dos entrevistas con la artista sobre la reflexibilidad de su experiencia.

Abstract This article investigates de importance of visuality and art in activism, through a research of the piece “Calzones parlantes” by Andrea Zambrano Rojas, Ecuadorian artist. I introduce the artist and her project, which is analyzed focusing on the intersection between feminist methodologies, activism, and art. This is related to activism using the Spanish philosopher Marina Garcés’ approach to activism based on the idea of “poner el cuerpo”, or “presenting the body”. The article concludes by emphasizing the relevance of art activism for its capacity to help us speak out collectively and, moreover, reclaim our humanity in an age of capitalism. The article is based largely on two in-depth interviews conducted with the artist and her reflections on the experience.

Hipótesis sobre el (des) encuentro entre la investigación artística y la investigación científica

Resumen Afortunadamente, la investigación artística se ha vuelto más aceptada por la academia en los últimos años y el potencial de una relación mutuamente beneficiosa entre Arte y Ciencia parece más prometedor que nunca. A pesar de ello, continúan existiendo tensiones y reticencias que obstaculizan excesivamente el desarrollo de proyectos interdisciplinares donde el arte esté implicado. En este artículo intentaremos, en primer lugar, analizar comparativamente la investigación artística y la investigación científica a la luz de cuatro dominios clásicos de la Filosofía de la Ciencia: lenguaje, mereología, método y verdad; en segundo lugar, formularemos dos hipótesis sobre las razones del desencuentro persistente entre arte y ciencia, asentado en la separación entre racionalismo y empirismo y sobre la posibilidad de encuentro, basado en el uso especulativo de la razón, entre la investigación artística y científica; dos miradas metodológicamente distintas sobre el mismo concepto o problema metafísico.

Abstract Fortunately, artistic research has become more accepted by academia in recent years and the potential for a mutually beneficial relationship between art and science seems more promising than ever. Despite this, tensions and reluctance continue to exist that excessively hinder the development of interdisciplinary projects where Art is involved. In this paper we will try, in the first place, to analyze comparatively artistic research and scientific research in the light of four classic domains of the Philosophy of Science: language, mereology, method and truth; secondly, we will formulate two hypotheses about the reasons for the persistent disagreement between art and science, based on the separation between rationalism and empiricism and, on the possibility of encounter, based on the speculative use of reason, between the artistic and scientific research; two methodologically different views on the same concepts or metaphysical problems.

NEGATIVIDAD, DERRUMBE Y ESTROPICIO EN LA PROPUESTA FOTOGRÁFICA QUEER DE LARIZA HATRICK. UNA MIRADA DESDE JULIA KRISTEVA

Resumen El itinerario fotográfico de Lariza Hatrick se encuentra poblado de identidades sexo-disidentes. Sin embargo, la artista argentina poco se preocupa por visibilizar, reivindicar y solicitar reconocimiento para aquellas identidades que retrata. Lejos de poner su producción artística a servicio de una política de identidad preocupada por alcanzar el reconocimiento de la heteronorma, Hatrick captura composiciones visuales que nos enfrentan con aquello que desborda todo borde identitario y sistema taxonómico clasificatorio. Sus imágenes figuran la presencia de lo abyecto y de la negatividad radical con la cual tropieza todo orden simbólico. Su estética pesimista se interesa por el derrumbe, el estropicio y el fracaso que envuelve a toda existencia. Allí detecta una oportunidad para interrumpir el orden político imperante y sus violencias. En esta oportunidad ofrecemos algunas fotografías de objetos dañados y desechados. Las resonancias inefables y perturbadoras que allí circulan son interpretadas a partir del pensamiento de Julia Kristeva.

Abstract Lariza Hatrick’s photographic itinerary is filled with dissident sexual identities. However, the Argentinian artist shows little concern in visibilizing, reclaiming and demanding recognition for the identities she portrays. Far from putting her artistic production at the disposal of a politics of identity aiming to attain the recognition of the heterosexual norm, Hatrick captures visual compositions that confront us with everything that overflows identitary borders and classifying taxonomic systems. Her images picture the presence of abjection and the radical negativity that every symbolic order tumbles over. Her pessimist aesthetic is interested in the collapse, wreckage and failure that surrounds existence. There, she spots an opportunity to interrupt the ruling political order and its violence. In this occasion, we offer pictures of damaged and disposed objects. The ineffable, disturbing reverberations flowing there are interpreted in the light of Julia Kristeva’s contributions.

EL RECONOCIMIENTO DE LA BAUHAUS: ARTE, DISEÑO Y TÉCNICA, 1919-1933

Resumen Este artículo corresponde a un resultado de investigación que se sustenta en una indagación histórico - cultural, respaldada en la necesidad de conocer la presencia de la escuela Bauhaus y su influencia en la Alemania de posguerra. El objetivo principal de esta indagación histórica se centra en analizar las dinámicas sociales y pedagógicas que alimentó la escuela dentro de la coyuntura política de la cual hizo parte. El año de 1919, implicó no sólo la fecha en la que se firmó el Tratado de Paz, también motivó un cambio generalizado frente a la forma de vivir y de entender en lo que se convertiría la nueva nación, la escuela Bauhaus se planeó como una opción para reivindicar lo que el fracaso militar había dejado después de la Gran Guerra, el proyecto académico no es sólo una dinámica técnica, es también un ejercicio de comprensión político que estructuró un nuevo norte en la forma de pensar el hacer y su responsabilidad con el entorno.

Abstract This article is based on a historical inquiry into the presence of the Bauhaus school and its influence in post-war Germany. The main objective of this work is to analyse the social and pedagogical dynamics nurtured by the Bauhaus within the broader political context of that time and place. In German history, 1919 is significant not only as the year in which the peace treaty was signed but also as a time of general change in people’s ways of living and understanding what the new nation would become. The Bauhaus school was designed to provide options to vindicate what the military project had left after the Great War. As an academic project, it was not only intended to be a place of dynamic new technical innovation but also conceived as an exercise in a new political approach to thinking and making and the designer’s responsibility for the environment.

REGISTRO ATMOSFÉRICO

FERNANDO FALCONÍ. LA FORMA DE LA VIDA

Resumen El presente texto introduce el más reciente trabajo del artista Fernando Falconí que se expuso desde el día jueves 12 de agosto hasta el día sábado 11 de septiembre de 2021 en el espacio N.A.S.A.(L) de Mauricio Aguirre en Guayaquil (Ecuador). A lo largo de su trayectoria artística Fernando Falconí ha explorado sutil, irónica y agudamente los relatos científicos sobre la evolución de las especies y el desarrollo de la vida. De manera particular ha hurgado en las dinámicas reproductivas, reformulando preguntas respecto a la contradictoria relación entre el ser humano y naturaleza. Todo esto lo ha hilvanado dentro de la manera crítica con la cual se aproxima a los discursos (e incoherencias) sobre la nación, su cultura y educación. En esta nueva serie de obras (2019-2021), el artista propone un nuevo reto de interpretación, alineado a su trabajo previo, que propicia una reflexión y un cuestionamiento histórico respecto a cómo se organiza y transmite el conocimiento a nivel social.

Abstract This text introduces the most recent work of the artist Fernando Falconí that was exhibited from Thursday, August 12 to Saturday, September 11, 2021, at Mauricio Aguirre's N.A.S.A.(L) space in Guayaquil (Ecuador). Throughout his artistic career, Fernando Falconí has subtly, ironically, and acutely explored scientific accounts of the evolution of species and the development of life. Particularly, he has delved into reproductive dynamics, where he examines the contradictory relationship between human beings and nature. These themes have been interwoven into his critique of discourses (and incoherencies) about the nation (or nation-building), culture, and education. In this new series of works (2019-2021), the artist proposes new ways of interpreting (these discourses) and offers historical commentary about how knowledge is organized and transmitted in society.