Índex, revista de arte contemporáneo

Antiquities of the ideological news: three positions on the relationship between art and revolution

Resumen: La relación entre arte y política constituye uno de los motivos fundamentales de la reflexión estética desde sus mismos orígenes, y más aún en los momentos históricos caracterizados por fuertes movimientos de revolución social. Desde este breve marco, nuestro trabajo se orienta a reconstruir tres posiciones sobre la relación entre el arte y la revolución producida en el período de entreguerras del Siglo XX. En un primer momento, caracterizamos la doctrina del Realismo Socialista propuesta en la Unión Soviética a través del Primer Congreso de Escritores (1934). Luego, nos detenemos en un documento que procuró desmontar los fundamentos de la posición anteriormente señalada: El Manifiesto por un Arte Revolucionario Independiente firmado por León Trotsky y André Breton (1938). Finalmente, exploramos una forma de relación alternativa a las dos posiciones anteriores basándonos en las consideraciones del filósofo alemán Walter Benjamin acerca del Surrealismo y el concepto de imagen (1929).

Abstract: The relationship between art and politics constitutes one of the fundamental reasons for aesthetic reflection from its very origins, and even more so in historical moments characterized by strong movements of social revolution. From this brief framework, our work is oriented to reconstruct three positions on the relationship between art and the revolution produced in the interwar period of the 20th century. At first, we characterize the doctrine of Socialist Realism proposed in the Soviet Union through the First Congress of Writers (1934). Then, we stop at a document that tried to dismantle the foundations of the position: The Manifesto for an Independent Revolutionary Art signed by Leon Trotsky and André Breton (1938). Finally, we explore an alternative form of relationship to the two previous positions based on the considerations of the German philosopher Walter Benjamin about Surrealism and the concept of image (1929).

Art and geology - History and contemporaneity of the arts and the geological

Resumen: Los métodos sin teoría son impensables en la creación artística; la teoría y la práctica no son contrarias, sino complementarias. En 1878 la fotografía posibilitó la descomposición del movimiento, y con este hecho muchas ideas se revelaron erróneas. Muybridge, pudo comprobar que los cuatro cascos de una yegua despegaban del suelo a la vez, lo que contradecía las ideas vigentes hasta entonces. Estos estudios científicos y técnicos incidieron en artistas como Degas, Puvis de Chavannes o Rodin, evidenciando la estrecha relación entre arte, ciencia y tecnología. A partir de esta introducción el texto describe diversos proyectos de arte que vengo realizando desde 2005, entre artes visuales y geología. Se explican los métodos de investigación artística, la metodología teórica, la idea o el concepto, y la metodología práctica, la materialización de esa idea en las artes plásticas y su estrecho vínculo con la geología y otras ciencias de la naturaleza.

Abstract: Methods without theory are unthinkable in artistic creation; Theory and practice are not opposite, but complementary. In 1878 photography made possible the decomposition of movement, and with this fact many ideas were revealed to be wrong. Muybridge could verify that the four hooves of a mare took off from the ground at the same time, which contradicted the ideas in force until then. These scientific and technical studies influenced artists such as Degas, Puvis de Chavannes or Rodin, evidencing the close relationship between art, science, and technology. From this introduction the text describes various art projects that I have been doing since 2005, between visual arts and geology. The methods of artistic research, the theoretical methodology, the idea or concept, and the practical methodology, the materialization of that idea in the plastic arts and its close link with geology and other natural sciences are explained.

Among the history, theory and sociology of art - An approach to the thought of Néstor García Canclini (1972-1982)

Resumen: En este artículo se analizan los tópicos e interrogantes que emergieron en la obra y el itinerario intelectual de Néstor García Canclini (1939), entre 1972 y 1982, en relación con las modulaciones teóricas entre la producción artística, la cultura y la política en América Latina. El período construido toma en cuenta sus primeras producciones elaboradas desde principios de los años setenta, cuando era profesor de filosofía en la Universidad Nacional de La Plata, Argentina, hasta sus trabajos elaborados en los primeros años de la década del ochenta, cuando ya residía en México tras exiliarse a dicho país en 1976. El período que va desde 1972 hasta 1982, permitirá observar las persistencias y los desplazamientos de la pregunta por la producción artística hacia una interrogación antropológica sobre las configuraciones estéticas en las artesanías elaboradas por una franja de los sectores populares mexicanos.

Abstract: This article analyzes the topics and questions that emerged in the work and intellectual itinerary of Néstor García Canclini (1939), between 1972 and 1982, in relation to the theoretical modulations between artistic production, culture and politics in Latin America. The constructed period considers his first productions made from the beginning of the seventies, when he was a professor of philosophy at the National University of La Plata, Argentina, until his works made in the early years of the eighties, when he was already residing in Mexico after exiling to that country in 1976. The period that goes from 1972 to 1982 will allow us to observe the persistence and shifts of the question about artistic production towards an anthropological interrogation about the aesthetic configurations in the crafts made by a group of Mexican popular sectors.

“Disease Thrower #2” by Guadalupe Maravilla, play, symbol, and festival: An approach from Hans-Georg Gadamer

Resumen: Este artículo analiza la obra “Disease Thrower #2” de Guadalupe Maravilla a través de los conceptos de juego, símbolo y fiesta de Hans-Georg Gadamer. Maravilla, un artista salvadoreño, fusiona sus experiencias migratorias y de padecimiento corporal, especialmente su batalla contra el cáncer, en una expresión artística interactiva y terapéutica. La obra, centrada en un santuario con gongs y objetos rituales, busca la participación del espectador, convirtiéndolo en co-creador. Gadamer argumenta que el juego es esencial en la experiencia artística, y la fiesta representa la comunidad en su forma más completa. La función simbólica de la obra, la interactividad lúdica y la creación de una temporalidad plena destacan su carácter como evento social y transformador. En conjunto, la obra desafía las categorías tradicionales del arte al fusionar lo simbólico, lúdico y festivo en una experiencia multisensorial.

Abstract: This article analyzes Guadalupe Maravilla's work “Disease Thrower #2” through Hans-Georg Gadamer's concepts of play, symbol, and festival. Maravilla, a Salvadoran artist, blends his migratory and bodily suffering experiences, particularly his battle with cancer, into an interactive and therapeutic artistic expression. The work, focused on a sanctuary with gongs and ritualistic objects, seeks viewer participation, turning them into co-creators. Gadamer argues that play is essential in the artistic experience, and the festival represents community in its most complete form. The symbolic function of the work, playful interactivity, and the creation of a full temporality highlight its character as a social and transformative event. Together, the artwork challenges traditional art categories by merging the symbolic, playful, and festive in a multisensory experience.

Between aestheticization and politicization: Natalie Wynn on the border

Resumen: Este texto surge del interés por el videoensayismo filosófico de YouTube e indaga especialmente la obra de la ex filósofa Natalie Wynn en tanto híbrido de arte y filosofía. Con algunos aportes de Walter Benjamin y de los estudios sobre el fenómeno de la estetización, pero también con debates que suscita la recepción de su obra en Argentina, nos preguntamos por la potencialidad política de una producción signada tanto por la militancia cuanto por las lógicas estéticas y comerciales de la plataforma -y la época- en la que se inserta.

Abstract: This text arises from interest in philosophical video essays on YouTube and especially investigates the work of former philosopher Natalie Wynn. With contributions from Walter Benjamin and studies on the phenomenon of aestheticization, but also with debates raised by the reception of his work in Argentina, we ask ourselves about the political potential of a production marked both by militancy and by aesthetic logic and commercials of the platform in which it is inserted.

Yes, there is work: performative exercises for the redefinition of the domestic

Resumen: Históricamente, se han ubicado a las tareas domésticas como actividades relegadas del campo de producción. Su territorialización al ámbito de la reproducción, espacio asociado habitualmente con lo femenino, ha determinado el despojo de su valor económico y social. Sin embargo, discursos contemporáneos instan al reconocimiento de la importancia de estas tareas y su redistribución genérica. En este sentido, las artes visuales han sido una plataforma potente para subvertir el discurso tradicional y contribuir con nuevos enfoques. Articulado con ello, el Colectivo Maternas realiza Sí hay trabajo, una propuesta performática que visibiliza la importancia del espacio doméstico a partir de la aplicación de elementos asociados con la productividad, para reubicar simbólicamente las actividades realizadas en este ámbito y legitimarlas como ingreso en especie.

Abstract: In history, domestic tasks have been relegated from the field of production. Their territorialization to the sphere of reproduction, a space usually associated with the feminine, has determined the deprivation of their economic and social value. However, contemporary discourses urge the recognition of the importance of these tasks and their generic redistribution. In this sense, the visual arts have been a powerful platform to subvert the traditional discussion and contribute with new approaches. Articulated to this, the Maternas Collective has created Sí hay trabajo, a performative proposal that makes visible the importance of the domestic space through the application of elements associated with productivity, to symbolically relocate the activities carried out in this area and legitimize them as an income in kind.

The destruction of urban space in Cuba: representations from the visual arts

Resumen: El urbanismo y las artes visuales constituyen alternativas para interpretar, representar y configurar el entorno. La destrucción en el espacio urbano de Cuba no se presenta como un proceso de transformación/actualización de los espacios, tal hecho conlleva indisolublemente una ausencia de lo creado anteriormente. En el estudio se analiza la capacidad del arte para resignificar ante procesos desarticuladores de la tríada sujeto/objeto/referente. Se analiza una muestra de tres obras/proyectos de artistas visuales cubanos que abordan el concepto de destrucción en el espacio urbano. La exploración que realizan estos creadores desde lo simbólico instaura un espacio para trascender la inmediatez y la literalidad impuesta por el poder político. En el contexto cubano, donde la destrucción de los espacios urbanos no se muestra como una transformación que trasmita continuidad de lo creado anteriormente, las artes visuales constituyen un canal de expresión crítica y recuperación de la memoria histórica.

Abstract: Urban planning and the visual arts constitute alternatives to understand, represent and configure the environment. The destruction in the urban space of Cuba is not presented as a process of transformation/updating of spaces, such a fact inextricably entails an absence of what was previously created. The study analyzes the capacity of art to resignify in the face of disarticulating processes of the subject/object/referent triad. A sample of three works/projects by Cuban visual artists that address the concept of destruction in urban space is analyzed. The exploration carried out by these creators from the symbolic establishes a space to transcend the immediacy and literality imposed by political power. In the Cuban context, where the destruction of urban spaces is not shown as a transformation that transmits continuity of what was previously created, the visual arts constitute a channel for critical expression and recovery of historical memory.

"Of blood and roots" - Ritual as aesthetics in feminist body art: An approach through the work of Ana Mendieta and Pilar Albarracín

Resumen: La figura de la bruja, la hechicería y todo el universo que las rodea han ejercido una función estética en la historia del arte prácticamente desde los albores de esta. De la demonización enmascarada de pedagogía y la erotización, el lenguaje iconográfico erigido alrededor de lo ritual-pagano se ha deconstruido y reapropiado, especialmente debido a los procesos creativos de mujeres artistas enmarcadas en el campo del body art y sus variantes del último tercio del siglo XX y el XXI. En el presente artículo se analizarán los casos de Ana Mendieta (1948-1985) y Pilar Albarracín (1968), diseccionando los elementos de sendas producciones que, como recurso para la elaboración de un discurso crítico-social, se sirven de lo ritual como recurso estético.

Abstract: The figure of the witch, witchcraft and the whole universe that surrounds them have exercised an aesthetic function in the History of Art practically since the dawn of it. From the demonization masked as pedagogy and eroticization, the iconographic language erected around the ritual-pagan has been deconstructed and reappropriated, especially due to the creative processes of women artists framed in body art and its derivations, carried out in the last third of the twentieth century and the XXI century. This article will analyze the cases of Ana Mendieta (1948-1985) and Pilar Albarracín (1968), dissecting the elements of both productions that, as a resource for the elaboration of a critical discourse, make use of ritual as aesthetics.

Body, bioeroticism and cyberspace in the ecocritical performativities of David Cronenberg, Julio Huayamave and David Jara

Resumen: Uno de los desafíos fundamentales para asumir las transformaciones de toda índole de cara a una crisis global es cambiar el vínculo que mantenemos con la naturaleza y ello comporta, en primer lugar, analizar cómo nos relacionamos entre humanos. David Cronenberg, Julio Huayamave y David Jara comparten en común la performatividad de sus poéticas visuales que observan al cuerpo vinculado a una perjudicial noción bio-robótica; sus alegorías tienen un carácter ecocrítico y son nihilistas respecto al supuesto progreso tecnológico. Estos autores abordan la anulación de lo humano ante su contendiente transhumano, así como la desconfiguración de lo comunitario como ámbito donde, en algún momento, imaginamos redimirnos y avanzar.

Abstract: The most important challenge in assuming transformations of all kinds in the face of a global crisis is to change the bond we maintain with nature, and this involves, first, analyzing how we relate to humans. David Cronenberg, Julio Huayamave and David Jara share performativity in their visual poetics that perceive the body linked to a harmful bio-robotic notion; their allegories have an ecocritical character and are nihilistic with respect to supposed technological progress. These authors address the annulment of the human in the face of its transhuman competitor, as well as the deconfiguration of the community as an area where, at some point, we imagine redeeming ourselves and moving forward.

Blue poetics and color politics in the artistc work of Seba Calfuqueo

Resumen: El color es uno de los elementos formales más relativos en las piezas de arte y, quizás, uno de los aspectos menos atendidos en los textos que analizan las prácticas artísticas recientes. En este escrito busco reflexionar sobre el color azul en la obra de Seba Calfuqueo, artista mapuche contemporánea. Kallfü es la palabra en mapudungun que designa al azul y contiene una dimensión sagrada y simbólica, evocada en distintos momentos visuales en la obra de la artista. A partir de esta constatación, propongo una reflexión sobre la poética del azul en Calfuqueo. Sugiero que su decisión estética puede ser leída a partir de al menos dos posicionamientos: (1) como relectura del sentido del kallfü a partir de las condiciones históricas actuales; (2) en su sentido performático, como modo de aparición alterna a la coloración de la blanquitud que constituye el ethos moderno. En última instancia, esta indagación nos permitirá extrapolar conjeturas en torno al uso cromático y la dimanación de la espiritualidad en el arte contemporáneo.

Abstract: Color is one of the most relative formal elements in art pieces and, perhaps, one of the least attended aspects in the texts that analyze recent artistic practices. In this work I seek to reflect on blue in the work of Seba Calfuqueo, a contemporary Mapuche artist. Kallfü is the mapudungun word for blue and contains a sacred and symbolic dimension, evoked in different visual moments of the artist's work. From this observation, I propose a reflection on the poetics of blue in Calfuqueo. I suggest that his aesthetic decision can be read from at least two positions: (1) as a rereading of the meaning of kallfü from current historical conditions; (2) in its performative sense, as an alternative mode of appearance to the coloration of whiteness that constitutes the modern ethos. Ultimately, this inquiry will allow us to extrapolate conjectures about the chromatic use and dimanation of spirituality in contemporary art.

THE SECOND MIRROR STAGE: INTERDISCIPLINARY METHODOLOGY TO CREATE A WORKSHOP OF ARTISTIC CREATION - EDUCATION TO WORK ABOUT CHILDREN IDENTITY

Resumen: Este artículo presenta y analiza las bases teóricas fundamentales de una metodología interdisciplinaria denominada “El segundo estadio del espejo”, la cual fusiona la Educación-creación artística con la electrónica en un taller dirigido a niños de 8 a 12 años. El propósito principal de esta metodología es fomentar el desarrollo de una conciencia temprana del “Yo” psicológico, que se encuentra arraigado en las percepciones del contexto cultural y social. Para lograr este objetivo, el artículo aborda un análisis crítico de pedagogías artísticas y teorías científicas sobre el cerebro y la psicología que complementan y sostienen la aplicación exitosa de la metodología propuesta.

Abstract: This article presents and analyzes the fundamental theoretical foundations of an interdisciplinary methodology called “The Second Mirror Stage”, which combines Artistic-creation education with electronics in a workshop aimed at children aged 8 to 12. The main purpose of this methodology is to foster the development of an early awareness of the psychological “Self,” which is rooted in perceptions of cultural and social context. To achieve this goal, the article undertakes a critical analysis of artistic pedagogies and scientific theories on the brain and psychology that complement and support the successful implementation of the proposed methodology.

Artistic Creation workshops for patients with anxiety and depression

Resumen: Este artículo relata la experiencia del proyecto de investigación-creación “Expresión, vínculos sociales y salud mental”. Primero ofrecemos un esbozo del contexto que motivó la iniciativa; segundo, el desarrollo e implementación de talleres de creación; y tercero, los hallazgos y reflexiones una vez realizadas las pruebas con pacientes del Hospital Universitario San Ignacio de Bogotá. El proyecto es una contribución para dinamizar la relación entre pacientes y profesionales de la salud bajo la figura del módulo “artista mediador-paciente-profesional de salud”, permitiendo el acceso a información no contemplada por los mecanismos tradicionales de la psiquiatría, mediante conversaciones. El trabajo con pacientes voluntarios permitió entender que la red de apoyo de una persona puede estar constituida también por seres de otro tipo, como personajes imaginarios, animales, memorias de seres queridos muertos o lugares, entre otros posibles.

Abstract: This article relates the experience of the research-creation project “Expression, social ties and mental health”. First, we offer an outline of the context that motivated the initiative; second, the development of creation and implementation workshops; and third, the findings and reflections once the tests were carried out with patients at the San Ignacio University Hospital in Bogotá. The project is a contribution to energize the relationship between patients and health professionals under the figure of the “artist mediator-patient-health professional” module, allowing access to information not contemplated by the traditional mechanisms of psychiatry, through conversations. The work with volunteer patients allowed us to understand that a person's support network can also be made up of other types of beings, such as imaginary characters, animals, memories of dead loved ones or places, among other possibilities.

Speculative technopoetics of future fossils: reflections on extractive capitalism, failed technoscience and the ecological crisis

Resumen: Este artículo analiza la obra “La Sexta Extinción” del artista contemporáneo Felipe Jácome Reyes; y, plantea que opera como una tecnopoética especulativa del futuro a través de una serie de fósiles que dan testimonio de una sociedad sustentada en un capitalismo extractivo. Se concluye que la obra se convierte en una suerte de dispositivo de imaginación estética y política, que cuestiona la crisis ecológica como parte de una crisis civilizatoria anclada a un proyecto moderno tecnocientífico. A partir de una crítica al ethos extractivo −que impone el capital sobre la naturaleza− la obra invita a la reflexión sobre la economía política del tecnoceno y el capitaloceno, permitiendo especular sobre las cartografías futuristas del capital extractivo que depreda la vida humana y no humana.

Abstract: This article analyzes the piece “La Sexta Extinción” by contemporary artist Felipe Jácome Reyes and argues that it operates as a speculative technopoetics of the future through a series of fossils that bear witness to a society sustained by an extractive capitalism. It is concluded that the artwork becomes a sort of device of aesthetic and political imagination, which questions the ecological crisis as part of a civilizational crisis anchored to a modern techno-scientific project. From a critique of the extractive ethos −which imposes capital on nature− the artwork invites reflection on the political economy of the technocene and the capitalocene, allowing speculation on the futuristic cartographies of the extractive capital that depredates human and non-human life.

Not for now - Notes on the time of the archive

Resumen: El ensayo indaga en torno a la predominancia de las prácticas de archivo en el arte contemporáneo, incidiendo especialmente en el concepto de tiempo implícito en tales prácticas y en su afinidad con lo que, proponemos, constituye su marco estético distintivo: la burocracia. Echando mano de algunos pasajes clásicos de la literatura, se busca hallar en la temporalidad del aplazamiento y la postergación, a la que caracterizaremos como “burocrática”, un modelo que eche luces sobre la economía temporal del archivo y, sobre esa base, iluminar conceptualmente algunos rasgos que definen la temporalidad propia de la contemporaneidad del “arte contemporáneo”. De modo transversal, el ensayo señala algunos puntos críticos del ethos archivístico de cara a su pretendida politicidad.

Abstract: The essay explores into the predominance of archival practices in contemporary art, particularly focusing on the implicit concept of time within such practices and their affinity with what we propose constitutes their distinctive aesthetic framework: bureaucracy. Drawing on some classic passages of literature, we aim to find in the temporality of postponement and delay, which we will characterize as "bureaucratic," a model that sheds light on the temporal economy of the archive and, on that basis, conceptually illuminates some features that define the temporality inherent in the contemporaneity of “contemporary art.” In a transversal way, the essay highlights some critical points of the archival ethos regarding its purported politicization.

What oil painting taught me about epistemology

Resumen: En este ensayo se expone la relación entre las cualidades materiales de la pintura y su afinidad con la investigación artística. El objetivo es señalar en las características del óleo, en sus manchas imprecisas, irrepetibles e indefinibles, atisbos de una epistemología que lo mismo reconoce a la certeza y a la incertidumbre como elementos que configuran el conocimiento.

Abstract: This essay explores the relation between the material qualities of paint and their affinity with artistic research. The aim is to point out in the characteristics of oil painting, in its vagueness, unrepeatable, and indefinable spots, glimpses of an epistemology that recognizes both, certainty and uncertainty, as elements shaping knowledge.

Añil profundo, artistic collaborations between Natalia De los Ríos and Carolina Muñoz

Resumen: Este texto aborda los procesos que emergen de la experimentación de materiales naturales, más específicamente con el añil o índigo y su vínculo con las colaboraciones artísticas. Durante estos procesos se entretejen, y de manera reciproca, los conocimientos y pensamientos resultan a partir de la reflexión y analogía del acercamiento entre el cuerpo, los ciclos, la mancha y el territorio en una relación directa y cercana con el arte de dos artistas Natalia De los Ríos y Carolina Muñoz, quienes encontraron en el añil la oportunidad de habitar la naturalidad de la intuición del encuentro consigo mismas y el territorio que caminan y observan desde su creación artística.

Abstract: This text addresses the processes that develops from testing natural materials, specifically indigo and its link with artistic collaborations. During these processes, knowledge and thoughts are interwoven and reciprocal, resulting from the reflection and analogy of the approach between the body, the cycles, the stain and the territory, in a direct and close relationship with the art of two artists Natalia De los Ríos and Carolina Muñoz, who found in indigo the opportunity to inhabit the genuineness of the intuition of the encounter with themselves and the territory they walk and observe from their artistic creation.

Solar Consciousness

Resumen: Existe en Latinoamérica, entre un cierto grupo de artistas, una profunda conciencia del sol. José Luis Macas Paredes es uno de ellos. En su obra, esto que juntos hemos denominado “conciencia solar”, se manifiesta como una sensibilidad aguda hacia los ciclos solares, los movimientos de la luz y la sombra, y su impacto en la geografía y las culturas andinas. Es una forma de percepción que reconoce la importancia del sol como una fuerza vital que moldea la realidad física y simbólica de un lugar, y en su caso específico, ha moldeado desde su origen la urbanidad de la ciudad de Quito en Ecuador. A lo largo de esta conversación, Jose Luis nos lleva a través de su experiencia personal con el proyecto de caminatas y foftografía y dibujo en cianotipia Recorridos de luz y sombra, poéticas del soslticio ecuatorial y Achikyakushuyu - dibujos de sol y agua a reconsiderar la relación entre lo que él llama la urbandinidad y la luz solar ecuatorial.

Abstract: In Latin America, there is a certain group of artists with a deep awareness about the sun. José Luis Macas Paredes is one of them. In his work, what together we have called “solar consciousness”, manifests itself as an acute sensitivity to solar cycles, the movements of light and shadow, and their impact on Andean geography and cultures. It is a form of perception that recognizes the importance of the sun as a vital force that shapes the physical and symbolic reality of a place, and in his specific case, has shaped since its origin the urbanity of the city of Quito in Ecuador. Throughout this conversation, Jose Luis takes us through his personal experience with the walking and photolithography and cyanotype drawing project Paths of light and shadow, poetics of the equatorial solstice y Achikyakushuyu - drawings of sun and water to review the relationship between what he calls urbanandinity and equatorial sunlight.

About the art show "Humano, Demasiado Humano"

Resumen: La exposición “Humano, Demasiado Humano” fue presentada en el Centro de Arte Contemporánea de Quito del 23 de junio al 29 de octubre de 2023 con los artistas Jeisson Castillo, Chakala, Jorge Barco, Tania Candiani, Felipe Jácome Reyes y la curaduría de Pedro Soler. En el libro que presta su título a la exposición, Nietzsche observa que los humanos perciben todo a través de su particular cabeza humana y se pregunta qué quedaría del mundo si pudiéramos cortarla. Hoy en día si no cortamos la cabeza humana no quedará mundo para nadie. Esta exposición es una máquina para pensar sin cabeza y una elegía para la vida y todo lo que estamos perdiendo. En este texto la curadora Pedro Soler analiza el contexto e inspiración para la exposición además de la contribución de cada artista y los procesos de pensamiento y sentimiento activados por esta única constelación de obras.

Abstract: The exhibition "Human, All Too Human", curated by Pedro Soler, was presented at the Centro de Arte Contemporánea in Quito, Ecuador, from June 23 to October 29, 2023, with artists Jeisson Castillo, Chacala, Jorge Barco, Tania Candiani, Felipe Jácome Reyes. In the book that lends its title to the exhibition, Nietzsche observes that humans perceive everything through their human head and wonders, what would be left of the world if we could cut it off? Today if we don't cut off that human head there will be no world for anybody. This exhibition is a machine for thinking without a head and an elegy for the miracle of life and all that we are losing. In this text curator Pedro Soler analyzes the context and inspiration for the exhibition as well as the contribution of each artist and the processes of feeling and thought activated by this unique constellation of works.

Mediation of Things

Resumen: En esta exposición el artista Xavier Patiño (Guayaquil, 1961) invita el espectador a entrar en su mundo de objetos geométricos que encarnan los colores de las grandes revoluciones socialistas. Son herramientas creativas ligadas a la escolaridad, abstraídas de su empleo cotidiano: curvigrafos, reglas, niveles, cintas métricas, escuadras, herramientas de medición colocadas en este espacio galerístico para recordarnos el potencial transformador del arte, pero también su complicada relación con los sistemas pedagógicos burocráticos que todo lo miden y estandarizan, para expresar así resultados en índices de éxito que los legitimen. Este texto curatorial fue escrito para la exposición titulada La mediación de las cosas de Xavier Patiño realizada en los meses de agosto y septiembre de 2023 en la galería +ARTE en Quito y que se presentó en Cuenca (Ecuador) desde diciembre 2023 hasta febrero 2024 en el marco del programa de las exposiciones paralelas de la XVI Bienal de Cuenca.

Abstract: In this exhibition, artist Xavier Patiño (Guayaquil, 1961) invites the viewer to enter his world of geometric objects representing the colors of major socialist revolutions. These creative tools are linked to education, abstracted from their everyday use: curvigraphs, rulers, levels, tape measures, squares, measuring tools placed in this gallery space to remind us of the transformative potential of art. However, it also highlights its complicated relationship with bureaucratic educational systems that measure and standardize everything, expressing results in success indices that legitimize them. This text was written for the exhibition titled The Mediation of Things by Xavier Patiño, held in August and September 2023 at the +ARTE gallery in Quito. It was also presented in Cuenca (Ecuador) from December 2023 to February 2024 as part of the parallel exhibitions program of the XVI Cuenca Biennial.

MIGUEL MEDINA

Resumen: El texto narra el descubrimiento y exploración de la obra de Miguel Medina, un artista guayaquileño, destacando su evolución desde una primera impresión de afinidad hacia la abstracción hasta una comprensión más profunda de su lenguaje pictórico. Medina conjura paisajes enigmáticos, influenciados por términos científicos y mitológicos, creando una narrativa visual que desafía la percepción del espectador. Sus obras sugieren territorios en constante gestación, nutridos por la exploración espacial y la influencia de lenguajes visuales aborígenes. El artista combina ciencia y leyenda para generar una interpretación propia del paisaje, desafiando la narrativa histórica predominante. Su arte, imbuido de fabulación, ofrece un escape reconfortante de la realidad, estimulando la imaginación y sugiriendo un telurismo místico como posible futuro. En resumen, Medina utiliza su obra para explorar la intersección entre ciencia, mito y arte, desafiando las percepciones convencionales del paisaje y promoviendo la reflexión sobre nuevas posibilidades.

Abstract: The text narrates the discovery and exploration of the work of Miguel Medina, an artist from Guayaquil, highlighting his evolution from an initial impression of affinity towards abstraction to a deeper understanding of his pictorial language. Medina conjures enigmatic landscapes, influenced by scientific and mythological terms, creating a visual narrative that challenges the viewer's perception. His works suggest territories in constant gestation, nourished by space exploration and the influence of indigenous visual languages. The artist combines science and legend to generate his own interpretation of the landscape, challenging the prevailing historical narrative. His art, imbued with fabulation, offers a comforting escape from reality, stimulating the imagination and suggesting a mystical earthiness as a possible future. In summary, Medina uses his work to explore the intersection of science, myth, and art, challenging conventional perceptions of the landscape and promoting reflection on new possibilities.